Назад Вперёд

Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.

В настоящее время все детские музыкальные школы и школы искусств России переходят на новые стандарты обучения. Образовательные программы стали разделяться на предпрофессиональные и общеразвивающие. И если дети, которые учатся по предпрофессиональным программам, получают углубленные знания по всем предметам, то знания детей, осваивающих общеразвивающие программы, очень поверхностные. Особенно по теоретическим предметам, т.к. согласно учебным планам вместо полноценных уроков “сольфеджио”, “музыкальной литературы”, “теории музыки”, “анализа музыкальных формы” учащиеся проходят предмет “Музыка и окружающий мир” (1 ч. в неделю).

Играя произведения по специальности, учащиеся должны иметь хотя бы элементарные знания о музыкальных эпохах, стилях, т.к. эти знания очень важны для расширения кругозора, воспитания познавательной активности учащихся, для поддержания интереса к обучению. Уроки в музыкальной школе должны быть интересными, красочными, информативными, а главное – запоминающимся.

Отсюда проистекает главная цель урока-лекции:способствовать формированию у учащихся представления об эстетических ценностях посредством знакомства с музыкальными эпохами.

Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи урока:

• познакомить учащихся со стилями “барокко”, “классицизмом” и “романтизмом”;
• дать представление о звучании мировых шедевров, созданных в эти эпохи;
• закрепить и обобщить знания.

Ход урока

Слайд 1. Музыка сопровождает человека с первых дней и на протяжении всей его жизни. Мы слушаем ее с момента пробуждения, в течение дня и засыпаем под звуки музыки. Мы слышим ее всегда: в дороге, на отдыхе, на работе… Музыка способна поднять настроение, вдохновить, но может и привести в состояние тоски, скорби или тихой грусти. Музыка, как один из видов искусства, направлена, прежде всего, на душу человека.

Что же такое музыка? Музыка - это искусство звуков. Ученые доказали, что древние люди выжили в ледниковый период и стали преобладающим видом на планете, потому, что обладали способностью творить: передавать и созидать звуки, краски, создавать зрительные и звуковые образы.

Музыка развивалась параллельно с другими видами искусства, поэтому в ней много общего с живописью, архитектурой, скульптурой, литературой и театром.

Искусство, и прежде всего музыка разных эпох, отражало своё время и выражалось определённым художественным стилем.

Музыка не всегда была такой, какой мы знаем ее сейчас. Сегодня мы предлагаем Вам совершить музыкальное путешествие во времени и познакомиться с некоторыми стилями классической музыки.

Слайд 2. Первая остановка -эпоха барокко.

Эпоха барокко (от ит. barocco – “странный”, “причудливый”), возникшая на рубеже XVI – XVII вв. – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью.

Слайд 3. Например, в то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурном парике, в тугом корсете и в огромной юбке.

Слайд 4. Мужчина в парике без усов и бороды, напудрен и надушен духами.

Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, торжественность, парадность, стремление к соединению разных видов искусств. Данные черты в полной мере проявились в опере, где соединились музыка, поэзия, драматургия и театральная живопись.

Слайд 5. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра - две оперы под одним названием “Эвридика”, композиторов Якопо Пери и Джулио Каччини , созданные на сюжет мифа об Орфее.

Опера стала быстро развиваться, возникали различные оперные школы. Например, в Неапольской оперной школе сложился вокальный стиль бельканто (ит. bel canto – “прекрасное пение”), который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством.

В эпоху барокко изменилось представление о церковной музыке. Появились произведения, написанные на тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. К ним относятся кантата, оратория.

Слайд 6. Мастером монументальной оратории того времени является Георг Фридрих Гендель (1685-1759), немецкий композитор и органист. Он создал новый тип оратории, грандиозный по масштабам, демократический по музыкальному языку. Оратории Генделя оказали значительное влияние на творчество европейских композиторов.

В эпоху Барокко полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. “хомос” - “один” и “фоне” - “звук”. В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента. Это дало толчок к развитию инструментальной музыки, появлению новых жанров и в первую очередь инструментального концерта.

Слайд 7. В жанре “Кончерто – гроссо” - большого концерта работал один из выдающихся мастеров скрипичной музыки Антонио Вивальди (1678-1741), который написал 465 концерта. Концерты А. Вивальди состоят из 3 частей – быстрые крайние части и медленная средняя часть. Многие концерты А. Вивальди имеют программу, например, цикл концертов “Времена года”.

Приложение 1. А. Вивальди “Времена года”: “Зима” 1ч.

Слайд 8. Представителем Немецкой школы барокко является Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем.

Приложение 2. И.С. Бах Токката и фуга d-moll

Будучи последним (наряду с Г.Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму.

Слайд 9. Следующая остановка – эпоха классицизма .

Художественный стиль классицизм от лат. Classicus – “образцовый”, “совершенный” возник в XVII столетии во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к идеалу, ясным и строгим формам, гармоничным образам. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью. Как и сам человек, искусство классицизма было жизнеутверждающим и светлым. Именно в это время в западноевропейской музыке складываются "образцовые" для всей последующей истории структуры сонаты и симфонии.

Слайд 10. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала, который предполагает взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют друг друга. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции, разработке происходит дальнейшее развитие тем. Реприза - итог сложного пути, к которому темы пришли обогащенные развитием в экспозиции и разработке. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде, однако она необязательна.

Слайд 11. Симфония – наиболее сложная форма инструментальной музыки. Исполняется симфоническим оркестром. Композиторы венской классической школы (Гайдн, Моцарт, Бетховен) разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы.

Первая часть обычно исполнялась в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием, писалась в сонатной форме. Вторая часть медленная, созерцательная - это лирический центр композиции. Третья часть подвижная, носит танцевальный либо шутливый характер (Менуэт или Скерцо). Четвертая часть Финал, обычно быстрая часть, здесь подводятся итоги развития образов и тем всей симфонии.

Слайд 12. В опере XVII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка (1714-1787), создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-сериа, с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу.

Первыми операми, созданными по новым правилам, стали “Орфей и Эвридика” (1762), “Парис и Елена” (1770). Либретто к этим операм написал поэт и драматург Раньери да Кальцабиджи, это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы, прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Для своих опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнение долга. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играли речитативы, они всегда звучали под аккомпанемент оркестра (в отличие от “секко” - речитативов оперы - “сериа”), которые сопровождались клавесином. Главная мелодическая линия проводится в ариях. Возросла роль оркестра. Уже в увертюре были обозначены основные идеи. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена, работавших, преимущественно, в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу.

Слайд 13. С творчеством Йозефа Гайдна (1732-1809) связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него 104), струнный квартет, клавирная соната. Большое внимание композитор уделял концертам для различных инструментов, камерным ансамблям, духовной музыке. Композиторам венской классической школы, и, прежде всего, Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава оркестра. Звучание музыкальных инструментов приводилось в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки, основанных на знании возможностей инструментов.

Слайд 14. Творчество Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью.

Особое внимание Моцарт уделял опере, но не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены (“Свадьба Фигаро”, “Дон Жуан”, “Волшебная флейта”).

Приложение 3. В.А. Моцарт Ария Царицы Ночи из оперы “Волшебная флейта”, написанная в стиле bel canto.

Большое внимание Моцарт уделял симфонии, особенно популярны три последние – №39, №40 и №41 “Юпитер”. В произведениях этого жанра окончательно закрепились 4-х частный цикл и правила сонатной формы.

Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта. Фортепианное творчество включает 19 сонат, а также сочинения в жанре фантазии. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием.

Слайд 15. Последним представителем Венской классической школы был Людвиг ван Бетховен (1770-1827). Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – содержит в себе черты нового, романтического искусства (смелое экспериментаторство в симфониях и сонатах, интерес к вокальной и инструментальной миниатюре и программность). За свою жизнь композитор написал девять симфоний, тридцать две сонаты для фортепиано, а также для скрипки и виолончели, шестнадцать струнных квартетов, оперу “Фиделио”, пять концертов для фортепиано. Вершиной симфонического творчества по праву считают Девятую симфонию. Симфония грандиозна по масштабам, особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст орды к радости И.Ф. Шиллера.

Слайд 16. Следующая остановка – эпоха романтизма.

На рубеже XVIII-XIX столетий в европейском искусстве сложилось новое направление – романтизм (фр. romantisme), в формировании которого огромную роль сыграла Французская революция 1789 года. Она принесла людям разочарование и безнадёжность, т.к. за что боролись революционеры, не сбылось. Реальность была мрачна, поэтому романтики искали утешение в мире мечты. Основными темами становятся одиночество, далёкое прошлое, мечта, сказка. Романтиков интересует человеческая душа, её страсти и переживания.

Общество мещан, торговцев, простых обывателей диктовало музыкальному искусству свои вкусы, что привело к созданию “лёгких” жанров. Получили широкое развитие песня и романс.

Ведущим жанром становится миниатюра, часто имеющая конкретное название. В небольшом инструментальном сочинении-миниатюре можно было запечатлеть и мимолётные чувства, и глубокое душевное потрясение, и мгновенное настроение, и зарисовку с натуры.

Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающая содержание произведения. Иногда музыка писалась как иллюстрация к произведению литературы или живописи. Порой композитор сам сочинял сюжет для инструментальной музыки и излагал его в специальном пояснении к партитуре.

Композиторы-романтики часто обращались к фольклору, используя интонации, ритмы, мотивы народных танцев и песен.

Композиторы-романтики были убеждены, что через музыкальное просвещение можно изменить мир и человека, поэтому немало сил отдавали публицистике и просветительской деятельности. Они стремились лично воздействовать на большую аудиторию и становились исполнителями или дирижёрами. Именно романтики создали в Европе систему общедоступных концертов.

Слайд 17. Первым представителем романтизма стал австрийский композитор Франц Шуберт (1797-1828).За свою короткую жизнь композитор создал более 1000 сочинений. Инструментальная музыка Шуберта связана с традициями венской классической школы. Композитор написал девять симфоний. Симфония №8, имеющая подзаголовок “Неоконченная” (1822г.) - одно из самых ярких произведений не только в творчестве Шуберта, но и в мировой симфонической музыке. Но при жизни он получил признание лишь как автор песен, а его симфонии, сонаты, фортепианные миниатюры были надолго забыты.

Приложение 4. Ф. Шуберт “Пчёлка”.

Шуберт написал более 600 песен. Каждая из них – это рассказ о человеке, способном на сильные, искренние чувства. Основная часть песен посвящена любви, однако есть среди них пейзажные и жанровые зарисовки (например, “Форель”), романтические легенды (баллада “Лесной царь” на стихи немецкого поэта И.В. Гёте). В песнях огромное значение приобретает партия фортепиано, которое будто бы полностью подчинено голосу, именно инструмент передает те чувства и эмоции, которые не выразить словами. Вокальные циклы “Прекрасная мельничиха” и “Зимний путь” - являются вершиной творчества Ф. Шуберта.

Слайд 18. Еще один представитель романтизма композитор Роберт Шуман (1810-1856). В своём творчестве композитор уделял большое внимание фортепианной музыке. Один за другим были написаны знаменитые фортепианные циклы “Вариации” (1830г.), “Бабочки” (1831г.), “Карнавал” (1835г.), “Фантастические пьесы” (1837г.), а так же “Детские сцены”, “Крейслериана”, “Новелетты”. Композитор писал психологическую музыку, которая далека была от фольклорных мотивов. Произведения Шумана – это нечто “личное”. Гармоничный язык его произведений более сложный, нежели у его современников. Ритм творений Шумана достаточно прихотлив и капризен.

Композитор обращался и к вокальной музыке. Центральное место в вокальном наследии Шумана занимают два цикла “Любовь и жизнь женщины” и “Любовь поэта”.

Приложение 5. Р. Шуман “Я не сержусь” из цикла “Любовь поэта”.

Слайд 19. Фредерик Шопен (1810-1849) - композитор – романтик, основоположник польской национальной композиторской школы. Ф. Шопен – уникальный композитор, так как писал практически только фортепианную музыку. Характерной чертой “шопеновского” стиля является соединение камерной лирики, поэтической импровизационности с блестящей виртуозной техникой. Для композиторского стиля Шопена характерен синтез романтических и классических традиций. Обращение к народным истокам: использование народных ладов, ритмов и гармонизации. Фортепиано часто “подражает” народному оркестру. Многие фортепианные сочинения композитора носят элегический характер мелодики. Многие произведения Шопен создал в ритме польских народных и городских танцев (мазурка, полонез, вальс).

Приложение 6. Ф. Шопен Ноктюрн Es-dur.

Слайд 20. Опера в эпоху романтизма развивалась двумя путями – путем развития и обновления традиций (Джузеппе Верди (1813-1901) в Италии, Жорж Бизе (1838-1875) во Франции) и путем реформы (Рихард Вагнер (1813-1883) в Германии).

Оперы Верди и Бизе обобщили лучшие достижения итальянской и французской оперы, существенно обновив их содержание. Главное – новые герои. Это не мифологические персонажи и исторические деятели, а простые люди, нередко – “униженные и оскорбленные”. Шут в “Риголетто”, куртизанка в “Травиате” Верди, работница табачной фабрики и солдат в “Кармен” Бизе. Но именно их жизненные истории становятся основой сюжета, именно их чувствам и страстям сопереживает слушатель. При этом характеры героев раскрываются в условиях драматических, даже трагедийных.

Оперы Верди и Бизе являются образцами психологической лирики в музыке, и объединяют черты романтического и реалистического искусства.

Слайд 21. Р. Вагнер – крупнейшая фигура в истории музыки XIX в. Его личность и творчество вызвало бурные дискуссии, которые продолжаются едва ли не до сих пор. Вся его жизнь была сосредоточена на одном деле – создании того, что сам он называл “Произведение искусства будущего”.

Принципы оперной реформы Р. Вагнера (сформулированы им самим в многочисленных теоретических трудах, например, “Опера и драма”):

1) Процесс сочинения начинается с формулирования художественной идеи.

2) Композитор и драматург – одно лицо. Ему принадлежит идея, он сам пишет и текст, и музыку своей оперы. Это полностью его сочинение.

3) В основе сюжета – мифы и легенды. Именно в них можно найти вечные, прошедшие многовековую проверку временем, а значит, всегда актуальные идеи.

4) Композитор вырабатывает музыкальный язык, который стал бы “чувственным выражением мысли”.

Слушатель не просто наслаждается красивыми созвучиями, но прочитывает музыку, как текст. Для этого используется система лейтмотивов. Лейтмотив (т. е. повторяющаяся тема) может символизировать чувство (любовь, страдание), понятие (искушение, судьба, смерть,), предмет (волшебный меч, кольцо власти), явление природы (буря). Выстраивая эти лейтмотивы в разнообразные последовательности, повторяя и изменяя их, композитор направляет мысль слушателя.

Интересно, что каждая из реформаторских опер Вагнера, при всей обобщенности мифологического содержания и значимости философских идей, вызвана к жизни глубоко личными переживаниями, т.е. основана на автобиографических мотивах. И это выдает в нем типичного художника-романтика.

Вот и подошло к концу наше музыкальное путешествие. Мы кратко ознакомились с некоторыми важнейшими для развития искусства эпохами. Небольшая викторина поможет нам подвести итоги нашего путешествия.

Слайды 22, 23. Вопросы и ответы:

С какими эпохами мы сегодня познакомились? (Барокко, классицизм, романтизм)

Как называется оперной вокальный стиль, который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством? (bel canto – “прекрасное пение”)

Чем отличается полифоническая музыка от гомофонной музыки? (В полифонии все голоса равноправны, а в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента.)

1. Кто автор цикла инструментальных концертов “Времена года”? (А. Вивальди)
2. Великий немецкий композитор эпохи Барокко - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры? (И.С.Бах)
3. Назовите строение сонатной формы. (Экспозиция, разработка, реприза)
4. Назовите композиторов венской классической школы. (Й.Гайдн, В.А.Моцарт и Л.Бетховен)
5. К каким жанрам чаще всего обращались композиторы романтики? (миниатюра, песня, романс)
6. Какой немецкий композитор в теоретическом труде “Опера и драма” изложил свои принципы оперной реформы? (Р.Вагнер)

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Всё относительно, и любые вчерашние шлягеры, выдержавшие проверку временем, – будь то шедевры Баха, Моцарта, Шопена, Прокофьева или, допустим, The Beatles – можно отнести к классическим произведениям.

Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность.

К чему всё это? К тому, что важно разделять широкое понятие классической музыки и классицизм, как направление в музыкальном искусстве.

Эпоха классицизма

Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское.

В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.

Эстетические установки классицизма

В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность . Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры . «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

Классицизм в музыке – венские классики

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений.

Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как .

Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков.

Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность . Простота и непринуждённость высказывания композиторов-классиков могла бы показаться современному уху банальной (в некоторых случаях, разумеется), если бы музыка их не была столь гениальной.

Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом . Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы.

В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Жанры музыкального классицизма

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. Сформировалась многочастная сонатно-симфоническая форма (4-частный цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных сочинений.

В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор – современные «навороты» наслаиваются на неё, как на основу.

Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях.

Сонатная форма

Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна и Моцарта, а Бетховен довел её до совершенства и даже начал ломать строгие каноны жанра.

Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии.

Сонатная форма включает в себя 3 главных раздела:

1. первый раздел – экспозиция (проведение основных тем),
2. второй – разработка (развитие и сопоставление тем)
3. и третий – реприза (видоизменённое повторение экспозиции, в котором обычно происходит тональное сближение ранее противопоставляемых друг другу тем).

Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.

Сонатно-симфонический цикл

По строению, логике следования частей, симфонии и сонаты очень похожи, отсюда общее название их цельной музыкальной формы – сонатно-симфонический цикл.

Классическая симфония почти всегда состоит из 4-х частей:

• I – быстрая активная часть в традиционной для неё форме сонатного allegro;
• II – медленная часть (форма её, как правило, строго не регламентирована – здесь возможны и вариации, и трёхчастная сложная или простая формы, и рондо-сонаты, и медленная сонатная форма);
• III – менуэт (иногда скерцо), так называемая жанровая часть – по форме почти всегда сложная трёхчастная;
• IV – финальная и итоговая быстрая часть, для которой тоже нередко выбирали сонатную форму, иногда форму рондо или рондо-сонаты.

Концерт

Название концерта, как жанра, произошло от латинского слова concertare – «состязание». Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Инструментальный концерт, созданный в эпоху Возрождения и получивший просто грандиозное развитие в , в творчестве венских классиков обрёл сонатно-симфоническую форму.

Струнный квартет

Состав струнного квартета обычно включает две скрипки, альт и виолончель. Форма квартета, аналогичная сонатно-симфоническому циклу, определилась уже у Гайдна. Моцарт и Бетховен также внесли свой огромный вклад и проложили пути для дальнейшего развития этого жанра.

Музыкальная культура классицизма стала своеобразной «колыбелью» для струнного квартета, в последующие времена и до настоящего времени композиторы не перестают писать всё новые и новые произведения в жанре концерта – настолько этот вид произведений оказался востребованным.

Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).

В истории музыки отмечаются два исторических периода классицизма. Ранний классицизм, пришедший еще из эпохи Возрождения, был характерен для XVII века и развивался одновременно с . Наиболее ярко ранний классицизм проявился во французском музыкальном искусстве, там же, во Франции, возникли и наиболее серьезные разногласия между приверженцами классицизма и барокко.

Поздний период классицизма характерен для второй половины XVIII века — начала XIX века и отождествляется многими с эпохой Просвещения и Венской классической школой.

Между музыковедами разных поколений периодически возникают споры относительно этих периодов и направлений развития музыкального искусства. Даже в XX веке происходила серьезная дискуссия: немецкие музыковеды относили к периоду барокко весь временной отрезок от Возрождения до Просвещения, а их французские оппоненты, наоборот, считали стиль барокко одним из направлений классицизма.

Четкое разделение эпох и музыкальных стилей барокко и классицизма усложнено, в первую очередь, разным временем распространения музыкальных стилей в конкретных национальных школах. Не подлежит сомнению, что к середине XVIII века классицизм господствовал во всей Европе, а его расцвет связан с творчеством таких великих композиторов, как Кристоф Глюк, Йозеф Гайдн, Вольфганг Моцарт и Людвиг ван Бетховен.

Опера-сериа и опера-буффа

XVIII век с музыкальной точки зрения характеризовался безраздельным господством итальянской оперы, может быть, за исключением Франции. Практически при всех королевских дворах Европы состояли театральные труппы, в которых играли либо сами итальянцы, либо музыканты и актеры, обучавшиеся в Италии.

Развитие жанра опера-сериа (серьезной оперы) состоялось во многом благодаря деятельности Пьетро Метастазио. Находясь на должности придворного поэта у Карла VI Австрийского, он написал множество либретто на тематику античной мифологии. «Метастазианские» либретто использовали многие знаменитые композиторы XVIII века, а сами оперные произведения состояли из трех актов, в них было не более шести персонажей, и практически не использовался хор.

Композиторы – «метастазианцы», среди которых Адольф Гассе, Карл Генрих Граун и даже итальянцы Никколо Джемелли и Томмазо Ираетта, постепенно заменяли оперные арии «da capo» (с начала) каватинами, уменьшали количество сухих речитативов.

Между тем, во Франции продолжался расцвет лирической трагедии. Хоры, балеты, эффектные театральные постановки этого жанра достигли совершенства в творчестве Жана-Филиппа Рамо. Однако где-то рядом, постепенно, пробивала себе дорогу на музыкальный олимп более востребованная слушателем, более схожая с галантностью классицизма комическая опера-буффа.

Первые оперы-буффа являлись краткими пьесами, которые ставились во время антрактов для развлечения публики, пришедших смотреть серьезную оперу. Но уже к 1750 году комические оперы заняли прочное место на сцене и начали вытеснять свою серьезную предшественницу. Последняя знаменитая опера-сериа «Милосердие Тита» была написана Моцартом в 1791 году, уже в эпоху классицизма.

Оперные жанры Франции, Германии и Испании

Франция. Опера-буффа неаполитанского композитора Перголези под названием «Служанка-госпожа», блестящая премьера которой состоялась в Париже в 1752 году, вызвала ожесточенную полемику культурных деятелей Франции. Великие философы Дидро, Д’аламбер, Руссо были восхищены естественностью произведения, и считали премьеру победой над излишним символизмом и пафосом эпохи барокко. Руссо даже сочинил собственную оперу – «Деревенский колдун», премьера которой состоялась в том же 1752 году во французской столице. Французскими первопроходцами в жанре комической оперы стали Андре Филидор (1726-1795) а Андре Гретри (1741-1813).

Между тем, сторонники французской лирической трагедии не видели в опере-буффа соответствия канонам высокого искусства. Они добились высылки итальянской труппы из страны, но брешь в устоях барокко уже была пробита.

Германия, Австрия. Немецкая и австрийская публика того времени восхищались победой собственного музыкального жанра – зингшпиля. Основой нового стиля стали переводы на немецкий язык английских балладных опер и традиции народной австрийской импровизационной комедии (в том числе, театра марионеток).

Высшее развитие зингшпиль получил в творчестве Моцарта. В его произведениях «Похищение из сераля», «Волшебная флейта» простенькие народно-бытовые сюжеты ранних зингшпилей были обогащены глубокой лирикой и философией происходящего. Среди произведений Бетховена также можно найти зингшпиль «Фиделио» и другие, а к XX столетию жанр зингшпиля трансформировался мюзикл.

Испания. В испанском музыкальном искусстве также существуют «родные сестры» оперы-буффа и зингшпиля — это сарсуэла и тонадилья. Сарсуэла прошла сложный путь популярности: появившись в начале XVII века, она была вытеснена классической оперой, но уже в XIX вернула былую известность. Тонадилья являлась краткой комической интермедией и со временем стала все больше походить на итальянскую оперу-буффа.

Развитие крупных инструментальных форм

Классицизм. Рождение симфонии. Еще до появления в XVIII веке как отдельного инструментального жанра этот термин использовался для определения инструментальных фрагментов музыкальных произведений.

Большой вклад в начальное развитие жанра внесли композиторы мангеймской музыкальной школы. Начиная с 1740 года, придворная капелла Мангейма стала музыкальным центром развития новых оркестровых форм. Увеличения количества инструментов в оркестре новой формации сделало невозможным управление музыкальным коллективом «от клавесина», и фигура дирижера вышла на главные роли.

Окончательное формирование канонов симфонической музыки сформировалось благодаря творчеству Йозефа Гайдна, Вольфганга Моцарта и Людвига ван Бетховена.

Классический концерт. Форма , основу которого составляет некое противостояние сольного инструмента и всего оркестра, получила наивысшее развитие благодаря сочинениям Георга Генделя, Антонио Вивальди, Вольфганга Моцарта, а впоследствии Ференца Листа и Иоганна Брамса. Наиболее частыми инструментами для солирования были признаны фортепиано и скрипка, а наряду с классическими трехчастными концертами появлялись одночастные и четырехчастные произведения.

Камерная музыка. Принципы классицизма позволили провести четкие различия между музыкой, сочиняемой для больших оркестровых групп и небольших, камерных музыкальных коллективов. Сформировались классические виды небольшого инструментального ансамбля: соната, трио, квартет. В последующие десятилетия необычайную популярность приобрел струнный квартет, для которого было написано множество популярных произведений.

Церковная музыка эпохи классицизма

Более тысячи лет, вплоть до XVII столетия христианская церковь оставалась главным центром сосредоточения музыкального профессионализма. В XVII-XVIII веках бурное развитие светской музыки, появление симфонии, оперы, сонаты, концерта оказало сильнейшее влияние на церковную музыку. Классицизм привнес драматизацию и симфонизацию церковного жанра, реформа иногда приводила к тому, что произведения, написанные специально для богослужений, переводились в разряд светской музыки.

Вот небольшое и неполное перечисление бесценных произведений великих композиторов эпохи классицизма, их дань церковной музыке и всем верующим людям:

Создал ряд гениальных произведений в жанре «страстей», пришедших на смену мотету — «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», «Высокая месса h-moll».

«Stabat Mater», написанная в 1736 году итальянским композитором Перголези, придала церковной музыке некую галантную эстетику.

На протяжении жизни написал множество месс и ораторий, среди которых «Нельсон-месса», «Месса Терезия», «Семь слов Спасителя на кресте», «Сотворение мира», «Te deum».

Оратория «Христос на Масличной горе», «Месса C-Dur» и «Торжественная месса» стали венцом церковной музыки в сочинениях Людвига ван Бетховена.

Вольфганг Амадей Моцарт написал 18 месс, а также мотеты, оратории, кантаты, оффертории, вечерни, литании. Золотыми страницами Моцарта являются «Коронационная месса», «Большая месса C-Dur», мотет «Ave Verum», а также «Реквием», начатый в год его смерти и завершенный его учеником Францем Зюйсмаром.

Классицизм.

Музыка в период 1750 - 1820 гг.

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт.

Классицизм начался в эпоху Просвещения - время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Вновь появились понятия прав человека, защита этих прав и свободы вероисповедания и слова, произошел поворот к простоте и естественности, который отразился в чистом архитектурном стиле, напоминающем стиль Древней Греции и Рима - отсюда и термин "классический".

Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные общества и оркестры.

Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и др. напротив заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.

Новый состав оркестра привел к появлению симфонии - важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов - быстрого начала, медленной середины и быстрого окончания. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, был сын И.С.Баха - Карл Филипп Эммануил Бах.

Вместе с новым составом оркестра появляется и , состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.

В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.

Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепиано. Как и , сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.

Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.
Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".

В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен , композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.

Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро, трогательные чувства и безграничный драйв.

Великие произведения Классической эпохи:

Моцарт "Реквием", "Дон Жуан", "Волшебная флейта ", Концерт для фортепиано с оркестром № 21, Концерт для кларнета
Гайдн "Сотворение мира", Симфония № 101 "Часы", Струнный квартет oп.76 № 3 "Император"
Глюк "Орфей и Эвредика"
Бетховен Симфония № 3 "Eroica"

В 17-19 веках в культуре европейских государств на смену вычурному и противоречивому барочному стилю приходит строгий рационалистический классицизм. Его основные принципы направлены на создание идеальных, четких, логически завершенных и гармоничных произведений искусства. привнес новые тенденции, относящиеся к содержанию и форме сочинений. В в творчестве композиторов достигают совершенства такие жанры, как соната, симфония и опера.

Настоящей революцией в музыкальном искусстве стала реформа К. Глюка, провозглашавшая три основных требования к сочинениям: правда, естественность и простота. Стремясь более доступно передать зрителю смысл драматических произведений, он убирает из партитур все лишние «эффекты»: украшения, тремоло, трели. При этом основной акцент делается на раскрытие поэтического образа сочинения, осознание внутренних переживаний главного героя. Классицизм в музыке наиболее колоритно обнаруживается в опере К. Глюка «Орфей и Эвридика». Это произведение, написанное в соответствии с новыми идеями, положило начало вышеописанной реформе.

Классицизм в музыке достигает своего расцвета во второй половине 18 века. В этот период в Вене создают свои великие шедевры известные всему миру композиторы Йозеф Гайдн, Людвиг Ван Бетховен и Вольфганг Амадей Моцарт.

Основное внимание в своем творчестве они уделяют симфоническому жанру. Йозеф Гайдн по праву считается отцом инструментальной классической музыки и родоначальником оркестра. Именно он определил основные законы, по которым должно строиться развитие симфонии, установил порядок расположения разделов, придал им законченный вид и нашел идеальную форму для воплощения глубокого содержания произведений этого жанра - четырехчастную. Классицизм в музыке установил и новый тип трехчастной сонаты. Сочинения, написанные в этой форме, приобрели благородную тонкую простоту, легкость, бодрость, земную радость и задор.

Дальнейшее развитие сонатно-симфонические произведения получают в творчестве В. А. Моцарта. Этот известный и горячо любимый в Вене музыкант, опираясь на достижения Гайдна, написал ряд опер, представляющих для современной культуры огромную ценность: «Волшебная флейта», «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро» и другие.

Музыка эпохи классицизма нашла отражение и в творчестве Л.В. Бетховена - величайшего симфониста эпохи. Его масштабные произведения, сформировавшиеся под воздействием революционных событий этого периода, пронизаны пафосом борьбы, драматизмом и великим героизмом. Они словно обращены ко всему человечеству. Людвиг Ван Бетховен является создателем ряда симфонических увертюр («Кориолан», «Эгмонт»), тридцати двух фортепианных сонат, пяти концертов для фортепиано с оркестром и других крупномасштабных произведений. В своих сочинениях он изображает смелого и страстного героя, мыслителя и борца, которому присуща драматическая патетика, в то же время не чужда лирическая мечтательность. Музыка классицизма в творчестве Бетховена завершила свое развитие, оставшись для последующих поколений идеалом гармонии и рациональной строгости.