В XVII в. Голландия стала образцовой капиталистической стра­ной. Она вела обширную колониальную торговлю, у нее был мощный флот, кораблестроение было одной из ведущих отраслей промышленности. Даже английские судовладельцы часто делали заказы голландским верфям. Трудолюбивые земледельцы, голландцы на сравнительно небольших пространствах земли сумели создать такое молочное хозяйство, что прославились на общеевропейском рынке. В конце XVII - начале XVIII в. с вступлением на между­народную торговую арену Англии и Франции Голландия теряет свое экономическое и политическое значение, но на протяжении всего XVII столетия она является ведущей экономической державой Европы.

Одновременно Голландия в этот период - и важнейший центр европейской культуры. Борьба за национальную независимость, победа бюргерства определили и характер голландской культуры XVII в. Протестантизм (кальвинизм как его наиболее суровая форма), вытеснивший полностью влияние католической церкви, привел к тому, что духовенство в Голландии не имело такого влияния на искусство, как во Фландрии и тем более в Испании или Италии. Лейденский университет был центром свободомыслия. Духовная атмосфера благоприятствовала развитию философии, ес­тественных наук, математики. Отсутствие богатого патрициата и католического духовенства имело огромные последствия для раз­вития голландского искусства. У голландских художников был другой заказчик: бюргеры, голландский магистрат, украшавшие не дворцы и виллы, а скромные жилища или общественные здания,- поэтому и картины в Голландии этой поры не имеют таких размеров, как полотна Рубенса или Иорданса, и решают преимущественно станковые, а не монументально-декоративные задачи. В Голландии церковь не играла роли заказчика произведений искусства: храмы не украшались алтарными образами, ибо кальвинизм отвергал.всякий намек на роскошь; протестантские церкви были просты по архитектуре и никак не украшены внутри.

Главное достижение голландского искусства XVIII в.-в стан­ковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изобра­жающих голландский быт. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров, создатели которого в истории получили наимено­вание «малых голландцев», то ли за непритязательность сюжетов, то ли из-за малых размеров картин, а может быть, и за то, и за другое. Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. Была даже специализация внутри жанра: вечерние и ночные пейзажи (Арт ван дер Нер), «ночные пожары» (Экберт ван дер Пул), пейзажи зимние (Авер-камп), корабли на рейде (Я. Порселлис), равнинный пейзаж (Ф. Конинк); натюрморты - «завтраки» (П. Клас и В. Хеда) или изо­бражение цветов и фруктов (Б. ван дер Аст, Я. ван Хейсум), цер­ковные интерьеры (А. де Лорм) и пр. Живопись на евангельские и библейские сюжеты представлена также, но далеко не в таком объеме, как в других странах, равно как и античная мифология. В Голландии никогда не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, дифференциация жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам XVII в. Но в каком бы жанре ни работали голландские мастера, везде они находят поэтическую красоту в обыденном, умеют одухотворить и возвысить мир материальных вещей.

Историю голландской живописи XVII в. прекрасно демонстри­рует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Халса (около 1580-1666). В 10-30-х годах Халс много работает в жанре группового портрета. Это в основном изображение стрелковых гильдий - корпораций офицеров для обороны и охраны городов. Бюргеры хотели быть увековеченными на полотне, они вносили определенный взнос за право быть изо­браженными, и художник обязан был помнить о равном внимании к каждой модели. Но не портретное сходство пленяет нас в этих произведениях Халса. В них выражены идеалы молодой республики, чувства свободы, равноправия, товарищества. С полотен этих лет смотрят жизнерадостные, энергичные, предприимчивые люди, уве­ренные в своих силах и в завтрашнем дне («Стрелковая гильдия св. Адриана», 1627 и 1633; «Стрелковая гильдия св. Георгия», 1627). Хале изображает их обычно в товарищеской пирушке, в веселом застолье. Большие размеры композиции, вытянутой по горизонта­ли, широкое уверенное письмо, интенсивные, насыщенные цвета (желтый, красный, синий и т. д.) создают монументальный характер изображения. Художник выступает историографом целой эпохи.

Индивидуальные портреты Халса исследователи иногда назы­вают жанровым в силу особой специфичности изображения, опре­деленного приема характеристики. В позе качающегося на стуле Хейтхейзена есть что-то неустойчивое, выражение лица как будто вот-вот должно измениться. Портрет пьяной старухи, «гарлемской ведьмы», содержательницы харчевни Малле Баббе (начало 30-х годов), с совой на плече и пивной кружкой в руке, носит черты жанровой картины. Эскизная манера Халса, его смелое письмо, когда мазок лепит и форму, и объем и передает цвет; мазок то жирный, пастозный, густо покрывающий холст, то позволяющий проследить тон грунта, акцентировка одной детали и недосказанность другой, внутренняя динамика, умение по одному намеку определить целое - вот типичные черты почерка Халса.

Ф. Халс. Стрелковая гильдия св. Георгия. Фрагмент. Харлем, музей Халса

Ф Халс Портрет Виллема ван Хейтхейзена. Брюссель, Музей изящных искусств

Г. Терборх. Концерт. Берлин, музей

В портретах Халса позднего периода (50-60-е годы) исчезает беззаботная удаль, энергия, напор в характерах изображенных лиц. В эрмитажном мужском портрете при всей импозантности фигуры, даже некоторой чванливости прослеживается усталость и грусть. Эти черты еще более усилены в блестящем по живописи портрете мужчины в широкополой шляпе из музея в Касселе (60-е годы). Хале в эти годы перестает быть популярным, потому что никогда не льстит и оказывается чужд переродившимся, утратившим демок­ратический дух вкусам богатых заказчиков. Но именно в поздний период творчества Хале достигает вершины мастерства и создает наиболее глубокие произведения. Колорит его картин становится почти монохромным. Это обычно темная, черная одежда, с белым воротником и манжетами, и темно-оливковый цвет фона. Лако­ничная живописная палитра построена, однако, на тончайших градациях.

За два года до смерти, в 1664 г., Хале снова возвращается к групповому портрету. Он пишет два портрета - регентов и регентш приюта для престарелых, в одном из которых сам нашел приют в конце жизни. В портрете регентов нет духа товарищества прежних композиций, модели разобщены, бессильны, у них мутные взгляды, опустошение написано на их лицах. В сумрачный колорит (черное, серое и белое) особое напряжение вносит розовато-красное пятно ткани на колене одного из регентов. Так, на девятом десятке лет больной, одинокий и нищий художник создает свои самые драма­тические и самые изысканные по мастерству произведения.

В. Хеда. Завтрак с ежевичным пирогом. Дрезден, галерея

Искусство Халса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта.

Пейзажный жанр Голландии XVII столетия особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, который мы узнаем и в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пус­тынные дюны, каналы со скользящими по ним лодками летом и с конькобежцами - зимой. Воздух насыщен влагой. Серое небо за­нимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян ван Гойен (1596-1656) и Саломон ван Рейсдал (1600/1603-1670).

Расцвет пейзажной живописи в голландской школе относится к середине XVII в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал (1628/29-1682), худож­ник неистощимой фанта­зии. Его произведения обычно исполнены глубо­кого драматизма, изобра­жает ли он лесные чащи («Лесное болото»), ланд­шафты с водопадами («Во­допад») или романтиче­ский пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»). Природа у Рейсдала пред­стает в динамике, в вечном обновлении. Даже самые простые мотивы природы приобретают под кистью художника монументаль­ный характер. Рейсдалу свойственно сочетать тща­тельную выписанность с большой жизненной цело­стностью, с синтетично­стью образа.

П. де Хах. Дворик. Лондон, Национальная галерея

Только морским пей­зажем (мариной) занимался Ян Порселлис (около 1584-1632). Рядом с реалистическим, сугубо голландским пейзажем существо­вало в это время и другое направление: итальянского характера ландшафты, оживленные мифологическими персонажами, фигур­ками людей и животных.

В тесной связи с голландским пейзажем находится анималисти­ческий жанр. Излюбленный мотив Альберта Кейпа - коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»). Пауль Поттер помимо общих планов любит изображать одно или несколько животных крупным планом на фоне пейзажа («Собака на цепи»).

Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюр­морт - это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Клас (около 1597- 1661), Биллем Хеда (1594-1680/82) чаще всего изображали так называемые завтраки: блюда с окороком или пирогом на относи­тельно скромно сервированном столе. В умелой компоновке пред­меты показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей (недаром голландцы называли натюрморт «stilliven» - «тихая жизнь», а не «nature morte» - «мертвая природа». Правда, как вернозамечено И. В. Линник, «тихая жизнь» - это более поздний по­этический перевод. На языке XVII столетия это означало «не­подвижная модель», что более от­вечает практической сметке и де­ловому подходу голландцев того времени). Колорит сдержан и изыскан (Хеда. «Завтрак с ома­ром», 1648; Клас. «Натюрморт со свечой»,1627).

Вермер Делфтский. Головка девушки. Фрагмент. Гаага, Маурицхейс

С изменением жизни голлан­дского общества во второй поло­вине XVII в., с постепенным на­растанием стремления буржуа­зии к аристократизации и потерей ею былого демократизма изменяется и характер натюр­мортов. «Завтраки» Хеды сменя­ются роскошными «десертами» Калфа. На смену простой утвари приходят мраморные столы, ковровые скатерти, серебряные кубки, сосуды из перламутровых раковин, хрустальные бокалы. Калф достигает поразительной виртуозности в передаче фактуры перси­ков, винограда, хрустальных поверхностей. Единый тон натюрмор­тов прежнего периода сменяется богатой градацией самых изысканных красочных оттенков.

Голландский натюрморт - одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства - темы частной жизни обыкновенного человека. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20-30-х годах XVII в. голландцы создали особый тип небольшой мелкофигурной карти­ны. 40-60-е годы - расцвет живописи, прославляющей спокой­ный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное суще­ствование. Но еще в кругу Франса Халса, где сложился и Адриан Броувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый ин­терес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610-1685) изображает поначалу теневые стороны быта крестьянства («Драка»). С 40-х годов в его творчестве сатирические ноты все чаще сменяются юмористическими («В деревенском кабачке», 1660). Иногда эти маленькие картины окрашены большим лирическим чувством. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в котором художник прославляет творческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к патетике.

Но главной темой «малых голландцев» является все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. В картинах этого жанра как будто ничего не происходит. Женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют. Или же они только что познакомились и между ними рождается первое чувство, но это лишь намечено, зрителю предоставлено право самому строить догадки.

Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626-1679) («Гуляки», «Игра в трик-трак»). Замед­ленный ритм жизни, выверенность распорядка дня, некоторое однообразие существования прекрасно передает Габриэль Метсю (1629-1667, «Завтрак», «Больная и врач»),

Еще большего мастерства достиг в этом Герард Терборх (1617- 1681). Он начал с самых демократических сюжетов («Точильщик»), но с изменением вкусов голландского бюргерства перешел к моде­лям более аристократическим и имел здесь большой успех.

Особую поэтичность у «малых голландцев» приобретает интерь­ер. Жизнь голландцев протекала в основном именно в доме.Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689). Его комнаты с полуоткрытым окном, с брошенными ненароком туф­лями или оставленной метлой часто изображены без человеческой фигуры, но человек здесь незримо присутствует, между интерьером и людьми всегда есть связь. Когда же он изображает людей, то намеренно подчеркивает некий застывший ритм, изображает жизнь как бы замершую, столь же неподвижную, как и сами вещи («Хозяйка и служанка», «Дворик»).

Рембрандт. Анатомия доктора Тулпа. Гаага, Маурицхейс

Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с так называемой делфтской школой, с именем таких художников, как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер, известный в истории искусства как Вермер Делфтский (1632-1675). Вермер был одним из тех художников, кто предопределил многие колори­стические искания XIX столетия, проложил во многом дорогу для импрессионистов, хотя картины Вермера как будто ни в чем не оригинальны. Это те же изображения застылого бюргерского быта: чтение письма, беседующие кавалер и дама, служанки, занятые нехитрым хозяйством, виды Амстердама или Делфта. Ранняя кар­тина Вермера «У сводни» (1656) необычайно (для «малых голланд­цев») велика по размерам, монументальна по форме, звучна по цвету больших локальных пятен: красной одежды кавалера, желтого платья и белого платка девушки.

Позже Вермер откажется от больших размеров и будет писать такие же небольшие полотна, какие были приняты в жанровой живописи того времени. Но эти несложные по действию картины: «Девушка, читающая письмо», «Кавалер и дама у спинета», «Офицер и смеющаяся девушка» и т. д.- полны душевной незамутненности, тишины и покоя. Главные достоинства Вермера-художника-в передаче света и воздуха. Он сочетает широкую кисть с мелким мазком, координирует свет и цвет. Растворение предметов в свето-воздушной среде, умение создать эту иллюзию прежде всего опре­делило признание и славу Вермера именно вXIX в. Позднее письмо Вермера стало более сплавленным, гладким, построенным на неж­ных сочетаниях голубого, желтого, синего, объединенного удиви­тельным жемчужным, даже жемчужно-серым («Головка девушки»).

Вермер делал то, чего никто не делал в XVII в.: он писал пейзажи с натуры («Улочка», «Вид Делфта»). Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи. Зрелое, классическое в своей простоте искусство Вермера имело огромное значение для буду­щих эпох.

Вершиной голландского реализма, итогом живописных дости­жений голландской культуры XVII столетия является творчество Рембрандта. Но значение Рембрандта, как всякого гениального художника, выходит за пределы только голландского искусства и голландской школы.

Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-1669) родился в Лейдене, в семье довольно зажиточного владельца мельницы, и после латин­ской школы недолгое время учился в Лейденском университете, но оставил его ради занятий живописью сначала у малоизвестного местного мастера, а затем у амстердамского художника Питера Ластмана.

Период обучения был недолгий, и вскоре Рембрандт уезжает в родной город, чтобы самостоятельно заняться живописью в собст­венной мастерской. Поэтому 1625-1632 годы обычно называются лейденским периодом его творчества. Это время становления ху­дожника, наибольшего увлечения его Караваджо, манера мастера в этот период была еще суховатой, а толкование сюжетов - нередко мелодраматическим. Это период, когда он впервые обращается и к офорту.

В 1632 г. Рембрандт уезжает в Амстердам, центр художественной культуры Голландии, который, естественно, привлекал молодого художника. 30-е годы - время наивысшей славы, путь к которой открыла для живописца большая заказная картина 1632 г.-груп­повой портрет, известный еще как «Анатомия доктора Тулпа», или «Урок анатомии». На рембрандтовском полотне люди объединены между собой действием, все представлены в естественных позах, их внимание обращено на главное действующее лицо -доктора Тул­па, демонстрирующего у «разъятого» трупа строение мышц. Как истинный голландец, Рембрандт не боится реалистических деталей, как большой художник, он умеет избегнуть натурализма. В 1634 г. Рембрандт женится на девушке из богатой семьи - Саскии ван Эйленборх - и с этих пор попадает в патрицианские круги. Начи­нается самый счастливый период его жизни. Он становится знаме­нитым и модным художником. Его дом привлекает лучших пред­ставителей аристократии духа и богатых заказчиков, у него большая мастерская, где с успехом трудятся его многочисленные ученики. Немалое наследство Саскии и его собственные работы дают мате­риальную свободу.

Весь этот период овеян романтикой. Живописец как бы специ­ально стремится в своем творчестве уйти от тусклой бюргерской повседневности и пишет себя и Саскию в роскошных нарядах, в фантастических одеждах и головных уборах, создавая эффектные композиции, выражая в сложных поворотах, позах, движениях разные состояния, в которых превалирует общее - радость бытия. Это настроение выражено в одном автопортрете луврского собрания 1634 г. и в портрете Саскии из музея в Касселе (того же года), а также в эрмитажном изображении Саскии в образе Флоры. Но, пожалуй, ярче всего мироощущение Рембрандта этих лет передает известный «Автопортрет с Саскией на коленях» (около 1636). Откровенной радостью жизни, ликованием пронизано все полотно. Эти чувства переданы простодушным выражением сияющего лица самого художника, достигшего как будто всех земных благ; всем антуражем, от богатых одежд до торжественно поднятого хрусталь­ного бокала в руке; ритмом пластических масс, богатством цветовых нюансов, светотеневой моделировкой, которая станет главным из выразительных средств в рембрандтовской живописи. Феериче­ский, сказочный мир... Язык барокко наиболее близок выражению приподнятого настроения. И Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.

В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины 1635 г. «Жертвоприношение Авраама». От тела Исаака, распростер­того на переднем плане и выражающего полную беспомощность жертвы, взгляд зрителя обращается в глубину - к фигуре старца Авраама и вырывающемуся из облаков посланцу Бога - ангелу. Композиция в высшей степени динамична, построена по всем правилам барокко. Но в картине есть то, что отличает в ней именно рембрандтовский характер творчества: проникновенное прослежи­вание душевного состояния Авраама, не успевшего при внезапном появлении ангела почувствовать ни радости избавления от страш­ной жертвы, ни благодарности, а испытывающего пока лишь уста­лость и недоумение. Богатейшие возможности Рембрандта-психо­лога заявляют о себе в этой картине вполне очевидно.

В эти же 30-е годы Рембрандт впервые серьезно начинает заниматься графикой, прежде всего офортом. Наследие Рембранд­та-графика, оставившего как произведения гравюры, так и уникаль­ные рисунки, не менее значительно, чем живописное. Офорты Рембрандта - это в основном библейские и евангельские сюжеты, но в рисунке, как истинно голландский художник, он часто обра­щается и к жанру. Правда, талант Рембрандта таков, что всякое жанровое произведение начинает звучать под его рукой как фило­софское обобщение.

На рубеже раннего периода творчества художника и его творче­ской зрелости предстает перед нами одно из самых знаменитых его живописных произведений, известное как «Ночной дозор» (1642) - групповой портрет стрелковой роты капитана Баннинга Кока.

Но групповой портрет - это только формальное название про­изведения, вытекающее из желания заказчика. Рембрандт отошел от привычной композиции группового портрета-изображения пирушки, во время которой происходит «представление» каждого из портретируемых. Он расширил рамки жанра, представив скорее историческую картину: по сигналу тревоги отряд Баннинга Кока выступает в поход. Одни спокойны, уверенны, другие возбуждены в ожидании предстоящего, но на всех лежит выражение общей энергии, патриотического подъема, торжества гражданского духа.

Изображение людей, выходящих из-под какой-то арки на яркий солнечный свет, полно отголосков героической эпохи нидерланд­ской революции, времени триумфов республиканской Голландии. Групповой портрет под кистью Рембрандта перерос в героический образ эпохи и общества.

Но само это настроение было чуждо бюргерской Голландии середины века, не отвечало вкусам заказчиков, а живописные приемы шли вразрез с общепринятыми. Эффектная, несомненно несколько театральная, в высшей степени свободная композиция, как уже говорилось, не ставила своей целью представить каждого из заказчиков. Многие лица просто плохо «прочитываются» в этой резкой светотени, в этих контрастах густых теней и яркого солнеч­ного света, на который выходит отряд (в XIX в. картина уже так потемнела, что ее считали изображением ночной сцены, отсюда ее неправильное название. Тень, ложащаяся от фигуры капитана на светлую одежду лейтенанта, доказывает, что это не ночь, а день).

Непонятным и нелепым казалось зрителю появление в этой сцене посторонних, особенно маленькой девочки в золотисто-жел­том платье, затесавшейся в толпу воинственных мужчин. Все здесь вызывало недоумение и раздражение публики, и можно сказать, что с этой картины начинается и углубляется конфликт художника и общества. Со смертью Саскии в этом же 1642 году происходит естественный разрыв Рембрандта с чуждыми ему патрицианскими кругами.

40-50-е годы - это пора творческой зрелости. Изменилась не только внешняя жизнь Рембрандта, изменился прежде всего он сам. Это время формирования его творческой системы, из которой многое уйдет в прошлое и в которой будут обретены иные, неоце­нимые качества. Он часто в этот период обращается к прежним произведениям, чтобы их переделать по-новому. Так было, напри­мер, с «Данаей», которую он написал еще в 1636 г. Уже и тогда было высказано в этом образе главное: чувственное начало, языческое, в какой-то степени «тициановское» было в ней лишь частью общего в выражении сложных душевных переживаний, единого душевного порыва. На смену классическому, прекрасному, но и абстрактному в своей красоте идеалу пришло выражение жизненной правды, яркой индивидуальности физического склада. Это некрасивое тело было передано предельно реалистично. Но Рембрандта не устраи­вала внешняя правда. Обратившись к картине в 40-е годы, художник усилил эмоциональное состояние. Он переписал заново централь­ную часть с героиней и служанкой. Придав Данае новый жест поднятой руки, он сообщил ей большую взволнованность, выраже­ние радости, надежды, призыва. Изменилась и манера письма. В нетронутых частях живопись холодных тонов, тщательно прорабо­тана форма; в переписанных преобладают теплые, золотисто-ко­ричневые, письмо смелое, свободное. Огромную роль играет свет: световой поток как бы окутывает фигуру Данаи, она вся светится любовью и счастьем, этот свет воспринимается как выражение человеческого чувства.

В 40-50-е годы неуклонно растет рембрандтовское мастерство. Он выбирает для трактовки наиболее лирические, поэтичные сто­роны человеческого бытия, то человеческое, которое извечно, всечеловечно: материнскую любовь, сострадание. Наибольший ма­териал ему дает Священное Писание, а из него-сцены жизни святого семейства, сюжеты из жизни Товия. Никаких внешних эффектов в произведениях этого периода нет. Рембрандт изображает простой быт, простых людей, как в полотне «Святое семейство»: лишь ангелы, спускающиеся в полумрак бедного жилища, напоми­нают нам о том, что это не обыкновенная семья. Жест руки матери, откидывающей полог, чтобы посмотреть на спящего ребенка, со­средоточенность в фигуре Иосифа - все глубоко продуманно. Про­стота быта и облика людей не заземляет тему. Рембрандт умеет в повседневности жизни увидеть не мелкое и обыденное, а глубокое и непреходящее. Мирной тишиной трудовой жизни, святостью материнства веет от этого полотна. Огромную роль в картинах Рембрандта играет светотень - основа его художественной струк­туры. В колорите преобладают тональные отношения, в которые Рембрандт любит вводить сильные пятна чистого цвета. В «Святом семействе» таким объединяющим пятном служит красное одеяло на колыбели.

Большое место в творчестве Рембрандта занимает пейзаж, как живописный, так и графический (офорт и рисунок). В изображении реальных уголков страны он умеет так же, как и в тематической картине, подняться над обыденным («Пейзаж с мельницей»).

Последние 16 лет-наиболее трагические годы жизни Ре­мбрандта; он разорен, не имеет никаких заказов, у него нет собст­венного дома, он потерял всех близких, любимых людей, и даже ученики предают его. Но эти годы полны потрясающей по силе творческой активности, в результате которой созданы живописные образы, исключительные по монументальности характеров и оду­хотворенности, произведения глубоко философские и высокоэти­ческие. В этих картинах Рембрандта все очищено от преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, тщательно продуманы и осмыслены жесты, позы, наклоны голов. Фигуры укрупнены, при­ближены к передней плоскости холста. Даже небольшие по размеру произведения Рембрандта этих лет создают впечатление необыкно­венного величия и истинной монументальности. Главными выра­зительными средствами являются не линии и массы, а свет и цвет. Композиция строится в большой степени на равновесии цветовых звучаний. В колорите преобладают как бы горящие изнутри оттенки красного и коричневого.

Цвет приобретает звучность и интенсивность. Было бы вернее сказать про позднего Рембрандта, что его цвет «светозарен», потому что в его полотнах свет и цвет едины, его краски как будто излучают свет. Это сложное взаимодействие цвета и света не самоцель, им создается определенная эмоциональная среда и психологическая характеристика образа.

Портреты позднего Рембрандта сильно отличаются от портретов 30-х и даже 40-х годов. Эти предельно простые (поясные или поколенные) изображения людей, близких художнику своим внут­ренним строем,-всегда образное выражение многогранной чело­веческой личности, поражающее умением мастера передать зыбкие, неуловимые душевные движения.

Рембрандт умел создавать портрет-биографию; выделяя только лицо и руки, он выражал целую историю жизни («Портрет старика в красном», около 1654). Но наибольшей тонкости характеристик Рембрандт достиг в автопортретах, которых дошло до нас около ста и на которых прекрасно прослеживается бесконечное многообразие психологических аспектов, разнообразие рембрандтовских характе­ристик. После праздничных портретов 30-х годов перед нами предстает другая трактовка образа; полный высокого достоинства и необычайной простоты человек в расцвете сил на портрете из Венского собрания 1652 года; эти черты станут преобладающими со временем, как и выражение силы духа и творческой мощи (портрет 1660 г.).

Завершающим в истории группового портрета было изображе­ние Рембрандтом старейшин цеха суконщиков - так называемые «Синдики» (1662), где скупыми средствами Рембрандт создал живые и вместе с тем разные человеческие типы, но главное, сумел передать ощущение духовного союза, взаимопонимания и взаимосвязей лю­дей, объединенных одним делом и задачами, что не удалось даже Халсу.

В годы зрелости (в основном в 50-е годы) Рембрандт создал свои лучшие офорты. Как офортист, он не знает равных в мировом искусстве. Необычайно усложняется и обогащается его техника офорта. К травлению он прибавляет технику «сухой иглы», по-раз­ному наносит краску при печатании, иногда вносит изменения в доску уже после получения первых оттисков, отчего многие офорты известны в нескольких состояниях. Но во всех них образы имеют глубокий философский смысл; они повествуют о тайнах бытия, о трагизме человеческой жизни. И еще одна особенность офортов Рембрандта этого периода: в них выражено сочувствие страдающим, обездоленным, неистребимое чувство самого художника к справед­ливости и добру.

В графике Рембрандта в полной мере проявился демократизм его мироощущения («Слепой Товит», «Снятие с креста», «Положе­ние во гроб», «Поклонение пастухов», «Три креста», 1653 и 1660).

Он много занимается рисованием. Рембрандт оставил после себя 2000 рисунков. Это и этюды с натуры, эскизы для картин и подготовки для офортов. Технически блестящие, безукоризненные рисунки Рембрандта демонстрируют его обычную эволюцию: от проработанности в деталях и композиционной сложности к порази­тельному лаконизму и классически ясной величественной простоте.

Эпилогом творчества Рембрандта можно считать его знамени­тую картину «Блудный сын» (около 1668-1669), в которой с наибольшей полнотой проявились этическая высота и живописное мастерство художника. Сюжет библейской притчи о беспутном сыне, после многих скитаний возвратившемся в отчий дом, при­влекал Рембрандта и раньше, о чем говорят один из ранних его офортов и несколько рисунков. В этой группе - в фигуре упавшего на колени оборванного юноши и возложившего руки на его бритую голову старца - предельная напряженность чувств, душевное по­трясение, счастье возвращения и обретения, бездонная родитель­ская любовь, но и горечь разочарований, потерь, унижений, стыда и раскаяния. Эта Бесчеловечность делает сцену понятной разным людям всех времен и сообщает ей бессмертие. Колористическое единство здесь особенно поражает. От оранжево-красных тонов фона - это все единый живописный поток, воспринимающийся как выражение единого чувства.

Рембрандт имел огромное влияние на искусство. Не было в Голландии его поры живописца, который бы не испытал на себе воздействие великого художника. У него было много учеников. Они усваивали систему рембрандтовской светотени, но рембрандтовско­го постижения человеческой личности, естественно, усвоить не могли. Поэтому некоторые из них не пошли дальше внешнего подражания учителю, а большинство изменило ему, перейдя на позиции академизма и подражания модным тогда фламандцам, а затем французам.

В последней четверти XVII в. начинается упадок голландской живописной школы, потеря ее национальной самобытности, а с начала XVIII столетия наступает конец великой эпохи голландского реализма.

Голландские художники внесли большую лепту в творчество мастеров, начинающих свою деятельность с XVII века и не останавливающихся до нынешнего времени. Однако влияние они имели не только на своих коллег, но и на профессионалов литературы (Валентен Пруст, Донна Тартт) и фотографии (Эллен Коой, Билл Гекас и другие).

Начало развития

В 1648 году Голландия получила независимость, однако за образование нового государства Нидерландам пришлось претерпеть акт мести со стороны Испании, уничтожившей около 10 тысяч человек во фламандском на тот момент городе Антверпене. Вследствие резни жители Фландрии эмигрировали с территорий, контролировавшихся испанской властью.

Исходя из этого, логично будет признать, что толчок к независимым голландским художникам исходил именно из фламандского творчества.

С XVII века происходят как государственные, так и художественные ответвления, что приводит к образованию двух, разграниченных по национальности школ искусств. Они имели общее происхождение, но в признаках достаточно сильно различались. Пока Фландрия оставалась под крыльями католицизма, Голландия испытывала на себе абсолютно новый расцвет, начиная с XVII столетия.

Голландская культура

В XVII веке новое государство только встало на путь своего развития, полностью разрывая связь с искусством прошедшей эпохи.

Борьба с Испанией постепенно затихала. Национальное настроение стало прослеживаться в народных кругах при отхождении от навязанного ранее властью католического вероисповедания.

Протестантское господство имело противоречивый взгляд на убранство, что привело к сокращению работ на религиозную тематику, и в дальнейшем только сыграло на руку светскому искусству.

Еще никогда до нынешнего времени настолько часто на картинах не изображали настоящую окружающую действительность. В своих работах голландские художники хотели показывать обыкновенную бытовую жизнь без прикрас, изысканных вкусов и благородства.

Светский художественный взрыв породил такие многочисленные направления как пейзаж, портрет, бытовой жанр и натюрморт (о существовании которого не знали даже самые развитые центры Италии и Франции).

Собственное видение голландских художников реализма, выражавшееся в портретных, пейзажных, интерьерных работах и картинах натюрморта, породило интерес всех слоев общества к данному мастерству.

Таким образом, голландское искусство XVII столетия прозвали "Золотым веком голландской живописи", закрепив за ним статус самой выдающейся эпохи в живописи Нидерландов.

Важно знать: существует ошибочное мнение, что голландская школа изображала лишь посредственность человеческого бытия, но мастера тех времен нагло рушили рамки с помощью своих фантастических произведений (например, "Пейзаж с Иоанном Крестителем" Блумарта).

Голландские художники 17 века. Рембрандт

Одним из самых крупных художественных фигур Голландии принято считать Рембрандта Харменса ван Рейна. Помимо деятельности художника, он также занимался гравюрой и по праву считался мастером светотеней.

Его наследие богато индивидуальным разнообразием: портреты, жанровые сценки, натюрморты, пейзажи, а также картины на сюжеты истории, религии и мифологии.

Его умение владеть светотенью позволяло усиливать эмоциональную выразительность и одухотворенность человека.

Трудясь над портретами, он работал над мимикой человека.

В связи с душераздирающими трагичными событиями его поздние работы наполнялись тусклым, обличающим глубокие переживания людей светом, вследствие чего гениальные работы стали никому не интересны.

На тот момент в моде были внешние красоты без попыток погружений в глубину, а также натуралистичность, идущая врознь с откровенным реализмом.

Картину "Возвращение блудного сына" воочию может увидеть каждый русский любитель изобразительного искусства, так как данная работа находится в Эрмитаже города Санкт-Петербург.

Франс Хальс

Франс Хальс - великий голландский художник и крупнейший портретист, помогший ввести жанр свободного письма в отечественное искусство.

Работой, принесшей ему известность, стала картина под названием "Банкет офицеров стрелковой роты св. Георгия", написанная в 1616 году.

Его портретные работы для того времени были чересчур естественны, что шло врознь с настоящим днем. Вследствие того, что художник оставался непонятым, он, как и великий Рембрандт, окончил свою жизнь в нищете. "Цыганка" (1625-1630) является одной из самых известных его работ.

Ян Стен

Ян Стен - один из самых остроумных и веселых на первый взгляд голландских художников. Высмеивая социальные пороки, он любил прибегать к мастерству сатиры социума. Он, развлекая зрителя безобидными, смешными изображениями гуляк и дам легкого поведения, на самом деле предостерегал от подобного образа жизни.

Также у художника были и более спокойные картины, например, работа "Утренний туалет", на первый взгляд казавшаяся абсолютно невинным действом. Но если присмотреться в детали, то можно достаточно сильно удивиться от их откровений: это и следы от чулков, ранее сдавливающих ноги, и наполненный чем-то неприличным ночью горшок, а также собака, позволяющая себе находиться прямо на подушке хозяйки.

В лучших собственных работах художник опережал своих коллег по изящно умелому сочетанию цветовых палитр и мастерству владения теней.

Иные голландские художники

В данной статье были перечислены всего лишь три ярких персоны из десятков, достойных наравне с ними стоять в одном списке:

Итак, в данной статье вы познакомились с голландскими художниками 17 века и их работами.

Главная религия – протестантство. Голландцы начали создавать портрет Голландии. Это портреты их победителей войны, пейзажи, натюрморты, появилась жанровая или бытовая живопись. Это картины со светотеневой композицией эпохи барокко. Впервые тут появляется специализация художников. Появились только мастера натюрморта или пейзажа. 12 разновидностей пейзажа: городской, морской, дюнный, водопады, лесной пейзаж. В самом начале голландского искусства – главным направлением становится портрет. В первой половине 17 века, величайшим портретистом Голландии является Франс Хальс.

Творчество Франса Хальса.

Родился в 1574 году в Антварпане. Потом его семья переезжает в Харлем. Там он учится у художника Ван Мандера. Ван Мандер создал жизнеописание основных нидерландских художников. Франс Хальс сумел совершить целую революцию в портрете. Хальс вносит в портреты динамику. «Банкет офицеров роты Святого Георгия» - первая работа которая принесла ему популярность. Хальс изображает офицеров во время пирушки, каждый офицер изображен в своем повороте. В картине получается активная диагональ. Все строит на принципе ассиметрии. Он активен в цвете.

Хальс пишет свои портреты очень быстро, используя открытый динамический мазок. «Циганка» . Название очень условное. «Мали Бабе» - открытый сильно брошенный мазок. В это время почти во всех работах Хальса все его герои улыбаются. «Улыбающийся кавалер».

Особенно активно сказывается динамика в портрете Вильяма Ван Гейт Гейзена . Не сохранилось не одного риснка Хальса. Скорее всего он писал свои портреты без рисунка и писал очень быстро.

Хальс за два часа нарисовал Ван Дейка. Ван Дейк предложил ему поехать с ним в Англию.

Веселый собутыльник. Написан в такой же быстрой и динамичной манере, в которой любил писать Хальс.

Хальс писал и серьезные портреты: «Портрет Питера Ван Ден Броке», портрет заказной, поэтому Хальс подробно пишет, очень сдержанный и лаконичный портрет Рене Декарта. Семейный портрет, пейзаж писал для него Питер Молейн. Женский портрет – очень выразительный портрет Хальса. Портрет Исаака Маса и его жены - портрет его друга.

В 30 годах он написал картину портрет Офицеров роты святого Андриана. Каждая фигура имеет свой поворот и свое движение. В 40 годах живопись Хальса резко меняется. В это время в моду входит портрет Ван Дейка. Портреты 40-50 годов – портреты с преобладанием черного цвета. Из них портрет Регентши приюта для престарелых. В этом портрете 27 градаций черного цвета. Одна из последних работ Хальса - Регенты приюта для престарелых. Образ старости возникает. Распад плоти передает в портрете. Совсем иначе он пишет портрет Регенты госпиталя Святой Елизаветы. В портрете хорошо видно выделения треугольником фигур, каждое лицо хорошо видно. За свою жизнь Хальс создал более 200 картин. В Харлеме находится музей его. Почти все работы они там собраны.

Творчество Рембрандта Ван Рейна.

Это один из великих художников 17 века. Родился в 1606 году в семье мельника в городе Лейдене. Мальчик был изначально очень одаренный. Рембрандт учится какое то время в университете. Ему было лет 14, когда он почувствовал своё призвание к живописи и покинул университет. Он снимает сарай на берегу реки и создает свою школу в 16 лет. В его школе учится такие художники, как Доу. Первые работы которые они написали – Изгнание, торгующих из храма. В первых своих работах он говорит о принадлежности к барокко. В работе есть диагональная композиция, свето-тенеая композиция. В Лейдене был написан его автопортрет. Необычная работа с фактурой. В это время приезжает министр Голландии и покупает несколько работ Рембрандту. Рембрандт покидает Лейдан и уезжает в Амстердам, где поступает в мастерскую художника Ластмана. В работах появляется ирреальный свет. Особо хорошо это заметно в картине Неверие Фомы . В амстердаме он получает первый заказ на групповой портрет – Анатомия доктора Тюльпа . Здесь он написал картину Жертвоприношение Авраама. Пророк Иеремея на развалинах Иерусалима. В картине голова святого излучает свет. Успех его в живописи привел к тому, что он женится Саски Ван Эленбург. Рембрандт покупает в Амстердаме дворец. Автопортрет с Саски на коленях. Саски с цветком. В тот год когда Саски болеет, Рембрандт получает заказ на групповой портрет роты капитана Кока - Ночной дозор. Он изображает выход стрелков на учения. Картина является шедевром Рембрандта 40-х годов. Картина построена на субординации. Начался долгий судебный процесс по поводу долгов Рембрандта. Прощание Давида с Ионафаном , написанная в один год с Ночным дозором. Картину приобрел Петр 1 и она стала одной из первых картин Эрмитажа.

Даная.

Надежным помощником Рембрандта стала служанка Гендрике. Она и станет второй женой Рембрандта. В картине Святое семейство с ангелами, в этой картине две световые диагонали, картина пронизана теплым светом. Гендрике появляется в портрете – Гендрике у окна, Купающаяся женщина, Версавия, в истории картина лежит история про Давида и Версавии.

Давид и Урия – огромную роль в картине играет свет.

Портрет Яна Сикса. Все внимание сосредоточено на лице.

Заговор Клавдия Цивилиса. Это единственная картина из истории голландцев у Рембрандта.

Портрет старика в красном. Портрет биография. Портрет во времени.

Портрет старого Еврея. В это портрете выделено только основное: лицо и руки.

Портрет пожилой женщины. В это портрете тончайшие переходы от света к тени.

Портет, читающего Титуса.

Портрет поэта Декера.

Асур, Аман, Исфирь. Главная работа из последних картин Рембрандта. Картина строится на очень сложном световом решении.

Рембрандт пишет повторение это картины Аман, просящий Исфирь о прощении.

Рембрандт получает заказ на групповой портрет – Синдики.

Еврейская невеста. Тема любви главная в этой картине. Это любимая картина Ван Гога и Сутин.

Семейный портре. Групповой портрет. Воображаемый портрет его семьи.

Два автопортрета.

В 66-68 году Рембрандт пишет картину Возвращение Блудного сына, которая заключает его творчество.

Сеимон во храме. Последняя его картина.

Умирает Рембрандт в 1669 году. У него было много учеников: Герар Доу, Фабрициус, Гельдер один из последних учеников Рембрандта. Школа его существовала до конца 17 века.

Темы для зачета:

Немецкое возрождение.

Итальянское барокко. Архитектура барокко. Лоренцо Бернини, Франческо Боромини и Карло Модерно. Скульптура Бернини. Два живописца Караваджо и Анибали Карачи. Рубенс. Ван Дейк. Йорданс. Снейдерс. Браувер.

Голландский пейзаж 17 века.

Ян Фан Гойен.

Для него характерны речные пейзажи.

Мельница у реки – характерный голландский пейзаж.

Речной пейзаж.

Почти всегда в его работах свет на небе отражается на земле.

Саломон Рейздаль

Он писал пейзажи раннего утра.

Пейзаж с повозкой – характерный пейзаж для этого живописца.

Переправа на пароме. Ветренное утро

Он воспитал одного из главного художника 17 века Якоба Рейзадя.

Якоб Рейздаль.

Вид на Эдмонд. Свет в небесах, ритмичный пейзаж, вертикальная колокольня точно соответствует вертикальному формату.

Якоб писал все 12 видов пейзажа и сам создал несколько видов.

Рейзадль был великим мастером лесного пейзажа.

Уже современники отмечали, что рейздаль является психологом леса. Каждое дерево у него имеет свой портрет Пишет Биографию дерева.

Лесной пейзаж.

Озеро среди Деревьев. На переднем плане упавшее дерево, рядом с ним сухое дерево, а в глубине молодые березки. Здесь несколько возрастов деревьев. Этот прием он переносит в ряд картин:

Речка в лесу

Дубовый лес

Болото

Лесной пейзаж

Дорога

Панорамный пейзаж: Замок Бейнтхейр, пейзаж с руинами замка и церковью.

Мельница в Векке. Главный пейзаж Рейздаля. Рейздаль сознательно увеличивает мельницу. Этот пейзаж является одним из символов Голландии.

Три главных работы Голландии: Ночной дозор, Мельница в Векке, вид города Дельта.

Две картины с одним названием: Еврейское кладбище. Воображаемый рисунок. Он передает состояние во время грозы. На первом плане сухое, но еще живое дерево. Бегущий ручей – символ быстротекущей жизни. Дерево изображается на фоне живого и пышного дерева. На переднем плане – надгробие, на котором портрет самого художника и подпись Рейздаль. В глубине мы видим храм, который почти разрушен и в то же время мы видим как после грозы появляется радуга – символ надежды. Центральный световой удар – памятник. Картина имеет повторение, она создает еще более острый смысл жизни и смерти. Вторая картина несет большим мраком, очень резко изображается контраст сухого и зеленого дерева. Снова появляется плита с портретом Рейздаля и храм поменял свой облик, как существо с огромными глазницами – образ умирающего мира. Рейздаля считают создателем философского пейзажа.

Рейздаль писал зимние пейзажи такие как: Зимний пейзаж, Зима в котором раскрывается тема одиночества. Рейздаль является автором пейзажа-настроения.

Он был также мастером маринистической живописи: Шторм на море, Морской берег.

Он был мастером городского пейзажа: Вид Амстердама с рекой Амстел, Вид Харлема (вид его родного города).

Последние годы Рейздаль много писал пейзажей с изображением водопадов: Скалистый пейзаж с водопадом, водопад в Норвегии, водопад.

Две мельницы – необычный пейзаж, одна мельница хорошо видна, а вторая находится в глубине.

Горный пейзаж с парусником – одна из последних работ Рейздаля. В этой работе он подводит итог своей жизни. Это поэтический, лирический пейзаж.

Творчество Мендета Хобеме.

Был учеником Рейздаля.

Аллея мидель в Харльсе. Он первый стал писать пейзажи с натуры. Иногда он писал пейзажи с рисунков пейзажа.

Был популярен в Англии и способствовал появлению английского пейзажа. Томас Генсбра, Тернер, Джон Констебль опирались на творчество Хобеме и Рейздаля.

Величайший мастер реалистического пейзажа. Помимо английского пейзажа во многом проявилось начало французского национального пейзажа.

Вопросы к биллетам:

Творчество Рембрандта.

Тем временем это особенная, достойная более детального изучения область европейской культуры, в которой отражается самобытная жизнь народа Голландии тех времен.

История появления

Яркие представители художественного искусства стали появляться в стране в семнадцатом веке. Французские культурологи дали им общее название - «малые голландцы», которое не связано с масштабами талантов и обозначает привязанность к определенным темам из повседневной жизни, противоположным «большому» стилю с крупными полотнами на исторические или мифологические сюжеты. История возникновения голландской живописи была подробно описана в девятнадцатом веке, и авторы работ о ней тоже пользовались этим термином. «Малые голландцы» отличались светским реализмом, обращались к окружающему миру и людям, использовали живопись, богатую тонами.

Основные этапы развития

История возникновения голландской живописи может быть разделена на несколько периодов. Первый длился приблизительно с 1620 по 1630 годы, когда в национальном искусстве произошло утверждение реализма. Второй период голландская живопись переживала в 1640-1660 гг. Это время, на которое приходится настоящий расцвет местной художественной школы. Наконец, третий период, время, когда голландская живопись начала приходить в упадок - с 1670 до начала восемнадцатого века.

Стоит отметить, что культурные центры на протяжении этого времени менялись. В первом периоде ведущие художники работали в Харлеме, а главным представителем был Халса. Затем центр сместился в Амстердам, где наиболее значимые работы выполнили Рембрандт и Вермеер.

Сцены повседневной жизни

Перечисляя самые важные жанры голландской живописи, обязательно нужно начать с бытового - наиболее яркого и самобытного в истории. Именно фламандцы открыли миру сценки из бытовой жизни обычных людей, крестьян и горожан или бюргеров. Первопроходцами стали Остаде и его последователи Ауденрогге, Бега и Дюсарт. На ранних полотнах Остаде люди играют в карты, ссорятся и даже дерутся в трактире. Каждую картину отличает динамичный, в чем-то брутальный характер. Голландская живопись тех времен рассказывает и про мирные сцены: на некоторых работах крестьяне беседуют за трубкой и кружкой пива, проводят время на ярмарке или в кругу семьи. Влияние Рембрандта привело к распространенному использованию мягкой светотени золотистого цвета. Городские сцены вдохновляли таких художников, как Халс, Лейстер, Моленар и Кодде. В середине семнадцатого века мастера изображали врачей, ученых в процессе работы, собственные мастерские, хлопоты по дому или Каждый сюжет должен был занимательным, иногда до гротеска дидактичным. Некоторые мастера были склонны поэтизировать будни, например, Терборх изображал сцены музицирования или флирта. Метсю использовал яркие краски, превращая повседневность в праздник, а де Хох вдохновлялся простотой семейной жизни, залитой рассеянным дневным светом. Поздние представители жанра, к которым относятся такие голландские мастера живописи, как Ван дер Верф и Ван дер Нер, в своем стремлении к элегантному изображению часто создавали несколько претенциозные сюжеты.

Природа и ландшафты

Кроме того, голландская живопись широко представлена в жанре пейзажа. Он впервые зародился в творчестве таких мастеров Харлема, как ван Гойен, де Молейн и ван Рейсдал. Именно они начали изображать сельские уголки в определенном серебристом свете. Материальное единство природы выходило в работах на первый план. Отдельно стоит упомянуть морские пейзажи. Маринистами были такие 17 века, как Порселлис, де Влигер и ван де Капелле. Они не столько стремились передать определенные морские сцены, сколько старались изобразить саму воду, игру света на ней и в небе.

Ко второй половине семнадцатого века в жанре возникли более эмоциональные произведения с философскими идеями. Максимально раскрыл красоту голландского пейзажа Ян ван Рейсдал, изобразивший его во всем драматизме, динамике и монументальности. Продолжателем его традиций стал Хоббем, предпочитавший солнечные ландшафты. Конинк изображал панорамы, а ван дер Нер занимался созданием ночных пейзажей и передачей лунного света, восхода и заката. Для ряда художников также характерно изображение в пейзажах животных, например, пасущихся коров и лошадей, а также охоты и сценок с кавалеристами. Позднее художники начали увлекаться и иностранной природой - Бот, ван Лар, Веникс, Берхем и Хаккерт изображали Италию, купающуюся в лучах южного солнца. Зачинателем жанра стал Санредам, лучшими последователями которого можно назвать братьев Беркхейде и Яна ван дер Хейдена.

Изображение интерьеров

Отдельным жанром, которым отличалась голландская живопись в период расцвета, можно назвать сценки с церковными, дворцовыми и домашними комнатами. Интерьеры появились в полотнах второй половины семнадцатого века у мастеров Делфта - Хаукгеста, ван дер Влита и де Витте, который стал главным представителем направления. Используя техники Вермеера, художники изображали сценки, залитые солнечным светом, полные эмоций и объема.

Живописные яства и посуда

Наконец, еще один характерный жанр голландской живописи - натюрморт, в особенности изображение завтраков. Впервые им занялись харлемцы Клас и Хеда, которые рисовали накрытые столы с роскошной посудой. Живописный беспорядок и особая передача уютного интерьера наполнены серебристо-серым светом, характерным для серебряной и оловянной посуды. Утрехтские художники рисовали пышные цветочные натюрморты, а в Гааге мастерам особенно удавалось изображение рыб и морских гадов. В Лейдене возникло философское направление жанра, при котором с символами чувственного удовольствия или земной славы соседствуют черепа и песочные часы, призванные напоминать о скоротечности времени. Демократичные кухонные натюрморты стали отличительной чертой художественной школы Роттердама.

Завоевав победу в борьбе с Испанией за свою независимость, буржуазная Голландия стала самым экономически развитым государством в Западной Европе. Главный голландский город Амстердам определился как один одним из крупнейших торговых центров Европы.

Вместе с экономикой развивается и голландская живопись. В отличие от других западноевропейских стран в Голландии не пользовались популярностью барочные росписи дворцов и замков - слабость дворянства служила препятствием к развитию декоративного искусства. Кальвинистская церковь Голландии также не стремилась украсить свои храмы произведениями живописи.

Тем не менее, живопись в Голландии процветала: художники получали многочисленные заказы от частных лиц. Повесить в своем жилище небольшую картину могли даже голландские крестьяне - настолько дешево стоили эти творения художников.

В XVII в. в маленькой Голландии работало свыше двух тысяч художников. Они поставили производство картин на поток, производили полотна целыми партиями и сдавали их продавцам. Почти каждый мастер за неделю исполнял от двух до пяти композиций.

Нередко производство картин опережало спрос, поэтому, чтобы прокормиться, художникам приходилось одновременно заниматься другой работой. Такие знаменитые мастера, как Я. Стен, М. Гоббема, Я. ван Гойен и многие другие, одновременно были служащими, садоводами, содержателями трактиров.

Обычно живописцы специализировались на одной определенной теме. Например, Х. Аверкамп писал зимние виды, Э. ван дер Пул изображал ночные пожары, Г. Терборх и Г. Метсю - бытовые сцены, П. Клас и В. К. Хеда - натюрморты-завтраки.

Очень часто художники коллективно работали над одной картиной: один рисовал небо, другой - траву и деревья, третий - человеческие фигуры. Самые удачные работы, имевшие успех у публики, копировались и служили образцом для создания бесчисленных вариантов.

Хотя искусство талантливых живописцев и было подчинено коммерческим целям, мастерам обычно удавалось избежать фальши. Большинство этих полотен отличаются реалистичностью, цельностью и ясностью композиции, свежестью колорита и прекрасной техникой исполнения.

Широкое распространение в голландской живописи получил портретный жанр. Большую роль в жизни страны играли различные организации (стрелковое общество, группы представителей корпорации медиков и торговых цехов), способствовавшие появлению группового общественного портрета.

Многолетняя борьба с испанскими колонизаторами обострила чувство национального самосознания, поэтому в живописи, помимо реализма, особенно приветствовалось изображение характерных национальных черт. Художники писали море и корабли, скот, цветы. Кроме портрета, развивались такие жанры, как пейзаж, натюрморт. Существовала и религиозная живопись, но в ней отсутствовал элемент мистицизма; библейские сюжеты представлялись
художником скорее как бытовые сцены.

Франс Халс

Франс Халс родился около 1581 г. в Антверпене в семье ткача. В юношеском возрасте он приехал в Харлем, где и жил почти безвыездно до самой смерти (в 1616 г. он посетил Антверпен, а в середине 1630-х гг. - Амстердам). О жизни Халса известно немногое. В 1610 г. он вошел в гильдию Св. Луки, а в 1616 г. - в камеру риторов (актеров-любителей).

Очень быстро Халс стал одним из самых известных портретистов Харлема. В XV-XVI вв. в живописи Нидерландов существовала традиция писать портреты лишь представителей правящих кругов, известных людей и художников. Искусство Халса глубоко демократично: на его портретах мы можем увидеть аристократа, зажиточного горожанина, ремесленника и даже человека из самых низов. Художник не пытается идеализировать изображаемых, главное для него - их естественность и неповторимость. Его вельможи держат себя так же раскованно, как и представители низших слоев общества, которые на картинах Халса изображены жизнерадостными людьми, не лишенными чувства собственного достоинства.

Большое место в творчестве живописца занимает групповой портрет. Лучшими работами этого жанра стали портреты офицеров стрелковой роты Св. Георгия (1627) и стрелковой роты Св. Адриана (1633). Каждый персонаж на картинах имеет свою яркую индивидуальность, и в то же время эти произведения отличаются целостностью.

Халс писал также заказные портреты, на которых в непринужденных позах размещены состоятельные бюргеры и их семьи («Портрет Исаака Массы», 1626; «Портрет Хетхейсена», 1637). Образы Халса живые и динамичные, кажется, что люди на портретах разговаривают с невидимым собеседником или же обращаются к зрителю.

Яркой выразительностью и непосредственностью отличаются представители народной среды на портретах Халса. В изображениях уличных мальчишек, рыбаков, музыкантов, посетителей кабаков чувствуется симпатия и уважение автора. Замечательна его «Цыганка». Удивительно живой кажется улыбающаяся молодая женщина, лукавый взгляд которой направлен на невидимого зрителям собеседника. Халс не идеализирует свою модель, но образ веселой, растрепанной цыганки восхищает своим задорным очарованием.

Очень часто портреты Халса включают элементы жанровой сцены. Таковы изображения детей, поющих или играющих на музыкальных инструментах («Поющие мальчики», 1624-1625). В таком же духе исполнена знаменитая «Малле Баббе» (начало 1630-х), представившая известную в Харлеме содержательницу харчевни, которую посетители за глаза называли харлемской ведьмой. Художник почти гротескно изобразил женщину с огромной пивной кружкой и совой на плече.

В 1640-х гг. в стране намечаются признаки перелома. Прошло всего несколько десятилетий после победы революции, а буржуазия уже перестала быть прогрессивным классом, опирающимся на демократические традиции. Правдивость живописи Халса больше не привлекает богатых заказчиков, которые хотят видеть себя на портретах лучше, чем они есть на самом деле. Но Халс не отказался от реализма, и его популярность резко упала. В живописи этого периода появляются ноты печали и разочарования («Портрет мужчины в широкополой шляпе»). Строже и спокойнее становится его палитра.

В возрасте 84 лет Халс создает два своих шедевра: групповые портреты регентов (попечителей) и регентш приюта для престарелых (1664). Эти последние работы голландского мастера отличаются эмоциональностью и яркой индивидуальностью образов. От изображений регентов - стариков и старух - веет печалью и смертью. Это ощущение подчеркивает и колорит, выдержанный в черных, серых и белых тонах.

Умер Халс в 1666 г. в глубокой бедности. Его правдивое, жизнеутверждающее искусство оказало большое влияние на многих голландских художников.

Рембрандт

В 1640-1660-е гг. живопись Голландии переживала расцвет. Самым значительным художником этого времени был Рембрандт.

Рембрандт Харменс ван Рейн родился в 1606 г. в Лейдене. Его отцом был зажиточный мельник. Родители мечтали о хорошем образовании для сына и определили его в латинскую школу, после окончания которой Рембрандт поступил в лейденский университет. Но юношу привлекало искусство. Он оставил университет и начал учиться у живописца Якова Сванненбурха. Через три года молодой художник отправился в Амстердам, где стал брать уроки у Питера Ластмана.

В 1624 г. Рембрандт вернулся в Лейден. Здесь он вместе с живописцем Яном Ливенсом снял мастерскую. Художник много работает с натуры, пишет не только в мастерской, но и на улице и на городском базаре.

В конце 1620-х гг. Рембрандт завоевал популярность у жителей Лейдена. У него появилось множество заказов и первый ученик - Герард Доу, позднее ставший довольно известным живописцем.

Ранние картины Рембрандта характеризуются тщательностью композиции, добросовестностью исполнения. В то же время им свойственна некоторая скованность («Мучение св. Себастьяна», 1625).

В 1631 г. Рембрандт поселился в Амстердаме. Слава о нем очень быстро разнеслась по городу, и на живописца посыпались заказы. Удачно складывалась и личная жизнь Рембрандта: в 1634 г. он женился на Саскии ван Эйленбург, девушке из известной буржуазной семьи. Брак принес художнику значительное состояние, которое обеспечило ему творческую независимость и позволило заняться коллекционированием произведений искусства и антиквариата.

Рембрандт наслаждался счастьем в обществе любимой жены, которую он много раз изображал на портретах. Нередко Саския служила моделью и для картин с самой разнообразной тематикой («Флора», 1634; «Автопортрет с Саскией на коленях», ок. 1639).

Творчество Рембрандта в этот период отличается многообразием, он пишет исторические, мифологические и религиозные композиции, портреты, бытовые сцены, пейзажи, натюрморты, картины с изображениями животных. Но главный объект его внимания - человек. Не только в портретах, но и в других своих работах художник стремится передать характер и внутренний мир своих героев.

Замечательный мастер портретного жанра, только в 1630-е гг. Рембрандт исполнил более шестидесяти заказных портретов. Главное для живописца - не внешнее сходство с моделью, а глубина внутреннего мира, сила душевных движений и переживаний. С восторгом был встречен современниками групповой портрет «Анатомия доктора Тульпа» (1632). Художник внес в традиционную композицию классического группового портрета изменения, расположив фигуры не в ряд, как это было принято, а свободно. Такое построение придало изображению живость и естественность.

В конце 1630-х гг. Рембрандт стал самым известным мастером в Голландии. К этому периоду относится его шедевр - знаменитая «Даная» (1636), мастерство исполнения которой превосходит все, что было создано современниками
художника. Поражает совершенство ее композиции и богатство цветовой гаммы, выдержанной в золотистых оттенках. Кажется, что в этом произведении нет ничего лишнего, каждая его деталь тщательно продумана автором. С помощью свободного и живого мазка мастер передает легкость покрывала, складки тяжелых занавесей и драпировок. Поражает гибкая пластика молодой женщины, лежащей на кровати, нежно-золотистые оттенки тела, озаренного мягким светом. Хотя Даная не блещет идеальной красотой, ее образ восхищает зрителя живым очарованием и свежестью.

В 1630-х гг. художник много работает и в офорте. Его привлекают бытовые мотивы («Продавец крысиного яда», 1632). Элементы жанровости присущи и работам с библейской тематикой («Возвращение блудного сына», 1636). Один из лучших офортов этого периода - «Смерть Марии» (1639), эмоциональный и проникнутый чувством глубокой скорби. Сложностью композиции и монументальным величием образов отличается и замечательное произведение «Христос, исцеляющий больных» (т. н. «Лист в сто гульденов» - это название говорит о стоимости произведения).

В 1640-е гг. Рембрандт становится самым знаменитым и наиболее высокооплачиваемым живописцем Амстердама. Ему заказывают портреты, композиции для дворца голландского штатгальтера в Гааге. Множество начинающих художников стремятся учиться в его мастерской. Слава об искусстве Рембрандта выходит за пределы Голландии. Несколько картин знаменитого мастера хранится во дворце английского короля Карла I.

Талант Рембрандта проявился в его реалистичных и выразительных натюрмортах («Туша быка») и пейзажах («Пейзаж с мельницей», ок. 1650). Тонкий лиризм присущ непритязательным голландским ландшафтам, поражающим зрителя своей почти осязаемой реальностью.

Смерть любимой жены в 1642 г. отдалила Рембрандта от ее знатной родни. Художник перестал общаться и со своими знакомыми из аристократического общества. Перемены в жизни мастера отразились и на его живописи, которая становится более глубокой и сосредоточенной. Если ранние работы Рембрандта отличаются спокойным и ровным настроем, то теперь в его картинах начинают звучать ноты тревоги и сомнения. Изменяется и палитра, в которой доминируют красные и золотистые оттенки.

Яркой выразительностью отличается полотно «Давид и Ионафан» (1642, Эрмитаж, Санкт-Петербург), исполненное в золотисто-розовых и золотисто-голубых тонах.

Все эти новые черты в живописи Рембрандта не встретили понимания у современников. Недовольство вызвала большая монументальная композиция «Ночной дозор» (1642). Это название картина получила в XIX в. На самом деле действие происходит не ночью, а днем, при солнечном освещении, что подтверждает характер теней.

Со временем краски потемнели, и лишь реставрация, проведенная в 1946-1947 гг., показала, что цветовая гамма этого произведения была когда-то гораздо светлее.

На картине изображены стрелки роты капитана Баннинга Кока. Заказчик ожидал увидеть традиционный парадный портрет (сцену пирушки или представления зрителю командиром своих подчиненных). Рембрандт же создал ге-
роико-историческое полотно, изображающее выступление стрелков по приказу капитана. Персонажи взволнованны и динамичны; командир отдает распоряжения, знаменосец поднимает вверх знамя, барабанщик бьет в барабан, стрелки заряжают оружие. Здесь же крутится непонятно откуда взявшаяся маленькая девочка с петухом у пояса.

В эти годы в жизни Рембрандта появляется Хендрикье Стоффельс, сначала служанка, а затем и жена, ставшая его верной подругой и помощницей. Художник по-прежнему много работает. Он создает свое известное «Святое семейство» (1645), в котором религиозная тема трактуется как жанровая. Наряду с библейскими композициями, живописец исполняет реалистичные пейзажи с изображениями деревни («Зимний вид», 1646). Его портреты этого периода отличаются стремлением показать индивидуальные черты моделей.

В 1650-е гг. число заказов значительно уменьшается. Рембрандт испытывает большие материальные трудности. Ему грозит полное разорение, ведь до сих пор не выплачен долг, связанный с покупкой дома еще при жизни первой жены Саскии. В 1656 г. художник был объявлен несостоятельным, а его коллекция произведений искусства и все имущество были распроданы с аукциона. Семье Рембрандта пришлось переехать в бедный еврейский квартал Амстердама.

Несмотря на все невзгоды, талант великого живописца не иссякает. Но теперь критерий его мастерства совершенно иной. В поздних работах Рембрандта красочные мазки резко проступают на поверхности холста. Теперь цвета в его картинах служат не только для передачи внешнего облика героев и изображения интерьера - именно колорит берет на себя смысловую нагрузку произведения. Так, ощущение напряженного драматизма в картине «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660) создается посредством сложной тональной гаммы и особых световых эффектов.

Лишенный заказов, живущий в глубокой бедности, Рембрандт не перестает писать. Он создает выразительные и одухотворенные портреты, моделями для которых служат родственники и друзья («Портрет жены брата художника», 1654; «Портрет старика в красном», 1652-1654; «Портрет сына Титуса за чтением», 1657; «Портрет Хендрикье Стоффельс у окна», ок. 1659).

Сын Титус, получивший наконец состояние своей умершей матери, пытается оградить отца от материальных лишений и создать ему условия для спокойной работы. Но несчастья продолжают преследовать художника: в 1663 г. умирает Хендрикье, а через несколько лет за ней последовал Титус.

Именно в это трагическое время старый одинокий художник создает свои шедевры, отличающиеся монументальным величием и одухотворенностью («Давид и Урия», 1665-1666; «Возвращение блудного сына», ок. 1668-1669).

Умер Рембрандт в 1669 г., всеми забытый. Лишь в XVIII в. его искусство наконец-то было понято и оценено по достоинству.

В 1640-1660-х гг. ведущим в голландской живописи был бытовой жанр. Картины, изображающие самые обычные моменты действительности, удивительно поэтичны и лиричны. Главный объект внимания живописцев - человек и окружающий его мир. Большинство жанровых композиций отличается спокойной повествовательностью и отсутствием драматизма. Они рассказывают о домашних заботах хозяйки дома (покупка провизии, забота о детях, занятия рукоделием), о развлечениях голландского бюргера (игра в карты, прием гостей, концерты). Художники изображают все то, что происходит в доме зажиточного горожанина, обходя вниманием общественную сторону жизни человека.

Большой популярностью пользовались жанристы: Г. Доу, чьи картины продавались по очень высокой цене, А. ван Остаде, писавший сцены крестьянского быта («Сельский концерт»), Я. Стен, излюбленными темами которого были сцены веселья и праздников («Веселое общество»), Г. Терборх, чья изящная живопись представляла жизнь богатой бюргерской семьи («Бокал лимонада»), Г. Метсю с его бесхитростной повествовательностью («Больной ребенок»), П. де Хоох, создававший созерцательно-лиричные полотна («Хозяйка и служанка»).

Расширить рамки бытового жанра стремился К. Фабрициус, проживший недолгую жизнь (погиб в Делфте при взрыве порохового склада). Одна из лучших его работ - «Воскрешение Лазаря» (ок. 1643), отличающаяся драматизмом и почти монументальным размахом. Замечательны и его портреты и автопортреты, ставящие художника в один ряд с Ф. Халсом и Рембрандтом.

Трагична судьба Э. де Фабрициуса, талантливого мастера бытовой сцены и произведений с изображением церковных интерьеров («Рынок в порту», «Интерьер с женщиной у клавесина»). Художник не стремился потворствовать вкусам буржуазной публики, поэтому его произведения, не имевшие успеха у современников, продавались за гроши. Нередко Фабрициус был вынужден отдавать их за долги домовладельцам. Зимней ночью 1692 г. семидесятипятилетний художник, выброшенный хозяином из дома, повесился на перилах моста. Подобная судьба была характерна для многих голландских живописцев, не желающих отказываться от реалистических традиций в угоду публике.

Ян Вермер Делфтский

Ярким представителем жанровой голландской живописи является Ян Вермер, прозванный по месту рождения и деятельности Делфтским. Родился живописец в 1623 г. в семье торговца картинами и шелком. О жизни Вермера известно немного. Возможно, его учителем был К. Фабрициус. В 1653 г. художник стал членом гильдии Св. Луки и женился на дочери богатого горожанина Катерине Больнес. В Делфте он пользовался уважением и славой, проживал в большом доме, расположенном на рыночной площади.

Вермер работал над своими картинами очень медленно и обстоятельно, тщательно выписывая каждую деталь. Живопись не могла обеспечить семье художника безбедное существование, хотя его полотна и пользовались большим успехом. Вероятно, поэтому Вермер и начал торговать картинами, продолжив дело своего отца.

Уже в первых работах Вермера появляется характерное для его творчества соединение реалистичности и некоторой доли идеализации образов («Диана с нимфами», «Христос у Марфы и Марии» - обе до 1656). Следующее произведение - крупнофигурное полотно «У сводни» (1656) , написанное на сюжет, используемый многими живописцами, - отличается оригинальностью исполнения. Обычная бытовая сцена у художника приобретает почти монументальную значимость. Картина выделяется среди других произведений с подобной тематикой своим смелым колоритом, выдержанным в чистых желтых, красных, черных и белых цветах, и яркой выразительностью образов.

В дальнейшем Вермер обратился к традиционным для голландской живописи камерным композициям. Как и другие голландские мастера, он изображает события, происходящие в богатых бюргерских домах. Излюбленный образ художника - девушка за чтением письма или примеркой ожерелья. Его полотна представляют бесхитростные бытовые сцены: служанка подает своей хозяйке письмо, кавалер подносит даме бокал вина. Но эти картины, простые по композиции, поражают цельностью, гармоничностью и лиризмом, их образы привлекают естественностью и спокойной поэтичностью.

Во второй половине 1650-х гг. художник создал самые замечательные свои произведения. Теплым чувством отмечены глубоко лиричные «Спящая девушка», «Бокал вина», «Девушка с письмом». Многие голландские живописцы этого времени в своих картинах изображали занятых работой служанок, но только у Вермера образ женщины из народа имеет черты подлинной красоты и величия («Служанка с кувшином молока»).

Вермер - настоящий виртуоз в передаче сущности мира вещей с помощью изобразительных средств. С большим мастерством исполнены натюрморты в его картинах. Удивительно красиво и естественно выглядит блюдо с яблоками и сливами, стоящее на покрытом узорной скатертью столе в полотне «Девушка с письмом».

В картине «Служанка с кувшином молока» восхищает своей свежестью хлеб и молоко, густой струей льющееся из кувшина.

Большую роль в произведениях Вермера играет свет. Он заполняет пространство полотен, создавая впечатление необыкновенной воздушности; моделирует формы и проникает в краски, заставляя их светиться изнутри. Именно благодаря такому количеству света и воздуха создается особая эмоциональная приподнятость большинства работ Вермера.

Замечательное мастерство живописца проявилось и в пейзажной живописи. Маленький уголок города, окутанного влажной атмосферой пасмурного дня, воспроизводит ясная и простая по композиции «Уличка» (ок. 1658). Чистым и свежим предстает омытый дождем город в картине «Вид Делфта» (между 1658 и 1660). Сквозь нежно-серебристые облака пробиваются солнечные лучи, создавая на поверхности воды множество ярких бликов. Звучный колорит с его тонкими цветовыми переходами придает картине выразительность и гармоничность.

В 1660-х гг. живопись Вермера становится более изысканной и нарядной. Меняется и палитра, в которой теперь доминируют холодные красочные оттенки («Девушка с жемчужиной»). Главными героями полотен становятся окруженные роскошными предметами богатые дамы и кавалеры («Любовное письмо», ок. 1670).

Ян Вермер Делфтский. Служанка с кувшином молока. Между 1657 и 1660 гг.
Ян Вермер Делфтский. Мастерская живописца. Ок. 1665 г.

В последний период жизни Вермера произведения его становятся поверхностными и несколько надуманными («Аллегория веры»), а палитра теряет насыщенность и звучность. Но и в эти годы отдельные произведения художника поражают прежней выразительной силой. Такова его «Мастерская живописца» (1665), в которой Вермер изобразил себя за работой, и картины «Астроном» и «Географ», запечатлевшие ученых.

Судьба Вермера, как и многих других голландских мастеров, трагична. В конце жизни больной художник, потерявший большинство прежних заказчиков, вынужден был перевезти свою большую семью из прежнего дома в более дешевое жилище. За последние пять лет он не написал ни одной картины. Умер живописец в 1675 г. Его искусство было надолго забыто, и только в середине XIX в. Вермер был оценен по достоинству и поставлен в один ряд с такими голландскими мастерами, как Рембрандт и Ф. Халс.