В конце XIX в. в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от латинского modernus - новейший, современный).

Ярче всего модерн проявился в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката. Затронул он также скульптуру и живопись.

Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западноевропейских странах модерн сформировался в 1880-х гг. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии - «югендстиль», в Австрии - «сецессион», в Италии - «либерти», в Испании - «модернисмо», в Польше - «сецесия».

Появление подобного искусства во многом предопределило творчество У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов и английских графиков У. Блейка и У. Крейна.

Живопись модерна характеризуется внешней декоративностью, стилизацией, плоскостной орнаментальностью. Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ. Плавные контурные линии, вытянутые фигуры, соединяющиеся цветовые плоскости (нередко монохромные) делали изображение очень эффектным. Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.

С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф. фон Штук в Германии.
Ярким представителем модерна в книжной графике был О. Бёрдсли.

Обри Бёрдсли

Обри Винсент Бёрдсли родился в 1872 г. в состоятельной английской семье. В 1891 г. он поступил в Вестминстерскую художественную школу Ф. Броуна. В свободное от занятий время молодой художник отправлялся в лондонские музеи и галереи. Большое впечатление на него произвело искусство А. Дюрера, Микеланджело, С. Боттичелли. Особое восхищение Бёрдсли вызывали гравюры А. Мантеньи, с которых он делал копии.

Значительное влияние на формирование художественного стиля Бёрдсли оказало искусство японской гравюры, творчество французских живописцев XVIII в. и произведения прерафаэлита Э. Бёрн-Джонса. Немного позднее его внимание привлекло творчество К. Лоррена, А. Ватто, П. Прюдона, Ж. Калло и Г. Моро.

В конце 1891 г. к Бёрдсли пришла настоящая известность. Самой крупной работой этого периода стала серия иллюстраций к «Сказаниям о короле Артуре» Джона Дента. В том же году художник познакомился с Э. Бёрн-Джонсом, искусством которого всегда восхищался.

С 1893 г. Бёрдсли работает над иллюстрациями для журналов, часть которых издается под его руководством («Желтая книга», 1894-1895, совместно с Х. Харлендом; «Савой», 1896, совместно с А. Саймонсом), а также создает рисунки для книг (иллюстрации к «Смерти Артура» Т. Мэлори, 1893-1894; к «Саломее» О. Уайльда, 1894; к рассказам Э. По; к «Похищению локона» А. Пуопа, 1896; эскиз для обложки и заставка к роману «Сцены парижской жизни» О. Бальзака, 1897; иллюстрации к «Вольпоне» Б. Джонсона, 1897). В этих немного легкомысленных и изящных работах заметно влияние французской гравюры XVIII в.

Вместе с популярностью к Бёрдсли приходит материальное благополучие. Но это не спасает его от тяжелой болезни - туберкулеза, который с детства мучает художника. Отсюда и глубокий трагизм, пронизывающий иллюстрации Бёрдсли к «Падению дома Эшер» Эдгара По.

Эротические рисунки Бёрдсли к «Правдивой истории Лукиана» вызывают негодование со стороны официальных кругов. Эти иллюстрации в 1895 г. и стали причиной ухода художника из «Желтой книги».

В 1896 г. Бёрдсли едет лечиться на курорт в Ипсом. В этом же году он создает очень остроумные и эротичные иллюстрации к «Лисистрате» Аристофана, а также к сатире Ювенала. Через два года умирающий художник будет умолять издателя уничтожить фривольные рисунки, но, к счастью, последний не выполнил просьбы и сохранил для нас замечательные творения английского графика.

О. Бёрдсли. Обложка к журналу «Савой». 1896 г.
О. Бёрдсли. Туалет. Иллюстрация к поэме А. Пуопа «Похищение локона». 1896 г.

В ряде произведений Бёрдсли заметен интерес к религиозным и мистическим сюжетам. Увлечение оккультными науками отразилось в рисунке, названном автором «О Неофите, или Как он был посвящен в черную магию демоном Асомуэлем» (1893). Имя демону, олицетворяющему бессонницу, придумал сам Бёрдсли.

Не менее загадочным кажется рисунок «Поцелуй Иуды» (1893), свидетельствующий об интересе художника к духовному, внутреннему миру человека. Эти же мотивы присутствуют и в других произведениях Бёрдсли.

Обри Бёрдсли, проживший очень короткую жизнь (он умер в 1898 г.), оставил глубокий след в европейском искусстве. Утонченные и хрупкие, но в то же время ироничные и живые рисунки английского графика оказали большое влияние на мастеров последующих поколений.

Густав Климт

Густав Климт, австрийский живописец, график и декоратор, крупный представитель венского модерна, родился в 1862 г. в Вене.

В 1876-1883 гг. Климт учился в венской Школе художественных ремесел у живописца Ф. Лауфбергера. Первые его картины - это исторические композиции, отразившие влияние академического искусства.

Вместе с Х. Макартом Климт занимался монументальными декорациями. Среди подобных работ - живописное панно лестницы Музея истории искусства в Вене (1891). Эта работа, как и аллегорические композиции 1890-х гг. («Любовь», 1895), напоминает живопись художников-символистов Я. Тооропа и Ф. Кнопфа.

Большую роль в развитии венского модерна (югендстиля) сыграл «Сецессион» - объединение художников и архитекторов, отвергавших традиции академического искусства. В 1897 г. Климт стал президентом «Сецессиона». В начале 1900-х гг. художник, исполняя заказ Министерства культуры, создал три монументальных панно для актового зала Венского университета («Философия», 1900; «Медицина», 1901; «Юриспруденция», 1903). К сожалению, в годы Второй мировой войны все три панно были уничтожены. В этих произведениях ярко проявились черты модерна: ассиметричное композиционное построение, причудливые, напоминающие сложный орнамент переплетения обнаженных человеческих тел. Явная эротичность этих работ Климта, а также пессимистический дух, пронизывающий их, стали причиной отказа от панно профессуры университета.

Зрелым художником со сложившейся манерой письма Климт предстает в «Бетховенском фризе» (1902) , вошедшем в монументальный ансамбль здания «Сецессиона». В этом произведении выразилась попытка мастера с помощью живописно-аллегорических образов интерпретировать Девятую симфонию Бетховена. Ритм вытянутых фигур «Бетховенского фриза» напоминает изменяющийся темп музыкального произведения. Одежду людей, изображенных в росписях, а также фон покрывают причудливые орнаментальные линии и сверкающие золотом и серебром краски. В таком же стиле выполнена и мозаика обеденного зала во дворце Стокле в Брюсселе, созданная Климтом в 1911 г.

Картинам, написанным Климтом в 1900-х гг., свойственно сочетание объемной моделировки фигур людей с плоскостной орнаментальностью. Художник покрывает части обнаженного человеческого тела яркой мозаикой и золотыми узорами. Лица и тела как будто проступают сквозь спирали, геометрические фигуры, причудливые цветы и стебли экзотических растений. В такой манере исполнены картины «Юдифь» (1901), «Поцелуй» (1907-1908), «Три возраста» (1908), «Саломея» (1909) .

Г. Климт. Юдифь. 1901 г.
Г. Климт. Три возраста. 1908 г.

В 1910-х гг. живопись Климта несколько меняется: исчезает обилие золота, в образах появляется экспрессия. Таковы символические композиции «Девушка» (1913), «Невеста» (1917-1918).

В стиле модерн исполнены и пейзажи Климта («Поле маков», 1907; «Дворец у воды», 1908; «Аллея в парке», 1912) .
Умер Густав Климт в 1918 г. в Вене.

В стиле модерн работал также немецкий художник М. Клингер.

Макс Клингер

Немецкий живописец, график, скульптор Макс Клингер родился в Лейпциге в 1857 г. Учился в лейпцигской Школе искусств у известного мастера Ф. Брауэра. В 1874-1875 гг. он продолжил обучение в Карлсруэ в Академии художеств у К. Гуссова, а в 1876 г. начал посещать берлинскую Академию. Жил и работал в Лейпциге в Берлине. В 1879 г. посетил Карлсбад, Мюнхен, Брюссель, где занимался в мастерской Э. Х. Ваутерса.

С 1881 г. художник жил в Берлине, а с 1883 г. - в окрестностях немецкой столицы на вилле «Альберс». В 1867 г. Клингер вместе с А. Бёклином посетил Париж, а в 1886-1889 гг. - Италию. В 1892 г. он стал одним из основателей «Общества берлинских художников», а позднее вошел в мюнхенский «Сецессион». С 1897 г. Клингер - профессор графики лейпцигской Академии художеств.

Ранние работы художника отмечены влиянием академической живописи. В эти годы (конец 1870-х) он пишет картины на античные и исторические сюжеты («Падение у стены», 1878; «Смерть Цезаря», 1879).

В 1880-е гг. Клингер начал создавать произведения с символическим содержанием. С этого времени в его живописи преобладают аллегорические или фантастические образы («Морской бог в волне прибоя», 1884-1885). Его картины напоминают полотна Г. фон Маре, А. Бёклина, А. Фейербаха. О близости с искусством Фейербаха говорит, например, такая картина Клингера, как «Миссия», вытолненная в 1880 г. Художник натуралистично и несколько театрально изобразил на своем полотне сидящую у моря обнаженную женщину, рядом с которой стоят ворон и цапля.

В форме удлиненного панно (что очень характерно для живописи символистов) выполнены пейзажи Клингера «Вечер» (1882), «Горное ущелье» (1884), «Летний пейзаж» (1884-1885).

Живописца всегда интересовала тема скоротечности земной жизни и неотвратимости смерти. Подобные мотивы нередко увлекали не только современных ему художников, но и мастеров прошлых эпох. В духе искусства Возрождения написаны картины «Надгробный плач» (1890), «Распятие» (1890). Легенда о золотом веке - времени, когда все люди были счастливы и жили в гармонии с природой, - нашла свое отражение в таких работах Клингера, как «Голубой час» (1890), «Источник» (1891-1892), триптих «Воспоминание о Париже» (1908). Эти полотна показывают зрителю фигуры прекрасных юношей и девушек, олицетворяющих давно ушедшие времена. Нижнюю часть триптиха «Воспоминание о Париже» художник украсил скульптурным орнаментом, выразив таким образом свойственную эстетике символизма идею объединения раз-личный видов искусств.

Большой интерес представляет еще один триптих Клингера - «Христос на Олимпе» (1897). Художник помешает героев христианской истории в античную эпоху, ставя во главу угла Божественное начало. Это произведение свидетельствует об изменении живописных приемов автора: теперь главную роль в создании картины играет контур и цветовые пятна, с помощью которых Клингер моделирует объемы.

Искания в области новых художественных средств отразились и в скульптурных работах Клингера, в которых мастер сочетает разные породы мрамора с золотом, слоновой костью; покрывает скульптуры краской («Саломея», 1893; «Бетховен», 1902).

Значительное место в творчестве Клингера занимают графические работы: афиши для выставок «Сецессиона» и прекрасные гравюры (серия «Перчатка», 1881).

Умер художник в 1920 г. Его творчество сыграло большую роль в развитии искусства модерна.

Как уже говорилось выше, модерн быт тесно связан с символизмом. Многие художники, работавшие в стиле модерн, на разных этапах своего творчества увлекались идеями символизма.

Модерн, стиль модерн, «новый стиль» - так чаще всего именовали в России современники весьма заметное направление в пространственных искусствах 1890-1900-х годов, обнаруживавшее видимое сходство с общеевропейскими исканиями этой эпохи в различных странах называвшееся по-разному: Art Nouveau, Jugenstil, Modern style и т.д., противопоставлявшее свою принципиальную новизну приевшейся за полстолетия эклектической утилизации наследия всех веков и народов. Не менее принципиальна для модерна была и его претензия быть именно стилем, его стремление воплотить дух современной эпохи полно и цельно, во всеобъемлющих и только ей принадлежащих художественных формах, как это было свойственно великим стилям прошлого. Но те стили возникали в развитии культуры органически и осознавались как целостные художественные системы лишь впоследствии, уже ретроспективно. Модерн же именно начинался с желания быть стилем, выдвигал и отстаивал принципиальные стилевые программы.

Можно без особого труда составить перечень тех русских мастеров, творчество которых прежде всего определяло разные стороны и грани русского модерна. В изобразительном искусстве это В.М. Васнецова, М.А. Врубель, М.В. Нестеров, А.Я. Головин, В.Э. Борисов-Мусатов, А.С. Голубкина, Е.Д. Поленова, С.В. Малютин, И.Я. Билибин, М.В. Якунчикова, ведущие деятели «Мира искусства»: К.А. Сомов, Л.С. Бакст, М.В. Добужинский, А.Н. Бенуа.

Называя мастеров модерна в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, понадобится повторить имена В.М. Васнецова, М.А. Врубеля, С.В. Малютина, дабавив к ним Ф.О. Шехтеля, Л.Н. Кекушева, Ф.И. Лидваля, Н.В. Васильева, Н.Я. Давыдову, Н.П. Ламанову Однако было бы гораздо проще перечислить всех художников, так или иначе связанных с модерном, отдавших ему дань в тот или иной период своего творчества. В таком случае список бы значительно увеличился. Явные признаки «нового стиля» можно обнаружить, например, в некоторых произведениях В.А.

Серова и К.А Коровина, В.В. Кандинского, Н.К. Рериха, И.И. Левитана и К.С. Петрова - Водкина. К тому же надо отметить, что противоречивая эстетическая природа модерна была такова, что творчество лишь второстепенных живописцев, скульпторов, графиков могла целиком соответствовать идейным и стилевым нормам этого движения. Любой действительно крупный мастер, формируя «новый стиль», способствуя его развитию в то же время выходил за его пределы, устанавливая более многообразные и глубокие связи между своим искусством и реальной действительностью.

Представители русского модернизма

Творчество Михаила Александровича Врубеля - одно из самых значительных и загадочных явлений русского искусства конца XIX века. Великое мастерство, трагизм, героический дух и неповторимый декоративный дар делают Врубеля художником на все времена. Вечно живущий в своем собственном мире, недоступном пониманию других, Врубель смог воссоздать свой сложный мир в образах своего необычного искусства, и эти образы стали одними из важнейших вех русской культуры рубежа столетий.

Творчество Врубеля может быть уподоблено взволнованной исповеди. И дело не только в том, что он говорит о себе во множестве автопортретов и изображений, носящих автопортретный характер. Едва ли не любая его композиция и даже портрет - выражение «громадного личного мира художника», по словам Александра Блока. Тем не менее, эти работы полнее раскрывают сущность «рубежа веков» - эпохи, овеянной сознанием кризиса, пронизанной предчувствиями конца света, - чем произведения любого бытописателя. «Кто такой писатель? Тот, чья жизнь - символ. Я свято верю в то, что мне достаточно рассказать о себе, чтобы заговорила эпоха, заговорило человечество», - полагал другой выразитель духа времени, Томас Манн.

Его высказывание смело можно отнести и к Врубелю. В представлении эпохи символизма Врубель становится олицетворением поэта-пророка, тайновидца, а жизнь его - воплощенным символом, ознаменованием, живым подобием легенды о Фаусте. В XX веке она приобретает особенную актуальность, содержанием ее стал вопрос о возможностях и последствиях сделки художника со злом («Доктор Фаустус» Томаса Манна). Факт создания легенды о Врубеле означает прежде всего насущную потребность эпохи в освобождении от позитивизма с его плоской правдой, прозой, приземленной пользой, рационализмом. На почве мятежа против позитивизма выросло и неоромантическое по сути искусство Врубеля Михаила Александровича. Символистская эпоха акцентировала в жизни Врубеля «печать безумия и рока» (Блок) - одержимость образом Демона. Он неотступно преследует мастера, манит неуловимостью облика, заставляет возвращаться к себе вновь и вновь, избирать все новые материалы и техники для своего воплощения. Как водится, в награду художник получает неограниченные творческие возможности. Но расплата неизбежна - его постигает страшная болезнь, смерть ребенка, безумие, гибель. Правдоподобию легенды в немалой степени способствовал бред вины и раскаяния, мучившие больного Врубеля в последние годы. «Верится, что Князь Мира позировал ему. - Есть что-то глубоко правдивое в этих ужасных и прекрасных, до слез волнующих картинах. Его Демон остался верен своей натуре. Он, полюбивший Врубеля, все же и обманул его. Эти сеансы были сплошным издевательством и дразнением. Врубель видел то одну, то другую черту своего божества, то сразу и ту, и другую, и в погоне за этим неуловимым он быстро стал продвигаться к пропасти, к которой его толкало увлечение проклятым. Его безумие явилось логичным финалом его демонизма», - свои нити в пеструю ткань легенды вплетает Александр Бенуа, наблюдавший затем, как лихорадочно Врубель переписывал Демона поверженного, уже висевшего в выставочном зале, открытом для зрителей.

Модернизм - это направление в искусстве, характеризующееся уходом от предшествующего исторического опыта художественного творчества вплоть до полного его отрицания. Появился модернизм в конце 19-го века, а его расцвет пришелся на начало века 20-го. Развитие модернизма сопровождалось значительными переменами в литературе, изобразительном искусстве и архитектуре. Культура и искусство не всегда поддаются спонтанным изменениям, но необходимость модернизма как средства перемен в начале 20-го века уже ощущалась. В основном процесс обновления проходил спокойно, но иногда модернизм принимал воинствующие формы, как это было в случае с молодым художником Сальвадором Дали, который старался возвести сюрреализм в ранг искусства, не откладывая. Однако культура и искусство обладают свойством своевременности, поэтому никто не может ускорить или замедлить процесс.

Эволюция модернизма

Парадигма модернизма стала доминирующей в первой половине 20-го века, но затем стремление к радикальным изменениям в искусстве стало снижаться, и французский "ар нуво", немецкий "югендстиль" и "русский модерн", предшествующие модернизму как явлению революционному, приняли более спокойную форму.

Модернизм в искусстве или искусство модернизма?

Разобраться в первоочередности этих формулировок предстояло писателям, художникам и архитекторам всего цивилизованного мира. Некоторые представители бомонда в области искусства полагали, что модернизм - это давно ожидаемые перемены, и его следует поставить во главу угла дальнейшего развития всей цивилизации, другие отводили модернизму роль обновления отдельных направлений в сфере искусства и не более того. Споры продолжались, доказать свою правоту никому не удавалось. Тем не менее, модернизм в искусстве наступил, и это стало стимулом дальнейшего развития его по всем направлениям. Изменения были заметны не сразу, сказывалась инертность общества, как это обычно бывает, начались обсуждения новых веяний, кто-то был за перемены, кто-то их не принимал. Тогда на авансцену выступило искусство модернизма, режиссеры, известные писатели, музыканты, все, кто мыслил прогрессивно, стали пропагандировать все новое, и постепенно модернизм был признан.

Модернизм в изобразительном искусстве

Основные направления модернизма в натурной живописи, портретном рисунке, скульптуре и других сформировались во второй половине девятнадцатого века. Начало было положено в 1863 году, когда в Париже был открыт так называемый "Салон отверженных", где собирались художники-авнгардисты и представляли свои работы. Название салона говорило само за себя, общественность не принимала абстрактную живопись, отвергала ее. Тем не менее, сам факт появления "Салона отверженных" говорил о том, что искусство модернизма уже ждет признания.

Направления модернизма

Вскоре модернистские тенденции приняли конкретные формы, появились следующие направления в искусстве:

• - особая манера живописи, когда художник тратит на свое творчество минимальное количество времени, разбрасывает по холсту краски, хаотично прикасается кистями к картине, беспорядочно наносит мазки.
• Дадаизм - художественные произведения в стиле коллажа, компоновка на холсте нескольких фрагментов одной тематики. Изображения обычно проникнуты идеей отрицания, циничного подхода к теме. Стиль возник сразу после окончания Первой мировой войны и стал отображением чувства безысходности, царящего в обществе.
• Кубизм - хаотично расположенные геометрические фигуры. Стиль сам по себе высокохудожественный, подлинные шедевры в стиле кубизма создавал Пабло Пикассо. Несколько иначе подходил к творчеству художник - его полотна также входят в сокровищницу мирового искусства.
• Постимпрессионизм - отказ от зримой действительности и замена реальных изображений декоративной стилизацией. Стиль с огромным потенциалом, но в полной мере его реализовали только Винсент ван Гог и Поль Гоген.

Сюрреализм, один из главных оплотов модернизма

Сюрреализм - сон и реальность, подлинное изобразительное искусство, отражающее самые неординарные мысли художника. Наиболее заметными художниками-сюрреалистами были Сальвадор Дали, Эрнст Фукс и Арно Брекер, которые вместе составляли "Золотой треугольник сюрреализма".

Стиль живописи с экстремальным оттенком

Фовизм - особый стиль, вызывающий ощущение страсти и энергии, отличающийся экзальтацией цвета и "дикой" выразительностью красок. Сюжет картины также в большинстве случаев на грани экстрима. Лидерами этого направления были Анри Матисс и Андре Дерен.

Органика в искусстве

Футуризм - органичное сочетание художественных принципов кубизма и фомизма, буйство красок вперемешку с пересечениями прямых линий, треугольников и углов. Динамика изображения носит всепоглощающий характер, на картине все в движении, энергия прослеживается в каждом штрихе.

Стиль грузинского художника Нико Пиросмани

Примитивизм - художественное изображение в стиле осознанного и обдуманного упрощения, в результате чего получается примитивный рисунок сродни творчеству ребенка или настенным изображениям в пещерах первобытных племен. Примитивный стиль картины отнюдь не снижает ее художественный уровень, если она нарисована истинным художником. Ярким представителем примитивизма был Нико Пиросмани.

Литературный модернизм

Модернизм в литературе пришел на смену устоявшимся классическим канонам повествования. Сформировавшаяся в начале 20-го века стилистика написания романов, повестей и рассказов постепенно стала проявлять признаки стагнации, появилось некоторое однообразие форм изложения. Тогда писатели стали обращаться к иным, ранее не используемым интерпретациям художественного замысла. Читателю были предложены психологические и философские концепции. Так появился стиль, получивший определение "Поток сознания", основанный на глубоком проникновении в психологию персонажей. Наиболее ярким примером модернизма в литературе является роман американского писателя Уильяма Фолкнера под названием "Шум и ярость".

Каждый из героев романа проанализирован с точки зрения его жизненных устоев, моральных качеств и устремлений. Методика Фолкнера оправдана, поскольку именно из-за добросовестного и глубокого анализа характера персонажа получается интереснейшее повествование. Благодаря своей исследовательской манере письма Уильям Фолкнер входит в "золотую пятерку" писателей США, так же как и два других писателя - и Скотт Фитцджеральд, которые в своем творчестве стараются следовать правилу глубокого анализа.

Представители модернизма в литературе:

• Уолт Уитмен, наиболее известен по сборнику поэзии "Листья травы".
• Шарль Бодлер - сборник поэзии "Цветы зла".
• Артур Рэмбо - поэтические произведения "Озарения", "Одно лето в аду".
• Федор Достоевский с произведениями "Братья Карамазовы" и "Преступление и наказание", это русский модернизм в литературе.

Роль направляющих векторных сил, оказывающих влияние на писателей - основоположников модернизма, выполняли философы: Анри Бергсон, Уильям Джеймс, Фридрих Ницше и другие. Не остался в стороне и Зигмунд Фрейд.

Благодаря модернизму в первые тридцать лет 20-го века были кардинально изменены литературные формы.

Эпоха модернизма, писатели и поэты

Среди наиболее известных литераторов периода модернизма выделяются следующие писатели и поэты:

• Анна Ахматова (1889-1966) - русская поэтесса с трагической судьбой, потерявшая семью в годы Является автором нескольких поэтических сборников, а также известной поэмы "Реквием".
• Франц Кафка (1883-1924) - крайне неоднозначный австрийский писатель, произведения которого считались абсурдными. При жизни писателя его романы не публиковались. После смерти Кафки все его произведения были опубликованы, несмотря на то что сам он категорически возражал против этого и еще при жизни заклинал своих душеприказчиков сжечь романы сразу после его кончины. Самолично уничтожить рукописи писатель не мог, поскольку они разошлись по рукам, и возвращать их автору никто из его почитателей не собирался.
• (1898-1962) - лауреат Нобелевской премии по литературе 1949 года, который прославился тем, что создал целый вымышленный округ в американской глубинке, под названием Йокнапатофа, населил его персонажами и принялся описывать их жизнь. Произведения Фолкнера носят невероятно сложный структурный характер, но если читателю удается ухватить нить повествования, то оторвать его от романа, рассказа или повести знаменитого американского писателя уже невозможно.
• Эрнест Хэмингуэй (1899-1961) - один из самых верных последователей модернизма в литературе. Его романы и повести поражают своей жизнеутверждающей силой. Всю свою жизнь писатель был раздражителем для американских властей, ему докучали нелепыми подозрениями, методы, которые применяли сотрудники ЦРУ, чтобы привлечь Хэмингуэя на свою сторону, были абсурдными. Закончилось все нервным срывом литератора и временным помещением в психиатрическую клинику. У писателя была только одна любовь в жизни - его охотничье ружье. 2 июля 1961 года Хэмингуэй покончил с собой, выстрелив в себя из этого ружья.
• Томас Манн (1875-1955) - немецкий писатель, эссеист, один из самых активных политических авторов Германии. Все его произведения пронизаны политикой, но своей художественной ценности они от этого не теряют. Творчеству Манна не чужда также эротика, пример тому - роман "Признание авантюриста Феликса Круля". Главный герой произведения напоминает персонажа Оскара Уайльда, Дориана Грея. Признаки модернизма в произведениях Томаса Манна очевидны.
• (1871-1922) - автор семитомного произведения "В поисках утраченного времени", которое по праву считается одним из самых значительных образцов литературы 20-го века. Пруст является убежденным последователем модернизма как самого перспективного пути литературного развития.
• Вирджиния Вулф (1882-1942) - английская писательница, считается самой достоверной последовательницей "Потока сознания". Модернизм был для писательницы смыслом всей ее жизни, кроме многочисленных романов в активе Вирджинии Вулф несколько экранизаций ее произведений.

Литературный модернизм оказал значительное влияние на творчество писателей и поэтов в плане совершенствования и развития.

Архитектурный модернизм

Словосочетание "модернизм в архитектуре" отсылает нас к термину "современная архитектура", поскольку тут прослеживается логическая связь. Но понятие модернизма не всегда означает "современный", здесь больше подходит слово "модерн". Модерн и модернизм - два разных понятия.

Архитектура модернизма подразумевает начало творчества первооткрывателей современной архитектуры и деятельность их на определенном промежутке времени, с 20-х и до 70-х годов прошлого века. Современная архитектура датируется более поздними цифрами. Обозначенные пятьдесят лет и есть период модернизма в архитектуре, время возникновения новых тенденций.

Направления в архитектурном модернизме

Архитектурный модернизм - это отдельные направления зодчества, такие как европейское функциональное строительство 1920-30-х годов или непреложность рационализма российской архитектуры двадцатых годов, когда дома возводились тысячами по одному проекту. Это немецкий "баухаус", "ар-деко" во Франции, стиль интернациональный, брутализм. Все перечисленное является ветвями одного дерева - архитектурного модернизма.

Преставителями модернизма в архитектуре являются: Ле Корбюзье, Рихард Нойтра, Вальтер Гропиус, Фрэнк Ллойд Райт и другие.

Модернизм в музыке

Модернизм - это замена стилей в принципе, а в сфере музыки изменения прежде всего зависят от общих направлений этнографической культуры общества. Прогрессивные течения культурных сегментов неизбежно сопровождаются трансформациями в мире музыки. Современность диктует свои условия музыкальным институтам, имеющим хождение в обществе. Вместе с тем культура модернизма не предполагает изменения классических музыкальных форм.

ДВОЙНЫЕ КАРТИНЫ (ЧАСТЬ 4 - РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ МОДЕРНА)

РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ МОДЕРНА.

Немного искусствоведения:

Эпоха русского модерна, недолговечная по времени, оставила нам великолепные образцы национального зодчества, монументально-декоративного и прикладного искусства, живописи, скульптуры, графики, сценографии, печатных изданий, костюма, посуды, изумительных по красоте ювелирных изделий.

Новый стиль-модерн стал складываться в 90-х гг. XIX в. в Европе.
Его идеолог А. Ван де Вельде писал в 1894 г.: “...художники, слывшие до сих пор “декадентами”, превратились в борцов, которые кинулись в поток новой, многообещающей религии”.

Стиль модерн рождался в атмосфере глубокой неудовлетворенности существующим искусством. Романтизм, некогда обещавший так много, остался лишь прекрасной эстетической утопией.
По сложившейся традиции модерн часто рассматривают или слишком формально как систему орнаментации, или слишком “философично” как проекцию на искусство идей А. Бергсона, 3. Фрейда, Ф. Ницше, Т. Липпса.
И то и другое неверно. Модерн не сводится к декоративизму, его своеобразие заключалось в том, что он сам был “художественной философией”, выраженной несколько запутанным языком символизма.

Модерн предложил грандиозную “перестройку”- искусства. Однако многое оказалось нереализованным, и самое существенное то, что стиль этот просуществовал недолго, всего около 10- 15 лет. Поэтому модерн остался в истории искусства серией уникальных образцов, имеющих, как правило, парадоксальный характер.

Модерн начинался в различных видах искусства и начинался несистематически; его первые шаги можно видеть в керамике П. Гогена, и в картинах Ж. Сёра, и в
“Данаиде” О. Родена, и в архитектуре А. Гауди, и в стенных росписях Дж.
Уистлера, и в эскизах М. Врубеля - произведения 80-х гг. XIX в.
Уже в 90-е гг. модерн сознательно ориентируется на равноправие всех видов искусства. Модерн принципиально ориентировался на универсальную одаренность художника; его работа в разных видах искусства только приветствовалась.
Поэтому архитектор выступал как живописец и как мастер декоративных ремесел; живописец занимался скульптурой (вспомним универсальную деятельность ван де Велде, Ч. Р. Макинтоша, художников группы “Наби”, М.Врубеля, С. Выспяньского, А. Майоля, Г. Гимара). Эти мастера мыслили творчество синтетично, и в этом был залог их успеха.

В России модерн представляло художественное объединение «Мир искусства», сформировавшееся в конце 1890-х.

Б. М. Кустодиев. Групповой портрет членов объединения Мир искусства. 1916-1920. Русский музей, СПб

Основателями «Мира искусств» стали художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Ядро объединения составили выпускники гимназии К.И.Мая. Громко о себе заявило это объединение, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища техники рисования барона А.Л. Штиглица.
В состав объединения входили художники Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева и К. А. Сомов.
К «Миру искусства» были близки такие мастера, как И. Я. Билибин, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, Н. К. Рерих, В. А. Серов, М. А. Врубель, И. И. Левитан, М. В. Нестеров.
Классический период в жизни объединения пришелся на 1900-1904 - в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства». После 1904 объединение утратило идейное единство и к 1924 году распалось.
Я сделал подборку картин-двойников «мирискусстников» специально для увлеченной эпохой модерна La bellе epoque.

Константин Сомов
Итальянская комедия
Обе картины написаны в 1914 г. Первая картина находится в частной коллекции. а вторая была написана для аукциона "Мира искусства" в пользу раненных в Первой мировой войне и хранится сейчас в Национальной картинной галерее Армении в Ереване.

Константин Сомов
Арлекин и дама
Первая картина 1912 года (Третьяковка), вторая - 1921 года (Русский музей, СПб)

Валентин Серов
Одиссей и Навзикая
Обе картины написаны в 1910 году, первая находится в Третьяковке, вторая - в Русском музее. Помимо размера, они разнятся деталями.

Константин Сомов
Влюбленные (фарфор)
Обе статуэтки сделаны в 1905 году, одна хранится в Музее фарфорового завода им. Ломоносова в Питере, местонахождение другой - неизвестно (скорее всего в частной коллекции).

Константин Сомов
Поцелуй
Первый вариант написан в 1914 году (частная коллекция), второй - в 1918, как иллюстрация к "Книге маркизы".

ОСТАЛЬНЫЕ КАРТИНЫ В КОММЕНТАРИЯХ...

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 21.07.2015 14:07 Просмотров: 3324

Понятие «модернизм» неоднозначно, его употребляют в более широком и в более узком смыслах.

В переводе с французского языка этот термин означает «современное искусство» (фр. modernisme, от moderne – современный).
1. Первый, более широкий, смысл термина – обозначение новых явлений в искусстве и культуре примерно со второй половины XIX по первую половину XX вв. Это очень большой период, включающий многочисленные течения и стили, начиная с символизма . Сюда входят новейшие направления не только в искусстве, но и в культуре, и в гуманитарной мысли, т.е. по существу это авангард .

«Модерновый» памятник Гоголю Н.А. Андреева – «magnum opus» (1909). Москва, Пречистенский бульвар
«Magnum opus» – лучшая, наиболее амбициозная работа писателя, художника или композитора.
В российско-советской эстетике понятие «модернизм» чаще всего и применяли именно для обозначения всех авангардно-модернистских явлений с позиции консерватизма по отношению ко всему новаторскому, т.е с негативной оценкой. Модернизм в основном подвергался критике за отход от традиционной культуры (прежде всего, традиций XIX в.).
2. В более узком значении термин «модернизм» обозначает одно из трёх главных направлений искусства XX в.: авангарда, модернизма и постмодернизма .
В чём же различия этих терминов, когда они по существу обозначают одно и то же?
Модернизм, конечно же, наследует достижения авангарда, но не принимает его эпатажность, бунтарство и скандальность. В этом отношении перед авангардом модернизм выступает как академизм: принимая творческие находки авангарда (кубизм , абстракционизм , конструктивизм , экспрессионизм и т.д.), он их представляет уже классикой , естественно продолжившей историю мирового искусства.

Модернизм в изобразительном искусстве

Наиболее значительными модернистскими течениями были импрессионизм , экспрессионизм , нео- и постимпрессионизм , фовизм , кубизм , футуризм , абстрактное искусство , дадаизм , сюрреализм . О каждом из этих течений в той или иной степени Вы можете узнать на нашем сайте, поэтому мы не будем подробно останавливаться на них подробно.
Датой зарождения модернизма часто называют 1863 г. – в этот год в Париже был открыт «Салон отверженных». Вот об этом следует сказать немного подробнее, т.к. эта выставка открыла путь к зрителю картин малоизвестных авторов-новаторов.

«Салон отверженных»

Парижский салон – самая значительная французская художественная выставка. Картины для неё отбирало специальное жюри, в основном ориентированное на традиционное искусство и традиционные вкусы публики. Презентация работ на Парижском салоне, особенно если при этом были положительные отклики в прессе, являлось для художников важным моментом: это вело к признанию их творчества и к финансовому успеху – легче было найти покупателя.
Естественно, что у художников-новаторов было мало шансов попасть на выставку, хотя многие из них уже смело заявили о себе: К. Моне , Э. Мане , П. Ренуар , Ж. Базиль, А. Сислей и др. Поступало много жалоб на организаторов салона.
В 1863 г. выставку посетил Наполеон III (Луи-Наполеон Бонапарт, племянник Наполеона I). Ему показали некоторые из отвергнутых работ, и он посчитал, что они мало чем отличаются от тех, что были приняты жюри. Император выступил в газете с заявлением по этому поводу и принял решение о том, что отвергнутые произведения будут выставлены напоказ в другой части Дворца Индустрии. Выставка эта будет добровольной, и тем, кто не пожелает принять в ней участие, нужно будет лишь уведомить администрацию, которая незамедлительно возвратит им их работы. Так состоялся «Салон отверженных».
На нём были выставлены три полотна и три гравюры Э. Мане, по три полотна К. Писсарро , Я.Б. Йонкинда, работы П. Сезанна , А. Гийомена, А. Фантен-Латура и др. «Салон отверженных» начал свою работу раньше официального салона, и с самого начала экспозиция привлекла много посетителей, больше, чем официальный салон. Много внимания «Салону отверженных» уделила и пресса, хотя большинство статей были негативными. Такой же в основном была и реакция публики. Примером может быть картина Э. Мане «Завтрак на траве».

Э. Мане «Завтрак на траве»

Э. Мане «Завтрак на траве» (1863). Холст, масло, 208 х 264,5 см. Музей Орсе (Париж)
Первоначально картина называлась «Купание». Она предназначалась для Парижского салона, но не была допущена к выставке вместе с тремя тысячами других полотен.
Эта картина вызвала непонимание и обвинение в декадентстве (упадке, культурном регрессе), начиная с её сюжета: двое одетых мужчин с нагой женщиной на природе. Публику возмущало также, что обнажённая женщина бесстыдно смотрит прямо на зрителя. Кроме того, женщина и оба мужчины были узнаваемы современниками, у них были определённые жизненные прототипы (моделью женщины была Викторина Мёран, французская художница и любимая модель Эдуара Мане). Картина создавала впечатление происходящего не на природе, а в студии – свет почти не даёт теней.
Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. А каковы они были? Ответ даёт картина с таким же сюжетом. Эта картина не вызывает никаких вопросов и сомнений.

Джеймс Тиссо «Завтрак вчетвером (1870)

Модернизм в архитектуре

Архитектурный модернизм включает следующие архитектурные направления: функционализм 1920-1930-х годов; конструктивизм и рационализм 1920-х годов в России; движение «баухаус» в Германии, архитектурный ар-деко стиль, интернациональный стиль, брутализм (от французского «béton brut» - «необработанный бетон»), органическая архитектура (органическая архитектура видит свою задачу в создании зданий и сооружений, раскрывающих свойства естественных материалов и органично вписанных в окружающий ландшафт).

Здание школы в Дессау в стиле «баухаус»

Национальный королевский театр в Лондоне (архитектор Д. Ласдан) в стиле брутализм

«Дом над водопадом» (архитектор Ф. Л. Райт, 1936-1939). Этот загородный дом построен на юго-западе штата Пенсильвания (США)
Представителями архитектурного модернизма считают Фрэнка Ллойда Райта, Вальтера Гропиуса, Рихарда Нойтра, Людвига Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвара Аалто, Оскара Нимейера и др.