Любите ли вы японскую живопись? Как много вы знаете о знаменитых японских художниках? Давайте рассмотрим с вами в этой статье наиболее известных художников Японии которые творили свои произведения в стиле укиё-э (浮世絵). Этот стиль живописи получил свое развитие с периода Эдо. Иероглифы, которыми записывается этот стиль 浮世絵 дословно означают «картины (образы) изменчивого мира», подробнее об этом направлении живописи вы можете прочитать

Хисикава Моронобу (菱川 師宣, 1618-1694). Считается основателем жанра укиё-э, хотя, на самом деле, он всего лишь первый мастер, о жизни которого сохранились биографические сведения. Моронобу родился в семье мастера по окраске тканей и вышивке золотыми и серебряными нитями и долгое время занимался семейным ремеслом, поэтому отличительной чертой его работ являются красиво декорированные одежды красавиц, дающие прекрасный художественный эффект.

Переехав в Эдо, он сначала самостоятельно изучал приёмы живописи, а затем его обучение продолжил художник Камбун.

До нас дошли, в основном, альбомы Моронобу, в которых он изображает исторические и литературные сюжеты и книги с образцами узоров для кимоно. Также мастер работал в жанре сюнга, а среди отдельных работ сохранилось несколько с изображением прекрасных женщин.

(鳥居清長, 1752-1815). Признанный в конце 18 века мастер Сэки (Сэкигути) Синсукэ (Исибэй) носил псевдоним Тории Киёнага, который он взял, унаследовав школу укиё-э Тории от Тории Киёмицу после смерти последнего.

Родился Киёнага в семье торговца книгами Сиракоя Исибэй. Наибольшую известность ему принёс жанр бидзинга, хотя начинал он с якуся-э. Сюжеты для гравюр в жанре бидзинга брались из повседневной жизни: прогулки, праздничные шествия, выезд на природу. Среди многих работ художника выделяются серии «Состязания модных красавиц из весёлых кварталов», изображающая Минами, один из «весёлых кварталов» на юге Эдо, «12 портретов южных красавиц», «10 видов чайных лавок». Отличительной чертой мастера была детальная проработка фонового вида и использование пришедших с Запада приёмов изображения света и пространства.

Первоначальную славу Киёнага получил при возобновлении в 1782 году серии «Образцы мод: модели, новые, как весенняя листва», начатой Корюсаем в 1770-е для издателя Нисимурая Ёхати.

(喜多川歌麿, 1753-1806). На этого выдающегося мастера укиё-э оказали существенное влияние Тории Киёнага и издатель Цутая Дзюдзабуро. В результате длительного сотрудничества с последним вышло множество альбомов, книг с иллюстрациями и серий гравюр.

Несмотря на то, что Утамаро брал сюжеты из жизни простых ремесленников и стремился изображать природу («Книга о насекомых»), слава к нему пришла как к художнику произведений, посвящённых гейшам из квартала Ёсивара («Ежегодник зелёных домов Ёсивара»).

Утамаро достиг высокого уровня в выражении душевных состояний на бумаге. Впервые в японской ксилографии стал использовать погрудные композиции.

Именно творчество Утамаро повлияло на французских импрессионистов и способствовало интересу европейцев к японским гравюрам.

(葛飾 北斎, 1760-1849). Настоящее имя Хокусая - Токитаро. Наверное, самый широко известный по всему миру мастер укиё-э. На протяжении всего творчества использовал свыше тридцати псевдонимов. Нередко историки используют псевдонимы для периодизации его творчества.

Сначала Хокусай работал резчиком, работа которого ограничивалась замыслом художника. Этот факт тяготил Хокусая, и он начал искать себя как самостоятельный хужодник.

В 1778 году он стал учеником в студии Кацукава Сюнсё, специализировавшейся на гравюрах в жанре якуся-э. Хокусай был и талантливым, и очень прилежным учеником, всегда оказывавшим почтение учителю, а поэтому пользовался особым благоволением Сюнсё. Таким образом, первые самостоятельные работы Хокусая были в жанре якуся-э в виде диптихов и триптихов, а популярность ученика сравнялась с популярностью учителя. В это время молодой мастер уже настолько развил свой талант, что ему стало тесно в рамках одной школы, и после смерти учителя Хокусай покидает студию и изучает направления других школ: Кано, Сотацу (иначе - Коэцу), Римпа, Тоса.

В этот период художник испытывает значительные финансовые трудности. Но в это же время происходит его формирование как мастера, который отказывается от привычного изображения, которое требовало общество, и ищет свой собственный стиль.

В 1795 году свет увидели иллюстрации к поэтической антологии «Кэка Эдо мурасаки». Затем Хокусай пишет картины суримоно, которые тут же начали пользоваться популярностью, и многие художники принялись за их имитацию.

С этого периода Токитаро начал подписывать свои работы именем Хокусай, хотя некоторые его произведения выходили под псевдонимами Тацумаса, Токитаро, Како, Соробэку.

В 1800 году мастер стал называть себя Гакэдзин Хокусай, что означало «Безумный живописью Хокусай».

К известным сериям иллюстраций относятся «36 видов горы Фудзи», из которой наиболее выделяются «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» и «Большая волна в Канагаве», «100 видов горы Фудзи», вышедшая тремя альбомами, «Манга Хокусая» (北斎漫画), которую называют «энциклопедией японского народа». Художник вложил в «Мангу» все свои взгляды на творчество, философию. «Манга» является важнейшим источником по изучению жизни Японии того времени, так как включает множество культурных аспектов. Всего при жизни художника вышло двенадцать выпусков, а после его смерти - ещё три:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (после смерти художника)

Искусство Хокусая повлияло на такие европейские направления, как ар-нуво и французский импрессионизм.

(河鍋 暁斎, 1831 -1889). Использовал псевдонимы Сэйсэй Кёсай, Сюрансай, Байга Додзин, обучался в школе Кано.

В отличие от Хокусая, Кёсай был довольно развязным, что стало причиной его разлада с художником Цубоямой Тодзаном. После школы стал самостоятельным мастером, хотя иногда и посещал её в течение ещё пяти лет. В то время он писал кёга, так называемые «сумасшедшие картины».

Среди выдающихся гравюрных работ выделяют «Сто картин Кёсая». В качестве иллюстратора Кёсай создаёт в сотрудничестве с другими художниками изображения к новеллам и романам.

В конце 19 века в Японию часто наведывались европейцы. С некоторыми из них художник был знаком, и несколько его работ сейчас находятся в Британском музее.

(歌川広重, 1797-1858). Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ (安藤広重) и известен тонкой передачей природных мотивов и природных явлений. Первую картину «Гора Фудзи в снегу», которая сейчас хранится в музее Сантори в Токио, он написал в десять лет. Сюжеты ранних работ основывались на реальных событиях, происходящих на улицах. Его известные циклы: «100 видов Эдо», «36 видов горы Фудзи», «53 станции Токайдо», «69 станций Кимокайдо», «100 известных видов Эдо». На Моне и русского художника Билибина оказали большое влияние «53 станции дороги Токайдо», написанные после путешествия по восточно-приморской дороге, а также «100 видов Эдо». Из серии в жанре катё-га в 25 гравюр наиболее известен лист «Воробьи над покрытой снегом камелией».

(歌川 国貞, известен также, как Утагава Тоёкуни III (яп. 三代歌川豊国)). Один из самых выдающихся художников укиё-э.

Уделял особое внимание актёрам кабуки и самому театру – это около 60% от всех произведений. Также известны работы в жанре бидзинга и портреты борцов сумо. Известно, что он создал от 20 до 25 тысяч сюжетов, в которые вошли 35-40 тысяч листов. К пейзажам и воинам он обращался редко. Утагава Куниёси(歌川 国芳, 1798 - 1861). Родился в семье красильщика шёлка. Учиться рисованию Куниёси начал в десятилетнем возрасте во время проживания в их семье художника Кунинао. Затем он продолжил обучаться у Кацукавы Сюнъэй, а в 13-летнем возрасте он поступает на обучение в мастерскую Токуёни. Первые годы у молодого художника дела идут неважно. Но после получения от издателя Кагая Китибэй заказа на пять гравюр для серии 108 героев Суйкодэн дела пошли в гору. Он создаёт остальных героев этой серии, а затем приступает к другим различным работам, и через пятнадцать лет он становится в один ряд с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Кунисадой.

После запрета 1842 года на изображения театральных сцен, актёров, гейш и куртизанок Куниёси пишет свою «кошачью» серию, делает гравюры из воспитательной серии для домохозяек и детей, изображает национальных героев в серии «Традиции, мораль и благочиние», а к концу 1840-х - началу 1850-х годов после ослабления запретов художник возвращается к теме кабуки.

(渓斎 英泉, 1790-1848). Известен работами в жанре бидзинга. В его лучшие работы входят портреты типа окуби-э («большие головы»), которые считаются образцами мастерства эпохи Бунсэй (1818-1830), когда жанр укиё-э был в упадке. Художник написал много лирических и эротических суримоно, а также цикл пейзажей «Шестьдесят девять станций Кисокайдо», который он не смог довести до конца, и его закончил Хиросигэ.

Новизна в изображении бидзинга заключалась в чувственности, которой раньше не было у других художников. По его произведениям мы можем понять моду того времени. Также он издал биографии «Сорока семи ронинов» и написал ещё несколько книг, включая «Историю гравюр укиё-э» (Укиё-э руйко), содержащую биографии художников. А в «Записках безымянного старца» он описал себя как развратного пьяницу и бывшего владельца борделя в Недзу, сгоревшего дотла в 1830-е годы.

Судзуки Харунобу (鈴木春信, 1724-1770). Настоящее имя художника - Ходзуми Дзиробэй. Он является первооткрывателем полихромной печати укиё-э. Учился в школе Кано и изучал живопись. Затем под влиянием Сигэнага Нисимура и Тории Киёмицу его увлечением стала ксилография. Гравюры в два-три цвета изготавливались ещё с начала 18 века, а Харунобу начал писать картины в десять цветов, используя три доски и комбинируя три цвета – жёлтый, синий и красный.

Выделялся в изображении уличных сценок и картин в жанре сюнга. А с 1760-х был одним из первых, кто начал изображать актёров театра кабуки. Его работы оказали влияние на Э.Мане и Э.Дега.

(小原 古邨, 1877 - 1945). Его настоящее имя Матао Охара. Изображал сцены из русско-японской и китайско-японской войны. Однако после появления фотографии его работы стали продаваться плохо, и он начал зарабатывать на жизнь преподаванием в школе изящных искусств в Токио. В 1926 году Эрнест Феллоза, куратор отдела японского искусства в Бостонском музее, уговорил Охару вернуться к живописи, и художник начал изображать птиц и цветы, а его работы хорошо продавались за рубеж.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Выделялся среди остальных художников эксцентричностью и образом жизни, заключающемся в дружбе со многими культурными и религиозными деятелями того времени. Изображал животных, цветы и птиц в весьма экзотическом виде. Был очень известен и принимал заказы на роспись ширм и храмовые картины.

(鳥居 清信, 1664-1729). Один из важнейших представителей раннего периода укиё-э. Несмотря на большое влияние своего учителя Хисикавы Моноробу, стал основателем жанра якуся-э в изображении афиш и плакатов и изобрёл свой собственный стиль. Актёры изображались в специальных позах в роли храбрых героев и были окрашены в
благородный оранжевый цвет, а злодеи были нарисованы в синих цветах. Для изображения страсти художник изобрёл особый тип рисунка мимидзугаки - это извилистые линии с чередованием тонких и толстых штрихов и совмещение с гротескным изображением мускулов конечностей.

Тории Киёнобу является основателем династии художников Тории. Его учениками были Тории Киёмасу, Тории Киёсигэ I, Тории Киёмицу.

А кто ваш любимый художник укиё-э?

Японский язык отличается от любого европейского своей структурой, что может вызвать определённые трудности при изучении. Однако не волнуйтесь! Специально для вас вы разработали курс « «, на который вы можете записаться прямо сейчас!

Который охватывает множество техник и стилей. За всю историю существования она претерпела большое количество изменений. Добавлялись новые традиции и жанры, а также оставались исконные японские принципы. Наряду с удивительной историей Японии живопись также готова представить множество уникальных и интересных фактов.

Древняя Япония

Первые стили появляются в самый древний исторический период страны, еще до н. э. Тогда искусство было довольно-таки примитивным. Сначала, в 300 году до н. э., появились различные геометрические фигуры, которые выполнялись на гончарных изделиях при помощи палочек. К более позднему времени относится такая находка археологов, как орнамент на бронзовых колоколах.

Чуть позже, уже в 300 году н. э., появляются наскальные рисунки, которые намного разнообразнее геометрического орнамента. Это уже полноценные изображения с образами. Их находили внутри склепов, и, вероятно, люди, которые нарисованы на них, являлись захороненными в этих могильниках.

В 7-м веке н. э. Япония принимает письменность, которая приходит из Китая. Примерно в это же время оттуда поступают первые картины. Тогда появляется живопись как отдельная сфера искусства.

Эдо

Эдо - это далеко не первая и не последняя живописи, однако в культуру именно она принесла много нового. Во-первых, это яркость и красочность, которые добавлялись в привычную технику, выполняемую в черных и серых тонах. Наиболее выдающимся художником этого стиля считается Сотасу. Он создавал классические картины, но его персонажи были очень красочными. Позже он переключился на природу, и большинство пейзажей выполнялись на фоне из позолоты.

Во-вторых, в период Эдо появилась экзотика, жанр намбан. В нем использовались современные европейские и китайские техники, которые переплетались с традиционными японскими стилями.

И в-третьих, появляется школа Нанга. В ней художники сначала полностью имитируют или даже копируют произведения китайских мастеров. Затем появляется новое ответвление, которое получило название бунджинга.

Период модернизации

Период Эдо сменяет Мейджи, и теперь японская живопись вынуждена выйти на новый этап развития. В это время по всему миру становились популярными такие жанры, как вестерн и ему подобные, поэтому модернизация искусства стала обычным положением вещей. Однако в Японии, стране, где все люди почитают традиции, в данное время положение вещей значительно отличалось от того, что происходило в других странах. Здесь остро вспыхивает конкуренция между европейскими и местными техниками.

Правительство на этом этапе отдает свое предпочтение молодым художникам, которые подают большие надежды на совершенствование навыков в западных стилях. Поэтому они отправляют их в школы Европы и Америки.

Но так было только в начале периода. Дело в том, что известные критики довольно-таки сильно раскритиковали западное искусство. Чтобы избежать большого ажиотажа вокруг этого вопроса, европейские стили и техники стали запрещать на выставках, их показ прекратился, как, впрочем, и популярность.

Появление европейских стилей

Далее наступает период Тайшо. В это время молодые художники, которые уезжали учиться в зарубежных школах, приезжают обратно на родину. Естественно, с собой они привозят новые стили японской живописи, которые очень похожи на европейские. Появляется импрессионизм и постимпрессионизм.

На данном этапе образуется множество школ, в которых возрождаются древние японские стили. Но полностью избавиться от западных тенденций не удается. Поэтому приходится совмещать несколько техник, чтобы угодить как любителям классики, так и поклонникам современной европейской живописи.

Некоторые школы финансируются государством, благодаря чему удается сохранить многие из национальных традиций. Частники же вынуждены идти на поводу у потребителей, которые хотели чего-то нового, они устали от классики.

Живопись времен ВОВ

После наступления военного времени японская живопись некоторое время оставалась в стороне от событий. Она развивалась отдельно и самостоятельно. Но вечно продолжаться так не могло.

Со временем, когда политическая ситуация в стране становится все хуже, высокие и уважаемые деятели привлекают многих художников. Некоторые из них еще в начале войны начинают творить в патриотических стилях. Остальные приступают к этому процессу только по приказу властей.

Соответственно, особо развиваться японское изобразительное искусство в период ВОВ было неспособно. Поэтому для живописи его можно назвать застойным.

Вечная суйбокуга

Японская живопись суми-э, или суйбокуга, в переводе означает «рисование тушью». Это и определяет стиль и технику данного искусства. Оно пришло из Китая, но японцы решили назвать его по-своему. И изначально техника не имела какой-либо эстетической стороны. Ее использовали монахи для самосовершенствования во время изучения Дзен. Более того, сначала они рисовали картины, а впоследствии тренировали концентрацию при их просмотре. Монахи полагали, что совершенствованию помогают строгие линии, расплывчатые тона и тени - все то, что называется монохромностью.

Японская живопись тушью, несмотря на большое разнообразие картин и техник, является не настолько сложной, как может показаться на первый взгляд. В ее основу входят всего 4 сюжета:

1. Хризантема.
2. Орхидея.
3. Ветка сливы.
4. Бамбук.

Малое количество сюжетов не делает освоение техники быстрой. Некоторые мастера полагают, что учеба длится всю жизнь.

Несмотря на то что суми-э появилась давно, она востребована всегда. Более того, сегодня встретить мастеров этой школы можно не только в Японии, она распространена и далеко за ее пределами.

Современный период

По окончании ВОВ искусство в Японии процветало только в крупных городах, сельчанам и деревенским жителям хватало забот. По большей части художники старались отвернуться от потерь военных времен и изобразить на холстах современную городскую жизнь со всеми ее прикрасами и особенностями. Успешно принимались европейские и американские идеи, но такое положение вещей сохранялось недолго. Многие мастера начали постепенно отходить от них в сторону японских школ.

Оставался модным всегда. Поэтому современная японская живопись может отличаться только по технике исполнения либо материалам, которые используются в процессе. Но большинство художников плохо воспринимают различные новшества.

Нельзя не отметить модные современные субкультуры, такие как аниме и похожие стили. Многие художники стараются стереть грань между классикой и тем, что востребовано сегодня. По большей части такое положение вещей обусловлено коммерцией. Классику и традиционные жанры фактически не покупают, соответственно, невыгодно работать художником в любимом жанре, нужно подстраиваться под моду.

Заключение

Несомненно, японская живопись представляет собой целый кладезь изобразительного искусства. Пожалуй, рассматриваемая страна осталась единственной, которая не пошла на поводу у западных тенденций, не стала подстраиваться под моду. Несмотря на множество ударов во времена прихода новых техник, художники Японии все-таки смогли отстоять национальные традиции во многих жанрах. Вероятно, именно поэтому в современности на выставках очень высоко ценят картины, выполненные в классических стилях.

Имеет очень богатую историю; её традиция обширна, при этом уникальное положение Японии в мире в значительной степени повлияло на доминирующие стили и техники японских художников. Известный факт, что Япония была весьма изолирована в течение многих столетий, обусловлен не только географией, но также и доминирующей японской культурной склонностью к изоляции, которая обозначила историю страны. В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. И это даже заметно в практике японской живописи. Например, картины Нихонга являются одними из основных произведений практики японской живописи. Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк).

Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием иностранных художественных практик. Сначала, это было китайское искусство в XVI веке и китайская живопись и китайская традиция искусства, которая была особенно влиятельной в нескольких аспектах. По состоянию на XVII век японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, на японскую живопись повлиял импрессионизм и европейский романтизм. В то же время на новые европейские художественные движения также значительно влияли японские художественные техники. В истории искусства это влияние называют «японизмом», и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом.

Длинная история японской живописи может рассматриваться как синтез нескольких традиций, которые создают части признанной японской эстетики. Прежде всего, буддистское искусство и методы живописи, так же как и религиозная живопись, оставили существенный след на эстетике японских картин; водно-тушевая живопись пейзажей в традиции китайской литературной живописи - другой важный элемент, признанный во многих знаменитых японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов - это то, что обычно связано с японскими композициями, как и пейзажи и сцены из повседневной жизни. Наконец, большое влияние на японскую живопись имели древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи.

Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре. Он доминировал в японском искусстве с XVII - XIX век, при этом художники, принадлежащие к этому жанру создавали ксилографии и картины с такими предметами как красивые девушки, актёры Кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествии и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Всегда сложно составлять список лучших картин из художественных традиций. Многие удивительные произведения будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире. В этой статье будут представлены только картины, созданные с XIX века по сегодняшний день.

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей, которые являются самым ценным вкладом Японии в мир искусства. Одна из этих техник - суми-э. Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Эта красота парадоксальна - древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники завезли твёрдочернильный брикет и бамбуковую кисть в Японию из Китая в шестом веке, а за последние 14 столетий Япония разработала богатое наследие тушевой живописи.

Scroll down and see 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Кацусика Хокусай «Сон жены рыбака»

Одна из самых узнаваемых японских картин - «Сон жены рыбака». Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга. В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках. Работа повлияла на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо .

2. Тессай Томиока «Абэ-но Накамаро пишет ностальгическую поэму, наблюдая за луной»

Тессай Томиока - псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бунцзинга и одним из первых крупных художников стиля Нихонга. Бунцзинга была школой японской живописи, которая процветала в эпоху позднего Эдо среди художников, которые считали себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих художников, включая Тессайя, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

3. Фудзисима Такэдзи «Восход солнца над Восточным морем»

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным за труд по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в конце XIX - начале XX века. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности, импрессионизм, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем», который была написана в 1932 году.

4. Китагава Утамаро «Десять типов женских лиц, коллекция властвующих красавиц»

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен серией под названием «Десять типов женских лиц. Коллекция властвующих красавиц, темы большой любви классической поэзии» (иногда называемая «Женщины в любви», содержащая отдельные гравюры «Обнажённая любовь» и «Задумчивая любовь»). Он является одним из наиболее значительных художников, принадлежащих к жанру ксилографии укиё-э.

5. Каванабэ Кёсай «Тигр»

Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников периода Эдо. Его искусство находилось под влиянием творчества Тохаку, художник школы Кано XVI века, который был единственным художником своего времени, рисовавший ширмы полностью тушью на нежном фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай известен как карикатурист, он написал некоторые из самых известных картин в японской истории искусства XIX века. «Тигр» - одна из тех картин, для создания которой Кёсай использовал акварель и чернила.

6. Хироси Ёсида «Фудзи со стороны озера Кавагути»

Хироси Ёсида известен как один из самых крупных фигур стиля син-ханга (син-ханга - это художественное движение в Японии в начале XX века, в периоды Тайсё и Сёва, которое возродило традиционное искусство укиё-э, пустившее свои корни в период Эдо и Мэйдзи (XVII - XIX вв)). Он обучался традиции западной живописи маслом, которая была заимствована в Японии в период Мэйдзи.

7. Такаси Мураками «727»

Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности. Его работы продаются за астрономические цены на крупных аукционах, а творчество уже вдохновляет новые поколения художников не только в Японии, но и за её пределами. Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Его творчество известно использованием цвета, включением мотивов из японской традиционной и популярной культуры. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».

8. Яёи Кусама «Тыква»

Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц. Она творит в различных техниках, включая живопись, коллаж, скэт-скульптуру, перфоманс, энвайронментальное искусство и инсталляцию, большинство из которых демонстрируют её тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена ​​на фоне сети. В совокупности все такие элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художницы, и был развит и усовершенствован на протяжении десятилетий кропотливого изготовления и воспроизведения.

9. Тэммёя Хисаси «Японский дух №14»

Тэммёя Хисаси - современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.

10. Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Наконец, «Большая волна в Канагаве», вероятно, самая узнаваемая японская картина, когда-либо написанная. Это на самом деле самое известное произведение искусства, созданное в Японии. На ней изображены огромные волны, угрожающие лодкам у берегов префектуры Канагава. Несмотря на то, что иногда принимаемая за цунами, волна, как предполагает название картины, скорее всего, просто имеет аномально большую высоту. Картина выполнена в традиции укиё-э.

От: ,  14967 просмотров

- Присоединяйтесь! Ваше имя:

Комментарий:

Хокусай, японский художник 18-го века, создал головокружительное количество художественных работ. Хокусай работал до глубокой старости, неизменно утверждая, что «все, что он сделал до 70 лет, не было стоящим и не стоило внимания».

Возможно, самый известный японский художник в мире, он всегда выделялся из своих коллег - современников интересом к повседневной жизни. Вместо того, чтобы изображать гламурных гейш и героических самураев, Хокусай рисовал рабочих, рыбаков, городские жанровые сценки, которые тогда еще не были предметом интереса для японского искусства. Он также использовал европейский подход к композиции.

Вот краткий перечень ключевых терминов, которые помогут вам немного ориентироваться в творчестве Хокусая.

1 Укие-э - гравюры и картины, популярные в Японии 1600-х до 1800-х годов. Направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Этот термин происходит от слова "укие", что означает "изменчивый мир". Уикие - намек на гедонистические радости расцветающего купечества. В этом направлении Хокусай - самый известный художник.

Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходил других крупных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества.

2 Период Эдо - это время между 1603 и 1868 годах в японской истории, тогда был отмечен экономический рост и новый интерес к искусству, культуре.

3 Shunrō является первым из псевдонимов Хокусая.

4 Шуньга буквально означает "картину весны" и "весна" - японский сленг для секса. Таким образом, это гравюры эротического характера. Их создавали самые уважаемые художники, в том числе Хокусай.

5 Суримоно. Последние «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В отличие укие-э гравюры, которыебыли рассчитаны на массового зрителя, суримоно редко продавались для широкой публики.

6 Гора Фудзи - симметричная гора, которая, оказывается, самая высокая в Японии. За эти годы она вдохновила многих художников и поэтов, в том числе Хокусая, выпустившего серию укие-э "Тридцать шесть видов горы Фудзи". Эта серия включает в себя самые знаменитые гравюры Хокусая.

7 Японизм - длительное влияние, которое оказал Хокусай на последующие поколения западных художников. Японизм - это стиль, вдохновленный яркими цветами гравюр укие-э, отсутствием перспективы и композиционными экспериментами.

Искусство и дизайн

3356

01.02.18 09:02

Сегодняшняя художественная сцена Японии очень разнообразна и провокационна: рассматривая работы мастеров из Страны Восходящего солнца, вы решите, что попали на другую планету! Тут живут новаторы, которые изменили «ландшафт» отрасли в глобальном масштабе. Представляем вам список 10 современных японских художников и их творения – от невероятных существ Такаси Мураками (который сегодня празднует день рождения) до пестрой вселенной Кусамы.

От футуристических миров до точечных созвездий: современные японские художники

Такаси Мураками: приверженец традиций и классик

Начнем с виновника торжества! Такаси Мураками – один из самых знаковых современных японских художников, работающий над картинами, крупномасштабными скульптурами и модной одеждой. На стиль Мураками влияют манга и аниме. Он основатель движения Superflat, поддерживающего японские художественные традиции и послевоенную культуру страны. Мураками продвигал многих своих коллег-современников, с некоторыми из них мы сегодня тоже познакомимся. «Субкультурные» произведения Такаси Мураками представлены на арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998-й год) был продан в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s в 2008-м за рекордные 15,2 миллиона долларов. Мураками сотрудничал со всемирно известными брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.

Тихо Асима и ее сюрреалистическая вселенная

Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (и та, и другое основаны Такаси Мураками) Тихо Асима известна своими фантастическими городскими пейзажами и странными поп-существами. Художница создает сюрреалистические мечты, населенные демонами, призраками, молодыми красавицами, изображаемыми на фоне диковинной природы. Ее произведения обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге, коже, пластике. В 2006-м году эта современная японская художница участвовала в Art on the Underground в Лондоне. Она создала 17 последовательных арок для платформы – волшебный пейзаж постепенно превращался из дневного в ночной, из городского – в сельский. Это чудо расцвело на станции метро Gloucester Road.

Тихару Сима и бесконечные нити

Другая художница – Тихару Сиота – работает над широкомасштабными визуальными установками для конкретных достопримечательностей. Она родилась в Осаке, но сейчас живет в Германии – в Берлине. Центральные темы ее творчества – забвение и память, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а еще – конфронтация тревоги. Самые знаменитые работы Тихару Сиоты – непроницаемые сети черной нити, охватывающие множество бытовых и личных предметов – таких как старые стулья, свадебное платье, сожженное фортепиано. Летом 2014-го года Сиота соединила пожертвованные ей туфли и ботинки (которых было более 300) нитками красной пряжи и подвесила их на крючки. Первая выставка Тихару в столице Германии прошла во время Берлинской художественной недели в 2016-м году и вызвала сенсацию.

Эй Аракава: везде, ни нигде

Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, элементами риска, а его инсталляции нередко символизируют темы дружбы и коллективного труда. Кредо современного японского художника определяется перформативным неопределенным «везде, но нигде». Его творения всплывают в неожиданных местах. В 2013-м году работы Аракавы выставлялись на Венецианском биеннале и в экспозиции японского современного искусства в Музее искусств Мори (Токио). Инсталляция Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес и участвовала в биеннале Whitney. В том же 2014-м году Аракава и его брат Тому, выступающие дуэтом под названием «United Brothers», предлагали посетителям Frieze London свое «произведение» «The This Soup Taste Ambivalent» с «радиоактивными» корнеплодами дайкона Фукусимы.

Коки Танака: взаимосвязь и повторения

В 2015-м Коки Танака был признан «Художником года». Танака исследует общий опыт творчества и воображения, поощряет обмен между участниками проектов и выступает за новые правила сотрудничества. Его установка в японском павильоне на Венецианском биеннале 2013-го года состояла из видео с объектами, превращающими помещение в платформу для художественного обмена. Инсталляции Коки Танака (не путайте с его полным тезкой-актером) иллюстрируют взаимосвязь между объектами и действиями, например, на видео присутствует запись простых жестов, выполняемых с обычными предметами (нож, нарезающий овощи, пиво, наливаемое в стакан, открытие зонта). Ничего существенного не происходит, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.

Марико Мори и обтекаемые формы

Еще одна современная японская художница, Марико Мори, «колдует» над мультимедийными объектами, сочетая видео, фотографии, предметы. Ей свойственны минималистское футуристическое видение и гладкие сюрреалистические формы. Повторяющейся темой творчества Мори является сопоставление западной легенды с западной культурой. В 2010-м году Марико основала Фонд Фау, образовательную культурную некоммерческую организацию, для которой она изготовила серию своих художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда «Кольцо: одна с природой» была водружена над живописным водопадом в Ресенде недалеко от Рио-де-Жанейро.

Риоджи Икеда: синтез звуков и видео

Риоджи Икеда – новый медиахудожник и композитор, чья работа, в основном, связана со звуком в разных «сырых» состояниях, от синусоидальных звуков до шумов с использованием частот на грани человеческого слуха. Его захватывающие инсталляции включают звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальные арт-объекты Икеды используют масштаб, свет, тень, объем, электронные звуки и ритм. Известный тестовый объект художника состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь 28 метров в длину и 8 метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц.

Тацуо Миядзима и светодиодные счетчики

Современный японский скульптор и художник-монтажник Тацуо Миядзима использует в своем искусстве электрические схемы, видео, компьютеры и другие гаджеты. Основные концепции Миядзимы вдохновлены гуманистическими идеями и буддистскими учениями. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 (ноль никогда не появляется в работах Тацуо). Вездесущие цифры в сетках, башнях, схемах выражают интерес Миядзимы к идеям непрерывности, вечности, связи и потока времени и пространства. Не так давно объект Миядзимы «Стрела времени» был продемонстрирован на инаугурационной выставке «Незавершенные мысли, видимые в Нью-Йорке».

Нара Ёсимото и злые дети

Нара Ёсимото создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие детей и собак – субъектов, в которых отражены ребячье чувство скуки и разочарования и яростная независимость, естественная для малышей. Эстетика работ Ёсимото напоминает традиционные книжные иллюстрации, это смесь беспокойной напряженности и любви художника к панк-року. В 2011-м году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась первая персональная выставка Ёсимото под названием «Yoshitomo Nara: Nobody"s Fool», охватывающая 20-летнюю карьеру современного японского художника. Экспонаты были тесно связаны с мировыми молодежными субкультурами, их отчужденностью и протестом.

Яёй Кусама и пространство, разрастающееся диковинными формами

Поразительная творческая биография Яёй Кусамы длится семь десятилетий. За это время удивительная японка успела изучить сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, кино, гравюры, экологического искусства, инсталляции, а также литературы, моды и дизайна одежды. Кусама разработала весьма своеобразный стиль точечного искусства, которых стал ее торговой маркой. Иллюзорные видения, представленные в работах 88-летней Кусамы (когда мир кажется покрытым разрастающимися диковинными формами), – это результат галлюцинаций, которые она испытывала с детства. Комнаты с красочными точками и «бесконечными» зеркалами, отражающими их скопления, узнаваемы, их не перепутаешь ни с чем иным.