Управление образования Добрянского муниципального района
Муниципальное образовательное учреждение дополнительного образования детей
«Добрянская детская школа искусств»

Методическая разработка:
« Работа над ансамблями как
одна из форм развития
интереса в обучении музыке
детей со средними данными.»
Преподаватель первой
квалификационной категории
Рапецкая Лариса Викторовна

Добрянка
2010 г.

Работа над ансамблями как одна из форм развития интереса в обучении музыке детей со средними природными данными.

Особенностью ансамблевого музицирования является воспитание чувства ответственности учащихся за качество освоения собственной партии, достижение исполнителями точности в темпе, ритме, штрихах, динамике, агогике, специфике тембрового звучания, что способствует созданию единства и целостности музыкально-художественного образа исполняемого произведения.

Цель обучения ансамблевого музицирования:

Воспитание эстетически развитой личности, приобретение начального музыкального образования, необходимого для практического участия в сфере досуга и культурного обслуживания населения в инструментальных ансамблях различных составов и жанров.

Основные задачи:

Ознакомление с широким кругом музыкальной литературы, освоение новых жанров;
-развитие способностей согласовывать свои исполнительские намерения с действиями других участников ансамбля;
-повышение требований в отношении музыкально-исполнительских навыков, умение соподчинять все средства выразительности ради построения общего художественного целого, выражения общей художественной идеи;
-воспитывать чувство ответственности за себя и за коллектив.

Проблема музыкального развития детей со средними и слабыми природными музыкальными данными не является новой. Но то, что этим развитием нужно заниматься со всеми детьми, желающими обучаться музыке – несомненно.
А.Гольденвейзер писал: «Почти каждый человек, за исключением глухих от рождения, обладает в той или иной мере музыкальностью и способностью ее развивать. Поэтому, чем шире сеть музыкальных школ и чем распространеннее учение музыке, тем лучше. Но я думаю, что в построении педагогического процесса в музыкальных школах мы недостаточно различаем понятия – общее музыкальное воспитание и обучение музыкантов.

Музыке нужно учить всех в той или иной форме и степени, а воспитывать профессионалами-музыкантами нужно не только не всех, но лишь очень не многих».
Никто не встречал шести-, семилетнего ребенка, который бы не пришел на первый урок музыки с сияющими глазами, с огромным ожиданием, с безграничной любовью к незнакомому миру звуков и желанием извлечь их своими собственными руками.
Золтан Кодай говорил: «Давайте вложим в руки детям, восприимчивым к музыке, тот ключик, при помощи которого они смогут вступить в волшебный сад музыки, чтобы приумножить смысл всей их жизни». Эти слова могут служить стимулом к кропотливой работе всех преподавателей. Главная задача преподавателя состоит в том, чтобы иметь наготове неиссякаемый запас увлекательных возможностей, с помощью которых можно научиться играть на любом инструменте. К каждому ребенку нужно найти свой собственный подход. Нормальный, здоровый ребенок обычно любознателен, пытлив, открыт для внешних впечатлений и воздействий; почти все его интересует, привлекает внимание. Этим «рычагом», созданным самой природой, следует постоянно пользоваться в обучении вообще и на музыкальных занятиях в частности. Музыка может изображать окружающий мир, людей, животных, разнообразные явления и картины природы. Учителю надлежит раскрывать, иллюстрировать выразительно-изобразительные возможности музыки. Выдумка, творческая фантазия и изобретательность учителя- музыканта нечем не ограничены, кроме, естественно, здравого смысла, практической целесообразности и профессиональных действий педагога. В любом случае, если ему удастся вызвать интерес учащихся – и не только вызвать, но и поддержать его в течение нужного времени, - необходимые предпосылки для успеха будут созданы.
Однообразная, монотонная деятельность приводит детей к быстро наступающему утомлению, и тому состоянию, которое определяется у детей словом «скучно». «Все жанры хороши, кроме скучного», - говорил некогда Вальтер. Слушание музыки, пение в ансамбле или в хоре, музыкальные викторины, игра в ансамбле – это не полный перечень различных видов музыкальной деятельности. Трудно сказать, какой из них более важен, какой менее. Очевидно, важнее всего то, насколько умело и квалифицированно они применяются.
Одной из таких интересных и увлекательных возможностей является игра в ансамбле. Мы знаем, что ансамбль – это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена, при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом.
В этом жанре писали почти все выдающиеся композиторы. Писали как для домашнего музицирования, так и для интенсивного обучения и концертных выступлений.
Одной из важных задач является подбор участников ансамбля, равных по своей музыкальной подготовке и владению инструментом. Надо учитывать межличностные отношения участников ансамбля. Если коллектив состоит из людей уважающих и ценящих друг друга, то занятия проходят более результативно, дети чаще встречаются, интенсивнее репетируют. Благоприятный морально психологический климат в ансамбле – залог успешной работы.
Начинать занятия надо с доступных детям произведений, в игре которых технические трудности преодолеваются сравнительно легко, а все внимание направляется на художественные цели. К сожалению, довольно часто приходиться наблюдать обратную картину, когда ансамблисты, не имея достаточной базы, выносят на зачеты и экзамены слишком сложные для них произведения. Ученик проявляет повышенный интерес к занятиям тогда, когда не чувствует собственной беспомощности, а получает удовольствие от результатов своей работы. Лучше разучить несколько нетрудных пьес и играть их на высоком художественном уровне, чем мусолить одну сложную, так и не добравшись до творческой ее интерпретации. Совместная игра отличается от сольной прежде всего тем, что и общий план и все детали интерпретации являются плодом раздумий и творческой фантазии не одного, а нескольких исполнителей и реализуются их общими усилиями. Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков или пауз) у всех исполнителей.
Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля – единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса.

В области темпа и ритма индивидуальности исполнителей сказываются очень отчетливо.
Незаметное в сольном исполнении легкое изменение темпа или незначительное отклонение от ритма при совместной игре может резко нарушить синхронность. Малейшее нарушение синхронности при совместной игре улавливается слушателем. Музыкальная ткань оказывается разорванной, голосоведение гармонии искажается.
Игра в ансамбле помогает музыканту преодолеть присущие ему недостатки: неумение держать темп, вялый или излишне жесткий ритм; помогает сделать его исполнение более уверенным, ярким, многообразным.
Одним из интереснейших разделов в работе с учащимися является работа над камерным ансамблем, т.е. ансамбль с участием смычковых инструментов.
В камерных ансамблях объединяются инструменты с различными динамическими возможностями. В процессе репетиции выясняется, что при нюансе некоторые партии тонут в общем звучании и важные элементы музыкальной ткани пропадают для слушателя. Возникает необходимость в корректировке привычных представлений. Особое значение приобретают три звучания:
-каждого инструмента в отдельности;
-в ансамбле;
-всего ансамбля.
Если первое не требует пояснений, то второе имеет одну существенную особенность: оно определяется динамическими возможностями слабейшего инструмента. Для исполнителей это звучание слабейшего служит как бы эталоном, по которому они соответственно «подстраивают» силу звучания своих партий. Звук ведущей партии будет более интенсивным, чем звук сопровождения; при прозрачной фактуре он будет иным, нежнее, чем при плотной. Работа над штрихом – это уточнение музыкальной мысли, нахождение наиболее удачной формы ее выражения. Штрихи в ансамбле зависят от штрихов отдельных партий. Лишь при общем звучании может быть определена художественная целесообразность и убедительность решения любого штрихового вопроса. Занимаясь камерным ансамблем, т.е. ансамблем с участием смычковых инструментов, педагогу надо внимательно отнестись к смычковым лигам, которые иногда целесообразно изменить в соответствии со смычковым логическим построением фразы, ее динамикой. Смычковая лига не исключает возможности и перерыва звучания, паузы, а ее отсутствие – непрерывного звучания. Многие композиторы охотно ставили смычковые лиги в фортепианных ансамблевых партиях. Пианисты понимают, что такие лиги не обусловливают обязательного снятия руки в конце каждой фразы и обычно мысленно объединяют несколько коротких лиг в одну общую.
Однако лиги имеют другое, гораздо более важное значение. Они могут определять строение музыкальной речи, ее «синтаксис», деление на фразы и показывать интонацию мотива.
Такие лиги обычно называют «фразировочными» или «смысловыми».
Живая фраза - это искусство агогики. Естественно «дышащая» пьеса как ощущение целого – это логичная агогика, не разрушающая внутренне единого темпа. Темп, метр и агогика должны быть подчинены друг другу и вытекать одно из другого: метр появляется из сопротивления темпу, агогика – из сопротивления метру, темп – при обуздании метра и агогики.
Для успешного усвоения всех этих задач возможно применение синтезатора на уроках.
Воспитание чувства ритма и тембрового слуха, ритмический контроль – самая трудная задача в процессе обучения, и синтезатор здесь – незаменимый помощник. Синтезатор по сравнению с другими музыкальными инструментами – самый молодой и в то же время самый многофункциональный, многоплановый, универсальный инструмент.
Какие же возможности открываются при использовании синтезатора на уроках? Струнные, духовые инструменты получают возможность звучания с аккомпанементом различными вариантами ансамблей, стилями и ритмами.
Исполнение учениками произведений с автоаккомпанементом, причем с варьируемыми ритмами, даст несравнимо большие навыки ансамблевой игры, нежели игра под аккомпанемент концертмейстера. Примером может служить произведение на известные французские мелодии (обработка Морозовой С. И.)
«Попурри».
Для основной массы учеников школы исполнение сольных концертов с оркестром на сегодняшний день остается недостижимой мечтой. Здесь синтезатор мог бы помочь: если и не полностью имитировать оркестр через воспроизведение компьютерного Midi файла, то создать иллюзию оркестрового ансамбля, записав партию оркестра в память.
Концерты классных ансамблей, которые есть у каждого педагога школы, могут превратиться в настоящие «художественные вечера», удивляя разнообразием возможностей. Игра в ансамбле с различными тембрами синтезатора возможна даже для начинающих учащихся. Спандевеккиа. Добрый жук.
Искусство «живой» игры на синтезаторе в концертной практике, когда все звуки рождаются исполнителем непосредственно в момент исполнения, - состоит из двух этапов.
1) Подготовка синтезатора для исполнения конкретного произведения, которая включает выбор необходимых стилей и тембров. Создание и занесение в регистрационную память настроек для всех частей формы музыкального произведения.
2) Умение играть нужным для каждого тембра фактурой и штрихами, умение точно переключиться с одной настройки на другую, создавая драматургически выстроенное по форме музыкальное произведение.

Для концертного использования любого репертуара требуется творческое отношение учеников и преподавателя к выбранному материалу.
Автоаккомпанемент синтезатора – это главный помощник, который полностью подчиняется исполнителю. Придумать для него роль в каждом конкретном произведении – задача ученика и педагога.
На основе репертуара проходит закрепление различных видов гармонии, полифонии, метроритма, фактуры. В репертуаре учащихся должны найти место произведения русских и зарубежных композиторов, композиторов-классиков. В. Моцарт «Маленькая ночная серенада».
В заключении хотелось бы отметить, что главное для всех форм работы, чтобы творческая инициатива оставалась за учеником.
Задача преподавателя – развивать и активизировать творческое начало личности ученика.

Литература: В.В. Крюкова «Музыкальная педагогика».
Г.М. Цыпина «Психология музыкальной деятельности».
В.Г. Пешняк «Курс игры на синтезаторе».
И. Шавкунов «Методика игры на синтезаторе».
Полный текст материала Работа над ансамблями как одна из форм развития интереса в обучении музыке детей со средними данными. смотрите в скачиваемом файле .
На странице приведен фрагмент.

Прищепа Наталья Александровна

Колледж Луганского государственного института культуры и искусств

Роль ансамблевой игры в младших и средних классах на уроках фортепиано

Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения оперной и симфонической музыки. Накопление запаса ярких многочисленных слуховых представлений стимулирует художественное воображение.

Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического,внутреннего).

Касаясь немного истории фортепианного ансамбля нужно отметить, что этот жанр начал стремительно развиваться во второй половине ХVIII века с появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями: расширенный диапазон, способность постепенного увеличения и уменьшения звучности, добавочный резонатор педали. Значительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые регистровые краски.К началу Х I Х века фортепианный ансамбль утвердился как полноправная самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная литература. Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы Х I Х и ХХ столетия .

Существует два вида фортепианного ансамбля - на одном или на двух роялях. Фортепианный дуэт на двух роялях получил наибольшее распространение в профессиональной концертной практике. Два инструмента дают исполнителям большую свободу, независимость в использовании регистров, педалей и прочее. Возможности фортепиано, благодаря наличию двух исполнителей и двух инструментов еще более расширяются.

Игра в четыре руки на одном фортепиано практикуется главным образом в сфере домашнего музицирования, музыкального самообразования и учебных занятий. Близкое соседство пианистов за одной клавиатурой способствует внутреннему единству и их сопереживанию. Именно благодаря ансамблю, учебный и концертный репертуар пополняется яркими, интересными произведениями, созданными композиторами разных эпох.

Каждому педагогу известна любовь детей к игре в четыре руки. Учащиеся проявляют большой интерес к этому виду музыцирования, который является важным компонентом учебного процесса, и приносит им огромное удовольствие.

Играя в ансамбле, учащийся впервые сталкивается с такими понятиями, как синхронность, тождественный штрих, динамическое равновесие. Знакомится с такими понятиями, как ауфтакт и внутредолевая пульсация. Владения этими навыками необходимо ансамблисту для точного совместного начала игры, для вступления между разделами произведения, а также для достижения синхронности исполнения в медленных темпах и на паузах.

Навыки ансамблевой игры ребенок приобретает уже на первых уроках по фортепиано. Здесь можно вспомнить слова Г.Нейгауза, который говорил: «С самого первого занятия ученик вовлекается в активное музицирование. Совместно с учителем он играет простые, но уже имеющие художественное значение пьесы. Дети сразу ощущают радость восприятия хотя и крупицы, но искусства. То, что ученики играют музыку, которая у них на слуху, будет побуждать их как можно лучше выполнять свои первые музыкальные обязанности. А это и есть начало работы надхудожественным образом, которая должна начинаться одновременно с первоначальным обучениемигре на фортепиано» .

Итак,в начале обучения когда ребенок только учится извлекать на инструменте отдельные звуки, или маленькие попевки, в партии педагога звучат различные музыкальные отрывки: позывные к музыкальным передачам по радио, или имитация музыкальной шкатулки, перезвон бубенчиков и т.д. Тем самым у ребенка сразуразвивается звуковое воображение: они легко имитируют звуки башенных часов, призывы кукушки, эффекты эхо и многое другое. Например, Д.Шостакович «Родина слышит», Э.Захаров «Эхо в горах», «Вечерние сумерки», «Часы на башне»,А.Александров «Звездочка», В.Овчинников «Звенят бубенчики» в сборнике И.Рябова «Шаг за шагом».

Также учащийся может исполнять и несколько ритмически оформленных звуков, как бы аккомпанируя, поддерживая мелодию, которая звучит в партии педагога. Например,аккомпанементы к русским народным песням «Калинка» и Во поле березка стояла», Е.крылатов « Крылатые качели» в сборнике Л.А. Баренбойма « Путь к музыке». За счет насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения, исполнение становится красочным и живым.

В течение некоторого времени, когда ребенок учится исполнять простейшие мелодии, педагог придумывает и подыгрывает ему несложные аккомпанементы. Также материалом для ансамбля могут быть накопленные сознанием м слухом детей отрывки из мультфильмов или популярных песен. Ведь мелодия, связанная с текстом, ярче воспринимается и лучше запоминается. Например, «Песенка Львенка и черепахи» Г.Гладкова, «Спят усталые игрушки» по А. Островскому или «Шумелка Вини-Пуха», Р. Борисова, Е. Крылатов «Колыбельная медведицы».

Сначала ученик может просто спеть мелодию под аккомпанемент преподавателя. Здесь важен и воспитательный момент: дети участвуют в творческом процессе вместе с педагогом.

Нужно отметить, что игра в ансамбле на данном этапе можетспособствовать закреплению нотной грамматики и полученных навыков артикуляции – легато, стаккато, нон легато.Например,Д.Уотт «Три поросенка»- закрепляется штрих стаккато, а также знак репризы и знак переноса на октаву вверх. Благодаря стихотворному тексту, хорошо слышны музыкальные предложения, ударные звуки. Вансамблях «Деде Мороз»и «Кошечка» В. Витлина – закрепляем штрих легато.

Если на начальном этапе обучения, ребенок, играя в ансамбле,вслушивается в звучание новогодля него гармонического фона в партии педагога, в выразительно-изобразительные краски сопровождения, то в последующем этапе обучения, в средних классах, внимание ученика направляется на слушание элементов полифонии, острой и колористической ритмики, на ладо- гармонические звучания, характеризующие различные жанровые зарисовки. Например, М.Глинка « Камаринская», Н. Смирнова « Болеро», М.Мусоргский « Гопак» из оперы «Сорочинская ярморка», К.Вебер « Марш».

По мере усложнения художественных задач, расширяются и технические задачи совместной игры. Учащиеся, играя в ансамбле, должны осваивать более сложный ритм, учится выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной партии в другую, правильно педализировать и т.д.

Итак, ансамблевая техника выдвигает перед исполнителями особые требования. Главная трудность- это умение слушать не только то, что играешь сам, а одновременно общее звучание обеих партий, сливающихся в органически единое целое. При исполнении ансамблевого сочинения, так же как и сольной пьесы, необходимо вдумчивое, детальное изучение авторского текста.

Какие же задачи, умения и навыки включает в себя ансамблевая игра на уроках фортепиано? Какие способы и методы существуют при работе над слаженностью в фортепианном дуэте?

Определение «хороший ансамбль» означает слаженность исполнения и единство творческих устремлений участников в ансамбле.

В первую очередь нужно сказать о посадке за инструментом. В отличие от сольного исполнительства, пианист имеет в своем распоряжении только половину клавиатуры. Партнеры должны уметь «поделить» клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу, особенно при сближающемся или перекрещивающемся голосоведении.

Вопрос педализации не менее важен в ансамблевой игре. Часто учащиесяне знают этого. Надо объяснить, что педализирует исполнитель второй партии, т.к. она обычно служит фундаментом мелодии. При этом нужно очень внимательно слушать, что происходит в мелодии. Педальный эффект должен быть очень четко разработан, так как из-за неумелого применения педали фактура басовой партии, часто достаточно плотная, может приобрести ещё большую тяжеловатость. Если учащийся исполняет вторую партию, ему полезно предложить ничего не играть, а только педализировать во время исполнения педагогом или другим учащимся первой партии. При этом сразу выясняется, что это не просто и требует особого внимания и навыка.

Также важным качествомансамблевой игры является синхронность исполнения, т.е. единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса. Казалось, самая простая вещь – начать играть вместе. Но точно одновременно взять два звука – не так легко, это требует большой тренировки и взаимопонимания. Преподаватель должен объяснить учащемуся, что для одновременное вступление ансамблистов может быть применен незаметный жест одного из ансамблистов, так называемый дирижерский замах илиауфтакт. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание. Это сделает начало исполнения естественным иорганичным. Не вместе снятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе взятый.

Сразу нужно сказать о паузах, которые имеют огромное выразительное значение. И недооценка его – распространенный недостаток у учащихся. Паузы - это дыхание в музыке, которое бывает коротким и более длинным, но обязательно длится определенное время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления- это проиграть звучащую у партнерамузыку. Тогда пауза перестанет быть томительным ожиданием и заполняется живым музыкальным чувством. С первых тактов исполнения в ансамбле, требует от участников полной договоренности о приемах извлечения звука.

Также нужно отметить такой ансамблевый навык, как передача партнерами друг другу «из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента и т.д. Ансамблист должен научиться «подхватывать» незаконченную фразу, передавать ее партнеру, не разрывая музыкальной ткани. Для этого учащийся должен уметь распределять свое внимание: концентрировать его, разделять или переключать его в нужный момент.

В работе над ансамблем важное место занимают вопросы, связанные с ритмом. Формирование чувства ритма – важнейшая задача педагога. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ансамбль требует от учащихсяуверенного безупречного ритма, который обладает особым качеством: он должен быть коллективным, но при этом естественным и органичным. Наиболее распространенными недостатками учащихся являются отсутствие четкости ритма и его устойчивости. Искажение ритмического рисунка чаще всего встречается в пунктирном ритме, при смене длительностей, при изменении темпа. Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорениям. Обычно это происходит при нарастании силы звучности или в стремительных пассажах.

Играя с педагогом, ученик находится в определенных метроритмических рамках. Ансамблевая игра не только дает педагогу возможность диктовать правильный темп, но и формировать у ученика верное темпоощущение. Необходимо добиваться точности и четкости ритмического рисунка.

Следует сказать одинамике исполнения. Динамический диапазон четырехручного исполнения должен быть ни как не уже, а шире, чем при сольной игре, т.к. наличие двух пианистов позволяет полнее использовать клавиатуру, создать более полное насыщенное звучание инструмента.

Репертуар для фортепианных ансамблей можно подразделить на специально созданные оригинальные сочинения и переложения симфонической музыки. В учебном процессе могут быть использованы оба вида. Оркестровые произведения – отличный материал для чтения с листа, занятий для развития навыков быстрой ориентации в нотном тексте. Оригинальные дуэтные пьесы требуют тщательной и завершенной шлифовки исполнения.

Современные пособия для начинающих учащихся- пианистов включают разнообразный материал для игры в четыре руки. В педагогической практике широко используются такие сборники: В. Игнатьев, Л. Игнатьева « Я музыкантом стать хочу», М. Соколов « Маленький пианист», Л.Баренбойм, Н.Перунова « Путь к музыке» и т.д

В средних классах, когда учащиеся уже овладел основными навыками игры на инструменте, можно добавить в репертуар джазовые пьесы. Они очень нравятся детям, развивают учащихся в ритмическом отношении, обогащают их слуховые впечатления новым музыкальным языком и джазовыми гармониями. Например, М. Шмитц« Оранжевые буги», С.Джоплин « Артист эстрады», Н. Смирнова «Под дождем» и «Регтайм».

Джазовая манера игры отличается особой активностью звукоизвлечения и требует от исполнителя особого специфического туше.

Таким образом, роль ансамблевой игры при обученииигре на фортепиано очень велика. Она учит всему: ритму, быстрому освоению нотной грамоты, пониманию строения музыкальной формы, сознательному отношению к делу, ответственности. Это искусство вести диалог с партнером, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подать и вовремя уступить. Если это искусство в процессе обучения постигается ребенком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Литература

1. Алексеев А.Д. Методика обучения игре на фортепиано /А.Д. Алексеев -М.:Музыка,

1978. – 289с.

2. Нейгауз Г.Г. Об искусстве фортепианной игры / Г.Г. Нейгауз – М.: Музыка, 1982. – 299с

3. Сорокина Е.Г. Фортепианный дуэт: История жанра / Е.Г. Сорокина. – М.: Музыка,

1988. - 319с

4. Готлиб А.Д. Первые уроки фортепианного ансамбля / А.Д. Готлиб// Вопросы фортепианной педагогики [под общей редакцией В. Натансона.] – Вып.3. – М.: Музыка,1971. –С. 91-98.

Для музыканта нет большего счастья, чем совместное музицирование, и степень профессионализма любого музыканта прямо пропорциональна его мастерству игры в ансамбле. Да, он может быть прекрасным солистом, слушать которого – одно удовольствие, но окончательно оценить его, как музыканта, можно лишь, послушав, как он играет в коллективе.

Ансамбль – слово, знакомое всем и каждому. Его часто употребляют по отношению к вещам, не имеющим ничего общего с музыкой. Например, архитектурный ансамбль. В переводе с французского языка, «ансамбль» означает: слаженность и согласованность. Именно это, и есть его самая важная составляющая. Делать что-то вместе и делать это синхронно. В синхронности и кроется главная тайна и неизменный успех ансамбля.

Ансамбли бывают разные, и в зависимости от количества музыкантов имеют свои названия. Такие слова, как дуэт, трио, квартет известны даже далеким от музыки людям.

Какие же условия необходимо соблюдать при игре в ансамбле? Как добиться слаженности и тем самым развить навыки, без которых музыкант не может называться музыкантом? Существует несколько тонкостей и нюансов, которые нужно отслеживать, пока они не войдут в привычку.

• Стройная игра, прежде всего! Фальшивое исполнение сведет на нет все хорошие начинания, и приведет к неудовольствию слушателей. Над строем надо работать и работать усердно.
• Все участники ансамбля должны неуклонно придерживаться одного или манеры игры. Недопустимо разное понимание музыкального произведения с точки зрения музыкальной направленности. Например, вальс должен звучать именно вальсом, и если, вдруг, кто-то потеряет характер вальса и будет играть что-то близкое к маршу, ансамбль попросту «развалится».
• Одинаковое понимание темпа и ритма. Все музыканты – люди, а не метрономы, и кому-то свойственно замедлять темп, а некоторым – ускорять. За этим нужно тщательно следить, так же, как и за ритмом, ведь искаженное понимание ритма так же приведет к отсутствию слаженности и синхронности.
• Игра в ансамбле подразумевает одинаковые штрихи исполнения. На первый взгляд, кажется, что это не так существенно, на самом же деле, разные штрихи – это дисгармония музыки, которую удастся избежать, если внимательно отнестись к разбору музыкального произведения.
• Не оставляем «хвостов»! Заканчивать, как и начинать музыкальную фразу нужно одновременно, если, конечно, не подразумевается изначально что-то иное. Очень некрасиво и неряшливо слушаются окончания, завершенные не вместе всеми участниками ансамбля.
• Динамическая согласованность. Сольное исполнение должно быть забыто во время игры в ансамбле. Если музыкант ведет главную тему, он должен играть ярче, но во время контрапункта или сопровождения, звук надо уменьшать.

Кажется, что все вышеперечисленные приемы не такие уж и сложные. На самом деле, игра в ансамбле требует годы сосредоточенной работы и труда, но труда, приносящего удовольствие. Тут нужно ловить взгляды и движения друг друга с жадностью, боясь упустить что – либо. Именно здесь важна чуткость и внимательность, качества, которые очень даже пригодятся в жизни. Поэтому, можно не сомневаться, ансамбль – полезное и приятное дело не только для слушателей, но и для исполнителей!

А теперь давайте слушать музыку! Музыка будет ансамблевая.

Л. ван Бетховен Соната для скрипки и фортепиано №5 “Весенняя”

Цель и задача создания данного сборника – увлечь детей популярным, доступным музыкальным материалом, привить интерес к ансамблевой игре.

В сборник вошли 10 песен из м/ф, знакомые детям с раннего детства, в переложении для исполнения в четыре руки на одном или двух фортепиано.

Переложения дополнены стихами и рисунками, что помогает ребенку создать конкретный образ, а одновременное исполнение мелодии со словами, помогает освоить дыхание, фразировку и выразительность мелодии.

Материал рассчитан для работы в классах специального и общего фортепиано.

Каждому педагогу известна любовь детей к игре в четыре руки. Дети обычно любят играть несложные пьески со своим педагогом. На личном опыте я убедилась, что дети с большим удовольствием исполняют знакомые мелодии. Но при подборе репертуара преподаватель часто сталкивается с трудным и сложным переложением популярной музыки. Учитывая большой интерес к этому виду музицирования и несомненную его пользу, я создала сборник ансамблей, составленный из переложений хорошо знакомых детям песен из мультфильмов. В него вошли десять пьес, удобно размещенных – каждая партия занимает одну страницу, с приложением текста песенки и рисунка (см. Приложение 1 ).

Большинство четырехручных пьес намеренно дано в максимально легком изложении партии, исполняемой учеником, с тем, чтобы учащийся мог направить свое внимание главным образом на задачи ансамблевого исполнения. Эти пьесы, т.е. партии ученика, также целесообразно использовать для чтения с листа с детьми средних и старших классов. Некоторые из ансамблей рассчитаны на совместную игру самих учеников. Например, “Песенка Мамонтенка”, “Антошка”, “Песенка крокодила Гены” (см. Приложение 1 , Приложение 2 ).

Необходимо развивать в учениках способность понимать выразительность музыки с постепенным все более тонким и слуховым восприятием музыкальной ткани (умение вслушиваться в звучание и добиваться правильной фразировки мелодии, каждого голоса в отдельности и в их сочетании, нужной звучности при исполнении мелодии с аккомпанементом и т.п.).

Работая с учеником над произведением, педагог должен приучать учащегося вслушиваться в музыкальную ткань сочинения, добиваясь не только точного исполнения нотного текста и правильной фразировки, но и осмысленной передачи содержания и характера музыки. Выполнение этих задач во многом зависит от умения преподавателя ярко, образно и понятно рассказать ученику о содержании произведения, обратив его внимание на выразительные средства, которыми раскрывается музыкальный образ пьесы.

В результате первых лет обучения (1–3-е классы) ученик должен научиться выразительно, достаточно полным и певучим звуком играть мелодию с несложным аккомпанементом, уметь передать музыкальный образ и характер исполняемых пьес, пользуясь динамическими красками (преимущественно приемом контраста forte и piano) и различными приемами звукоизвлечения: legato, non legato, staccato.

В сборнике переложений “Ансамбли для детей” простота партий ученика, обеспечивает удобство и естественность прикосновения ребенка к инструменту. Распределение мелодии между двумя руками, из которых каждая берет минимальное количество звуков, снимает напряжение, помогает использовать вес руки, добиваться глубины звучания. Здесь ученик осваивает такой прием игры, как переход “ легато” из руки в руку.

Главное внимание отводится выразительному исполнению песенных мелодий. Необходимо научить ребенка в инструментальном звучании мелодии слышать и чувствовать ее вокальные свойства – линию развития, яркие интонации, мелодическое

дыхание. Мелодическая линия должна передаваться не разрозненными звуками, а в виде оформленных музыкальных мотивов – фраз, в которых имеются свои яркие интонации.

Никакие указания не смогут точнее и тоньше передать все нюансы артикуляции, чем живая речь и конкретный образ. Роль текста в период обучения трудно переоценить. Им определяется естественность дыхания, ясность фразировки, выразительность мелодии.

Самой доступной и понятной для ребенка формой приобщения к музыке является пение со словами. Каждая пьеса в сборнике дана с текстом стихов и ученик может сначала спеть просто мелодию под аккомпанемент педагога, а потом уже сам петь и играть. Детям это очень нравится. Так может зародиться склонность к многократным повторениям, а следствием является улучшение качества исполнения.

Осмысленность речевой интонации переносится в интонацию музыкальную, помогая найти нужную окраску звука и отсюда – сам способ звукоизвлечения. Мелодия, связанная с текстом, ярче воспринимается и лучше запоминается, а потому легче переходит в область внутреннего слуха, активизируя его и становясь тем стержнем, на котором строится логика формообразования.

Сборник служит развитию творческой инициативы маленьких музыкантов. Первая самая простая форма ее проявления – поиски новых вариантов распределения звуков между руками. В дальнейшем можно практиковать и более сложные задания – поиски ребенком собственного варианта первой, а затем и второй партии, сочинение им своих вариантов. Например, смена регистров. Очень часто я сама предлагаю ученику “пофантазировать” с регистрами. Это достаточно весело и забавно. В этот момент дети часто придумывают свои сценки с героями мультфильмов.

Возвращаясь к пьесам, пройденным ранее в четыре руки, можно предложить ребенку объединить обе партии в одну. Этот материал можно использовать и на уроках музицирования.

В настоящее время детское музыкальное образование побуждает педагогику к поиску таких путей обучения, которые сделали бы процесс приобщения к музыке и овладение навыками игры на музыкальном инструменте доступными ребенку с самыми обычными данными. Надо помнить, что процесс обучения должен быть посильным и радостным, так как если постижение азов музыкального искусства сопряжено с непомерной затратой усилий, то интерес к занятиям у ребенка, как правило угасает.

Моя основная задача – сделать интересными и любимыми занятия музыкой. Этому должно способствовать все, что будит воображение ребенка: музыкальный материал и рисунок, текст песенок – подтекстовок, рассказ, сопровождающий игру. Все это помогает конкретизировать музыкальный образ и даже находить нужные движения рук.

Глубоко прав Д. Кабалевский, говоря, что “интерес к музыке, увлеченность музыкой, любовь к ней – обязательные условия для того, чтобы она широко раскрыла и подарила детям свою красоту, для того чтобы она могла выполнять свою воспитательную и познавательную роль”.

“Зажечь, “заразить” ребенка желанием овладеть языком музыки – главнейшая из первоначальных задач педагога. В детстве закладываются не только основы знаний, но и формируется музыкальное мышление и умение работать,– считает А.Артоболевская.– Только сумев достигнуть заинтересованности на первых встречах музыкой, можно постепенно вводить ребенка в более узкий круг профессиональных навыков”.

Анна Даниловна часто повторяет: “ Память детства – самая драгоценная память. То, что узнал в детстве, остается на всю жизнь. Ребенка надо сразу “окунать” в музыку, давая ему возможность с первых же встреч активно действовать, создавая музыкальный образ. Каждое, даже самое маленькое произведение, должно запечатлеться в сознании ученика как целостный образ, который может заинтересовать и пробудить фантазию ребенка. А каждый образ диктует определенные исполнительские приемы. Более того, от яркости возникшего образа у ребенка подчас как бы сама собой рождается способность передать его необходимым для этого движениями рук.

Как я уже упоминала, одна из важнейших для меня задач – зажечь в ребенке интерес к музыке, слить музыку с его жизнью, с его играми. Если ребенок воспринял яркий образ, у него возникает необходимость передать этот образ собственными силами.

Необычайно полезна для детей ансамблевая игра, которая широко рекомендуется. Игра в ансамбле с педагогом – обязательный компонент обучения. Обучение ансамблевой игре активизирует музыкальное развитие, расширяет восприятие музыкальных образов, элементов музыкальной речи, средств исполнительной выразительности. При изучении ансамбля, ребенок вслушивается в звучание нового для него гармонического фона в партии педагога, в выразительно – изобразительные краски сопровождения, его ритмически – организующее начало. Далее внимание ученика направляется на слушание элементов полифонии, острой и колористической ритмики.

Я активно использую данные переложения на уроках общего фортепиано. Это помогает детям быстрее освоить и нотную грамоту, и клавиатуру, и поддерживает интерес к предмету.

При недостаточной эмоциональной отзывчивости на музыку рекомендуется на начальных занятиях чаще пользоваться песенной литературой, конкретнее воздействующей на музыкальные впечатления ребенка и активизирующей его интерес к музыке. Характер подготовки детей к усвоению исполняемых произведений зависит от степени их музыкальной восприимчивости. Полезно предварительно (до исполнения) ознакомить детей с предлагаемым для слушания произведением. Такая подготовка включает разъяснение словесного текста, характера музыки и ее образного содержания, сходства и различия частей формы, выразительных особенностей мелодии, ритма, регистров, динамики, штрихов. Данный сборник призван помочь более простым и доступным способом, на понятном ребенку материале объяснить форму, ритм, динамику, регистры, штрихи.

Развитию и стимулированию важнейшего качества – умению хорошо слушать музыку и активно участвовать в исполнении – служит игра в ансамбле, где эти качества совершенствуются благодаря необходимости слушать партнера, согласовывать звучность и преемственность обеих партий.

Ансамбли обогащают музыкальные представления ученика яркими ладо – гармоническими звучаниями, образной характеристичностью разных жанровых зарисовок.

Роль ансамблевой игры в формировании музыкального вкуса учащихся на примере ансамбля народных инструментов

Бессольцев В. А.,

педагог дополнительного образования

ГБОУ ЦДТ «Царицыно» г. Москвы

по классу баяна, гитары,

руководитель ансамбля народных инструментов.

Большое значение в становлении личности имеет формирование музыкального вкуса через восприятие различных стилей музыки, жанров. Ещё Аристотель заметил, что «Музыка способна оказывать известное воздействие на этическую сторону души, и раз музыка обладает такими свойствами, то очевидно, она должна быть включена с число предметов воспитания молодёжи».

В настоящее время всё чаще искусствоведы отмечают огромное влияние музыкального искусства на формирование музыкальной культуры и духовно-нравственной культуры человека. И это не случайно, отношение к музыке различных жанров является показателем духовной сферы и нравственно-эстетической установки обучающихся. Несомненно, для развития музыкального вкуса учащихся необходимо участие их в музыкальной жизни образовательного учреждения, в том числе, игра в ансамбле народных инструментов.

Вот уже более ста лет в России развиваются оркестровое и ансамблиевое музицирование на русских народных инструментах. С появлением Великорусского оркестра под руководством В. В. Андреева началась эпоха становления жанра народно-инструментальной музыки. Народные инструменты выходят на новый уровень – академического исполнительства.

В последнее десятилетия особенно активно развивается исполнительство на русских народных инструментах. Выдающийся вклад в развитие оркестров и ансамблей русских народных инструментов внёс народный артист России Н. Н. Калинин. Благодаря его неутомимой деятельности в стране появилось более 60 профессиональных оркестров и ансамблей, многие из которых ранее были любительскими.

В Российской Федерации проживает более 100 национальностей со своей уникальной музыкальной культурой, многообразием инструментария. Необходимо ставить вопрос о внедрении национальных инструментов в образовательный процесс, с тем, чтобы каждый народ, проживающий в России, мог профессионально развивать свой национальный инструментарий.

Во многих образовательных учреждениях стали создаваться ансамбли русских народных инструментов в школах искусств, в педагогических образовательных учреждениях разного уровня. Такие коллективы способствуют приобщению учащихся к национальной культуре. Так, в 1992 году, образовался ансамбль русских народных инструментов под моим руководством в гимназии № 1 города Ульяновска. Для меня, как для преподавателя народных инструментов, было крайне важно создать коллектив из учащихся гимназии, которые увлечены игрой на народных инструментах. Ансамбль народных инструментов имеет огромный потенциал, так как способен привлечь к музыке детей разного возраста, которые ещё находятся в поиске творческой реализации. Конечно, основой репертуара являлась и является народная мелодия. В программу ансамбля входили такие известные народные песни как: «Коробейники», «Ах, вы сени, мои сени», «Степь, да степь кругом» и другие. Учащиеся могли исполнять не сложные партии на балалайке, домре, балалайке-контрбасе или на ударных инструментах (коробочке, маракасе, бубне, ложках и др.). Но также в программу ансамбля были включены и популярная классика, эстрадные произведения, джазовые композиции, музыка из кинофильмов. Участники ансамбля делали оригинальные аранжировки исполняемых произведений. Народные музыкальные инструменты помогают образовывать через исполнительские формы связь традиционности и современного восприятия действительности. Коллективный характер деятельности, общие цели и задачи, формируют сознательное отношение к делу и чувство ответственности перед своими товарищами. В процессе исполнительства на народных инструментах создаётся благоприятный психологический климат, способствующий раскрытию детских индивидуальных и коллективных качеств, учитываются природные особенности детей разного возраста, создаётся механизм обратной связи между детьми и педагогом, образовывается развивающая среда для проявления творческой активности детей. Эта деятельность продолжается, но уже в стенах детских центров творчества Москвы.

Следует отметить, что в ансамбль народных инструментов приходят дети с разной музыкальной подготовкой. Для тех детей, которые не получили начального музыкального образования, на первом этапе преподаётся элементарная нотная грамота, идёт освоение простейших упражнений и музыкальных произведений. А затем, постепенно, осуществляется переход к более сложному техническому уровню игры на инструменте. При такой разной подготовке учащихся тщательно подбирается репертуар ансамбля, чтобы каждый участник мог исполнить партию уже с первого года обучения. Например, для баяна берутся простейшие народные мелодии и учащийся исполняет только гармоническое сопровождение темы.

Что касается произведений, то сейчас многие композиторы обращаются к народной музыке, пишут произведения, представлявшие собой стилизацию народных песен. Наряду с освоением народного репертуара, учащимся предлагается ознакомиться с другими стилевыми направлениями - классика, джаз, эстрада («Неудачное свидание», «Тико-тико», «Поезд на Чутанугу»). Таким образом, приобщение учащихся к различным музыкальным стилям способствует формированию разностороннего музыкального вкуса, мелодико-гармонического слуха, чувство ансамбля.

Для развития музыкального вкуса, важно слушать исполнение выдающихся музыкантов и, поэтому всегда планируем посещение концертов, делая акцент на ансамблиевом исполнении. Совместное посещение концертов не только расширяет музыкальный кругозор, но и помогает детям эмоционально сблизиться друг с другом. Культурная жизнь Москвы позволяет сделать выбор и составить свой план посещения концертов, разнообразных конкурсов и фестивалей. Музыка развивает духовный потенциал учащихся, так как именно музыка, являясь одним из специфических видов искусства, отражает действительность посредством музыкальных образов и системы музыкальных выразительных средств, которая ненавязчиво и исподволь оказывает глубинное воздействие на духовный мир индивида, его внутреннюю культуру. Научить учащихся отличать подлинно художественные произведения от примитивных сочинений- основная задача при формировании эстетических и общечеловеческих ценностей.

Также наш ансамбль принимает участие в детских конкурсах и фестивалях данной направленности на разных уровнях. Каждая возможность участия в творческом конкурсе ещё больше приобщает детей к музыке, развивает музыкальный вкус, воспитывает необходимые качества личности для конкурсной борьбы и здоровой конкуренции, воспитывает в детях трудолюбие, сплоченность, помогает обрести уверенность в свои силы и способности.

Мой многолетний опыт позволяет с уверенностью сказать, что обучаясь в коллективе народных инструментов, дети приобщаются ко всему богатству форм и жанров музыки, к духовной культуре общества, музыкальному искусству, которое, несомненно, оказывает глубокое воздействие на развитие хорошего музыкального вкуса и духовно-творческого потенциала ребёнка. Результаты и эффективность музыкального воспитания определяются не столько тем, как люди умеют понимать и воспринимать музыку, сколько готовностью и подготовленностью членов общества к сознательной и самостоятельной творческой деятельности.

Литература:

1. Должанский А.Н. Краткий музыкальный словаръ. СПБ, 2000 г.
2. Готлиб А. Основы ансамблевой техники. М.,1989.
3. Имханитский М.Ц. У истоков русской народной оркестровой культуры. М., 1984 г.