Импрессионизм – направление в живописи, зародившееся во Франции в XIX-XX веках, являющее собой художественную попытку запечатлеть какой-нибудь момент жизни во всей его изменчивости и подвижности. Картины импрессионистов словно качественно смытая фотография, возрождающая в фантазии продолжение увиденной истории. В этой статье мы рассмотрим 10 самых известных импрессионистов мира. К счастью, талантливых художников гораздо больше десяти, двадцати или даже ста, поэтому давайте остановимся на тех именах, которые нужно знать обязательно.
Чтобы не обидеть ни художников, ни их почитателей, список приведен в русском алфавитном порядке.
1. Альфред Сислей
Этот французский живописец английского происхождения считается самым известным пейзажистом второй половины XIX века. В его коллекции насчитывается более 900 картин, из которых самые известные это «Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной», и многие другие.
2. Ван Гог
Известный всему миру печальной историей о своем ухе (кстати, отрезал он не все ухо, а только мочку), Ван Гон стал популярным лишь после своей кончины. А за жизнь смог продать одну-единственную картину, за 4 месяца до смерти. Говорят, он был и предпринимателем, и священником, но нередко попадал в психиатрические больницы из-за депрессии, поэтому вся мятежность его существования вылилась в легендарные произведения.
3. Камиль Писсарро
Писсарро родился на острове Сент-Томас, в семье буржуазных евреев, и был одним из немногих импрессионистов, родители которого поощряли его увлечение и вскоре отправили в Париж на обучение. Больше всего художнику пришлась по вкусу природа, ее-то он и изображал во всех красках, а если сказать точнее, то у Писсарро был особый талант подбирать мягкость цветов, сочетаемость, после чего на картинах словно появлялся воздух.
4. Клод Моне
С детства парнишка решил, что станет художником, несмотря на запреты семьи. Самостоятельно переехав в Париж, Клод Моне окунулся в серые будни тяжелой жизни: два года на службе в вооруженных войсках в Алжире, тяжба с кредиторами из-за бедности, болезни. Однако, создается ощущение, что трудности не угнетали, а наоборот, воодушевляли художника создавать такие яркие картины, как «Впечатление, восход солнца», «Здание парламента в Лондоне», «Мост в Европу», «Осень в Аржантее», «На берегу Трувилля», и множество других.
5. Константин Коровин
Приятно знать, что среди французов, родителей импрессионизма, можно с гордостью поставить нашего соотечественника – Константина Коровина. Страстная любовь к природе помогла ему интуитивно придавать невообразимую живость статической картинке, благодаря соединению подходящих красок, ширины мазков, выбора темы. Невозможно пройти мимо его картин «Пристань в Гурзуфе», «Рыба, вино и фрукты», «Осенний пейзаж», «Лунная ночь. Зима» и серии его работ, посвященных Парижу.
6. Поль Гоген
До 26-ти лет Поль Гоген и не задумывался о живописи. Он был предпринимателем и имел большую семью. Однако когда впервые увидел картины Камиля Писсарро, решил, что непременно станет рисовать. С течением времени стиль художника менялся, но самые известные импрессионистические картины это – «Сад в снегу», «У обрыва», «На пляже в Дьеппе», «Обнаженная», «Пальмы на Мартинике» и другие.
7. Поль Сезанн
Сезанн, в отличие от большинства своих коллег, стал известен еще при жизни. Ему удалось организовать собственную выставку и выручать с нее немалые доходы. Люди знали толк в его картинах – он, как никто другой научился совмещать игру света и тени, делал громкий акцент на правильных и неправильных геометрических формах, строгость тематики его картин гармонировала с романтикой.
8. Пьер Огюст Ренуар
До 20-ли лет Ренуар работал декоратором вееров у старшего брата, и только потом перебрался в Париж, где познакомился с Моне, Базилем и Сислеем. Это знакомство помогло ему в будущем стать на дорогу импрессионизма и прославиться на ней. Ренуар известен как автор сентиментального портрета, среди его самых выдающихся работ – «На террасе», «Прогулка», «Портрет актрисы Жанны Самари», «Ложа», «Альфред Сислей и его жена», «На качелях», «Лягушатник» и многие другие.
9. Эдгар Дега
Если вы еще ничего не слышали о «Голубых танцовщицах», «Репетиции балета», «Балетной школе» и «Абсенте» - поспешите скорее узнать о творчестве Эдгара Дега. Подбор оригинальных цветов, уникальных тем для картин, ощущение движения картинки – все это и многое другое сделало Дега одним из самых известных художников мира.
10. Эдуард Мане
Не путайте Мане с Моне – это два разных человека, работавших в одно время и в одном художественном направлении. Мане всегда привлекали сцены бытового характера, необычные внешности и типажи, как будто случайно «пойманные» моменты, впоследствии запечатленные на века. Среди известных картин Мане: «Олимпия», «Завтрак на траве», «Бар в «Фоли-Бержер», «Флейтист», «Нана» и другие.
Если у вас появится хоть малейшая возможность повидать картины этих мастеров вживую – вы навсегда влюбитесь в импрессионизм!
“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”
Анри Канвейлер
XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.
А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.
Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.
Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.
Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.
1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)
Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекция
Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.
Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.
Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.
В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.
Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж
Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.
“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.
Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru
На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.
“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.
Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.
Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org
Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.
Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.
Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org
Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.
Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.
2. Клод Моне (1840-1926 гг.)
Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция
Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье
3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)
Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru
Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.
В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.
В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.
Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org
Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.
Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.
Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com
Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.
Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.
Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org
Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.
Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.
Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье
4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)
Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com
Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.
Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.
Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.
Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.
Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.
Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org
На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.
Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.
Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.
Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США
Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.
Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.
Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org
Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.
Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.
О других картинах мастера читайте в статье
5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)
Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.
Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.
Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.
Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.
Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.
Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.
Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.
Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.
Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.
Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.
Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.
Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.
О картинах мастера читайте в статье
6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)
Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org
Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.
Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.
Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.
Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж
Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.
Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.
Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту
красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook
и ВКонтакте
Осень полна романтики и особой душевности. Природа сияет золотом и багрянцем, люди становятся более сентиментальными, а художники вдохновенно берутся за кисти. И в их творениях, таких разных по исполнению, отражено все самое прекрасное: красочные леса, убаюкивающие мегаполисы дожди, опавшая листва в озерах...
Команда сайт тоже прониклась лиричным настроением и предлагает вам насладиться картинами художников, очарованных осенью.
Городские мелодии Ги Дессата
Талантливый французский художник побывал в самых разных уголках мира. На картинах его можно увидеть и Японию, и Америку. Но более всего запоминаются работы Ги Дессата, посвященные самому романтичному городу на земле - Парижу.
Волшебная акварель Абэ Тошиюки
Дивные акварели японского художника Абэ Тошиюки настраивают на философский лад. Важны мельчайшие детали: плеск реки, шелест листьев, нежность лепестков сакуры... По мнению живописца, «искусство - это зеркало души смотрящего», поэтому вы сами можете задать любой картине свое настроение.
Прекрасная реальность Петера Мёрка Мёнстеда
Петер Мёрк Мёнстед, известный художник-реалист из Дании, чаще всего изображал на своих картинах сельские окрестности, леса и реки. При всей простоте сюжета пейзажи талантливого живописца забыть невозможно. Они исполнены с виртуозным мастерством и зовут нас насладиться созерцанием мира природы.
Солнечный мир Лорана Парселье
Если у вас вызывает грусть пасмурная погода, тогда вам придутся по душе солнечные картины истинного француза Лорана Парселье. На картинах позитивного художника-импрессиониста даже осенью - только прекрасная погода. А его «фирменные» солнечные зайчики сразу поднимают настроение.
Таинственность Джона Эткинсона Гримшоу
Про этого удивительного художника говорили, что он «рисует лунным светом, туманом и сумерками». Его потрясающие картины словно наполнены неким мистическим смыслом. Сегодня работы Джона Эткинсона можно увидеть лишь в каталогах, так как все оригиналы находятся в частных коллекциях. А ведь когда-то родители юного Джона были категорически против его увлечения живописью.
Красочность Грэма Геркена
Своими яркими пейзажами этот самобытный австралийский художник воспевает родную землю. Также немало его работ было создано во время путешествий по Азии, Европе и Америке. Его динамичные картины, выполненные в классическом стиле импрессионизма, вдохновляют людей в разных уголках мира.
Импрессионизм является одним из самых известных направлений французской живописи, если не самым известным. А зародилось оно еще в конце 60-х-начале 70-х годов XIX века и во многом повлияло на дальнейшее развитие искусства того времени.
Импрессионизм в живописи
Само название «импрессионизм » было придумано французским художественным критиком по имени Луи Леруа после посещения первой выставки импрессионистов в 1874 году, где он раскритиковал картину Клода Моне «Впечатление: Восходящее солнце» («впечатление» в переводе на французский звучит как «impression»).
Клод Моне, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, Фредерик Базиль - основные представители импрессионизма.
Импрессионизм в живописи характеризуется быстрыми, спонтанными и свободными мазками. Ведущим принципом было реалистичное изображение световоздушной среды.
Импрессионисты стремились запечатлеть на холсте ускользающие мгновения. Если в это самое мгновение объект предстает в неестественном цвете, из-за определенного угла падения света или его отражения, то художник так его и изображает: например, если солнце красит поверхность пруда в розовый цвет, то он и будет написан в розовом.
Особенности импрессионизма
Говоря про основные черты импрессионизма, необходимо назвать следующие:
- немедленное и оптически точное изображение быстротечного момента;
- выполнение всей работы на открытом воздухе - больше никаких подготовительных эскизов и завершения работы в студии;
- использование чистого цвета на холсте, без предварительного смешивания на палитре;
- использование брызг яркой краски, мазков разной величины и степени размашистости, которые визуально складываются в одну картину, только если смотреть на нее с расстояния.
Русский импрессионизм
Эталонным портретом в этом стиле считают один из шедевров русской живописи - «Девочку с персиками» авторства Александра Серова, для которого импрессионизм, тем не менее, стал всего лишь периодом увлечения. К русскому импрессионизму также относят написанные в конце XIX-начале XX веков работы Константина Коровина, Абрама Архипова, Филиппа Малявина, Игоря Грабаря и других художников.
Эта принадлежность скорее условная, поскольку русский и классический французский импрессионизм имеют свою специфику. Русский импрессионизм был ближе к материальности, предметности произведений, тяготел к художественному смыслу, в то время как французский импрессионизм, как было сказано выше, просто стремился изобразить моменты жизни, без лишней философии.
По сути, русский импрессионизм перенял от французов только внешнюю сторону стиля, приемы его живописи, но так и не усвоил само живописное мышление, вложенное в импрессионизм.
Современный импрессионизм продолжает традиции классического французского импрессионизма. В современной живописи XXI века немало художников работает в этом направлении, например, Лоран Парселье, Карен Тарлтон, Диана Леонард и другие.
Шедевры в стиле импрессионизм
«Терраса в Сент-Адресс» (1867), Клод Моне
Эту картину можно назвать первым шедевром Моне. Она до сих пор является самой популярной картиной раннего импрессионизма. Здесь тоже присутствует любимая тема художника — цветы и море. На полотне изображены несколько человек, отдыхающих на террасе в солнечный день. На стульях, спиной к зрителям, изображены родственники самого Моне.
Вся картина залита ярким солнечным светом. Четкие границы между землей, небом и морем разделяются, упорядочивая композицию по вертикали с помощью двух флагштоков, однако при этом четкого центра композиция не имеет. Цвета флагов сочетаются с окружающей природой, подчеркивая разнообразие и насыщенность красок.
«Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), Пьер Огюст Ренуар
Эта картина изображает типичный воскресный день в Париже XIX века, в Мулен де ла Галетт - кафе с открытой танцевальной площадкой, чье название соответствует названию мельницы, которая находится поблизости и является символом Монмартра. Рядом с этим кафе был расположен дом Ренуара; он часто посещал дневные воскресные танцы и любил наблюдать за счастливыми парами.
Ренуар демонстрирует настоящий талант и объединяет искусство группового портрета, натюрморта и пейзажной живописи в одной картине. Использование света в этой композиции и плавность мазков наилучшим образом представляют широкому зрителю стиль импрессионизм . Эта картина стала одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах.
«Бульвар Монмартр ночью» (1897), Камиль Писсарро
Несмотря на то, что Писсарро славится своими картинами с изображением сельской жизни, он также написал большое количество прекрасных городских сюжетов XIX века в Париже. Он любил писать город из-за игры света днем и вечером, из-за дорог, освещенных как солнечным светом, так и уличными фонарями.
В 1897 году он арендовал комнату на бульваре Монмартр и изобразил его в разное время суток, причем эта работа стала единственной работой из серии, запечатленной уже после того, как наступила ночь. Полотно наполнено густым синим цветом и яркими желтыми пятнами городских огоньков. Во всех картинах «бульварного» цикла основным стержнем композиции является уходящая вдаль дорога.
Сейчас картина находится в Национальной галерее Лондона, но при жизни Писсарро она никогда нигде не выставлялась.
Посмотреть видеофильм об истории и условиях творчества основных представителей импрессионизма можно здесь:
Это сейчас за их работы предлагают заоблачные суммы, ныне они - канон и догма, но когда XIX век только преодолел половину своего пути, всё поначалу складывалось плачевно. Импрессионизм, картины молодых художников служили поводом для скандалов и всеобщих насмешек.
Канон, живопись и Парижский салон
В те времена для живописцев Франции существовали жёсткие правила. Профессиональное жюри тщательно отбирало работы на выставки знаменитого Салона. Поощрялось следование академическому искусству, классическим сюжетам, устоям и нормам. Буржуазный Салон открывал радужную дорогу в будущее, что означало благосклонность старшего поколения художников, внимание прессы, популярность среди заказчиков. Награда Салона - путь к известности, отвергнутая работа - хула, скандал, пища для нападок журналистов и нищета. А если ты молод и дерзок, но портреты вельмож и избитые сюжеты писать опостылело? Если есть призвание рисовать иначе, потому что видишь по-другому, как быть?
Отверженные
В 1863 году жюри отклонило так много картин, что император Наполеон III заподозрил неладное и предложил альтернативу. Открылся «Салон отверженных». Зритель толпой шел посмотреть диковинную экспозицию и продолжал потешаться. Стереотипы не исчезают сами по себе, их ломают, а для этого нужно время...
Небольшая группа художников восстала против мёртвых догм и консерватизма. Молодое творческое поколение озадачилось поиском новых площадок для выставок, часами дискутировало в знаменитом кафе Guerbois о задачах и целях живописи. Позже каждый из живописцев пойдёт своим путём, но пока их объединяли общие цели и задачи: пробиться, снискать признание, выработать общую теоретическую платформу.
И вот первый серьёзный самостоятельный шаг - весна 1873-го года, выставка в мастерской фотографа Надара. 30 художников представили 165 работ на суд утонченной публики... И снова недоумение! Зрителей удивляет манера письма: отрывистость мазка, размытость контуров, необычная цветовая гамма, как будто художник спешит. В работах видится небрежность, недописанность, недосказанность. Поражает пристальное внимание к пленэру, где царят воздух, тень и полутень, и уличному эпизоду. Взгляд творцов сосредочен на моменте бытия. Всё это вызывает резкую критику и непонимание. Бунтарей обвиняют в аморальности, беспринципности. Мало того, они смеют переосмыслить незыблемые ценности искусства: изображают жизнь улицы, площади, быт простого люда! Всё это, по мнению обывателей из буржуа и аристократов, неправильно, мелко и буднично.
Картины маслом. Импрессионизм Моне
Свой новый холст Моне называет «Впечатление. Восход солнца». Какой-то журналист выхватывает его из контекста: импрессионизм, картины, впечатление. Общий тон высказываний, как обычно, пренебрежителен и ироничен. Художники принимают вызов и нарекают новое течение этим якобы глумливым словом.
Расцвет импрессионизма приходится на 70-ые - 80-ые годы. Самые яркие его представители - Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей и многие другие.
Эдуард Мане в стане врага
Картины в стиле импрессионизма Эдуарда Мане перманентно вызывали недоумение публики. Он, как никто другой, умел провоцировать громкие скандалы, хотя сам был порождением той же среды, которая яростно на него нападала. Мане был хорошо воспитан, образован, унаследовал состояние, дававшее ему возможность не заботиться о хлебе насущном. Картина «Происшествие на корриде» так нещадно подвергалась нападкам прессы, что у живописца сдали нервы, и он разорвал работу. Острое неприятие публики вызвали его полотна «Олимпия» и «Завтрак на траве».
Персональная экспозиция, организованная в павильоне Всемирной парижской выставки 1867 года на собственные средства, была вовсе освистана. Молодой Эмиль Золя - чуть ли не единственный, выступивший в защиту. Именно он впервые высказал мысли вслух о новаторстве художника, прозорливо заявив, что место его картинам в самом Лувре. С коллегами-импрессионистами Эдуард Мане никогда не выставлялся, считал, что его поле боя - пресловутый Салон. Видимо, потому, что он не боялся в чужом монастыре диктовать свои законы, ему так сильно доставалось от критиков.
Камиль Писсарро: воздух, пленэр и импрессионизм
Камиль Писсарро считал, что главное в живописи - воздух. Тонкий, прозрачный, дышащий светом, туманами, дождями и их предчувствием. Воздух на его полотнах практически осязаемый. В историю искусства Писсарро вошёл как певец Парижа и Руана, сельского и городского пейзажа. Художник считается одним из идеологов импрессионизма. Его друзья - великие мастера Сезанн, Дега, Гоген. Его жизнь не была простой: он нуждался, был счастливо женат, многодетен и фанатично предан искусству. От нищеты спасал небольшой огород, в котором его домочадцы выращивали овощи и продавала в Париже. Только за 5 лет до смерти художника семья поселилась в черте города на улице Риволи, в доме с видом на Лувр.
Писсарро был очарован живописными видами Руанского собора кисти Клода Моне. Он отправляется в город и пишет свой Руан, его улочки и набережные. Так появляется одна из его картин «Улица Эписери, Руан (эффект солнечного света)» (1898 г). Принято считать самой удачной именно эту работу, где на холсте воплощено оживлённое движение рынка на фоне стремительных церковных шпилей, уходящих в ясное, словно умытое, небо. Праздничное движение толпы, яркие цветовые пятна крыш, их нагромождение создают сочное многоголосье, ритм и звучание красок.
Удивительный тюбик с краской
Почему эта группа художников так настойчиво обращается к пленэру? Неужели другие талантливые мастера не додумались? Оказывается, новая идеология искусства обусловлена техническим прогрессом. Пленэр стал возможен благодаря изобретению тюбика для красок. Теперь краску в свинцовой тубе можно закрыть крышкой и отложить. Она не высохнет и будет пригодна к использованию в дальнейшем. Художник может не ограничиваться только работой в помещении, а рисовать на свежем воздухе! Это и есть прорыв! Теперь предметом искусства может стать практически всё. Огюст Ренуар писал, что благодаря этому изобретению заиграл новыми гранями импрессионизм. Картины новаторов-художников без прогресса не воплотились бы в жизнь.
Клод Моне и Руанский собор: импрессионизм, картины, фото
Если мы упомянули французский город Руан в творчестве двух великих художников, то нельзя не сказать о серии «Руанский собор» Клода Моне, ставшей грандиозной художественной эпопеей конца столетия. Моне загорелся идеей написать величественное готическое сооружение (на тот момент самый высокий собор в мире) в разные времена года, в различные моменты светового дня.
Над шедевром он трудился более 2 лет с 1892 года. За зданием и происходящими вокруг него изменениями Моне наблюдал почти круглосуточно в съёмной квартире, выходящей окнами на собор. Одновременно мастер работал над несколькими полотнами: он был растерян, недоволен, постоянно уничтожал написанное, снова брался за холст, уезжал, возвращался, менял жильё, писал до изнеможения и приступов бессонницы. Замысел пожирал его... Искусствоведы считают, что художник ввёл в живопись, обычно имеющую дело с тремя измерениями, четвёртое - время. Если вдруг понадобится назвать известные картины импрессионизма как течения, то эта серия самая монументальная. Художник планировал продать всю серию в одни руки, но так как цена была на тот период непомерно высока, то полотна стали собственностью разных коллекционеров.
Российские импрессионисты
Новое течение нашло отклик в России. Современники вспоминают, что юного Константина Коровина простой вопрос учителя - художника Поленова - ввёл в замешательство. Слово «импрессионизм», картины французских живописцев того времени (именно об этом спрашивал Поленов) были ему неизвестны. Впервые Коровин окажется в Париже в 27-летнем возрасте, увидит близкую ему манеру письма и окончательно успокоится - он прав и не одинок! Работа «Испанки Леонора и Ампара» хранится в Третьяковской галерее. В своё время за полотно с художником расплатились пальто стоимостью в 25 рублей. Подобный случай в истории живописи далеко не единичный. Константин Коровин, его друг Валентин Серов и художник Игорь Грабар - яркие представители импрессионизма в России конца XIX столетия.
Для нашей непростой эпохи, сочетающей разнообразные стили и течения в искусстве, понятие «современный импрессионизм», картины художников в этом жанре - больше славное прошлое, чем настоящее. Прославленных на весь мир имён людей, работающих в этом стиле, сейчас, увы, нет. Импрессионизм - это путь, по которому уже прошла живопись, а по проторенным дорогам идти легко.
