XVII в. явил миру две художественные школы - голландскую и фламандскую . Обе были наследницами художественных традиций Нидерландов - европейской страны, на территории которой к тому времени образовалась католическая Фландрия, названная так по имени самой значимой провинции (на сегодняшний день это территория Бельгии и Франции). Другие провинции, отстояв свою приверженность идеям реформации, объединились и стали именоваться Голландской республикой или просто Голландией. В XVII веке в Голландии примерно три четверти населения было городским, основным сословием считалось среднее. Реформаторская церковь отказалась от великолепия декора, не было коронованных заказчиков и родовой аристократии, а это значит, что представители буржуазии стали основными потребителями искусства. Пространство, предназначенное для живописи, ограничилось домами бюргеров и общественными зданиями.
Размеры картин, как правило, были не велики (по сравнению с дворцовой живописью или алтарными композициями для церквей), а сюжеты имели камерный характер, изображали сцены частной, повседневной жизни. Главное достижение голландского искусства 17 в. – в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Именно поэтому голландских мастеров XVII века (за исключением Рембрандта и Халса) назвали «малыми голландцами» (обширного круга голландских живописцев XVII в. возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде. Среди наиболее ярких представителей - Ян Вермер, братья Остаде (Адриан ван О. и Изак ван О.), Герард Терборх, Ян Стен, Габриэль Метсю).
Большинство художников находило темы для своих картин в пределах родной страны, следуя совету Рембрандта: «Учись, прежде всего, следовать богатой природе и отображать, прежде всего, то, что ты найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди - все служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас». Продуктивность художников достигала невероятных размеров, как следствие, в среде живописцев возникала конкуренция, которая в свою очередь приводила к специализации мастеров. И, возможно, из-за этого произошла многообразная дифференциация по жанрам. Появились художники, которые работали только в жанре морского пейзажа или жанре городских видов, или изображали интерьеры помещений (комнат, храмов). В истории живописи были примеры натюрмортов и пейзажей, но никогда прежде эти жанры не достигали такой массовости и самодостаточности, как в Голландии XVII века.
Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. В Голландии не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, разделения жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам 17 в.
Историю голландской живописи 17 в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Хальса (1580-1666 гг.) Его деятельность почти целиком прошла в Гарлеме. Здесь уже около 1616 года он выдвигается как передовой крупнейший портретист и сохраняет свою роль в этой области до конца жизни. С появлением Хальса строго реалистический и остро индивидуальный голландский портрет достигает зрелости. Все робкое, мелкое, натуралистическое, отличающее его предшественников, оказывается преодоленным.
Начальная фаза искусства Хальса не выяснена. Мы сразу видим мастера решающим труднейшую проблему группового портрета. Он пишет одну за другой картины, изображающие стрелков корпорации св. Адриана и св. Георгия (Гарлем, Музей Франса Хальса), где с неподражаемой легкостью переданы и оживленность многолюдного собрания и яркость типов каждого из присутствующих. Живописное мастерство и композиционная находчивость группировок идут в этих портретах рука об руку с необычайной остротой характеристик. Хальс не психолог: душевная жизнь его моделей обычно проходит для него мимо. Да и пишет он по большей части людей, вся жизнь которых протекает в условиях напряженной, активной деятельности, однако не слишком углубляющихся в вопросы психологического порядка. Зато Хальс, как никто, улавливает облик этих людей, умеет схватить самое мимолетное, но вместе с тем и самое характерное в выражении лица, в позе, в жестикуляции. Жизнерадостный по природе, он стремится запечатлеть каждый образ в миг оживления, радости, и никто с такой тонкостью и разнообразием, как он, не передает смеха. Портрет офицера (1624, Лондон, собрание Уоллес), покачивающийся на стуле «Гейтгейзен» (конец 1630-х гг., Брюссель, картинная галерея), «Цыганка» (конец 1620 гг., Лувр), или так называемая «Гарлемская ведьма», - «Малле Боббе» (Берлин) могут быть названы как характерные примеры его острого и часто задорного искусства. Мужчины, женщины, дети портретируются им с одинаковым ощущением живого образа («Портрет молодого человека с перчаткой », ок. 1650 г., Эрмитаж). Впечатлению живости способствует и сама техника Хальса, необычайно свободная и растущая с годами в своей широте. Декоративная красочность ранних работ впоследствии умеряется, колорит становится серебристым, свобода владения черными и белыми тонами говорит о мастерстве, могущем позволить себе смелейшие живописные дерзания.
В портретах позднего периода (50-60-е г.) исчезает беззаботная удаль, энергия, напор. В эрмитажном мужском портрете при всей импозантности фигуры прослеживается усталость и грусть. Эти черты еще более усилены в блестящем по живописи портрете мужчины в широкополой шляпе (музей в Касселе). Хальс в эти годы перестает быть популярным, потому что никогда не льстит и оказывается чужд переродившимся, утратившим демократический дух вкусам богатых заказчиков. Но именно в поздний период творчества Хальс достигает вершины мастерства и создает наиболее глубокое произведение. В некоторых работах намечаются импрессионистические приемы колористических решений. Хальс пишет бесчисленные индивидуальные портреты до последних лет жизни, но снова возвращается к групповым портретам. Он пишет 2 портрета – регентов и регентш приюта для престарелых, в одном из кт сам нашел приют в конце жизни. П портрете регентов нет духа товарищества прежних композиций, модели разобщены, бессильны, у них мутные взгляды, опустошение написано на их лицах. В сумрачный колорит (черное, серое и белое) особое напряжение вносит розовато-красное пятно на колене одного из регентов. Так на 9 десятке лет больной, одинокий и нищий художник создает свои самые драматичные и самые изысканные по мастерству произведения.
Искусство Хальса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта.
Пейзажный жанр Голландии 17 в. особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, кт мы узнаем в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны. Серое небо занимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян Ван Гойен (1596-1656) и Саломон Ван Рейсдаль (1600-1670).
Рассвет пейзажной живописи в голландской школе относится к сер. 17 в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал (1628-1682) , художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно исполнены глубокого драматизма, будь это лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»). Природа у Рейсдаля предстает в динамике, в вечном обновлении. Даже самые непростые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер. Рейсдалю свойственно сочетать тщательную выписанность с большой жизненной целостностью, с синтетичностью образа.
Он родился в Харлеме в 1628 или 1629 году. Самая первая его сохранившаяся работа, датированная 1646 годом, выглядит произведением зрелого мастера, - а ведь ему исполнилось тогда всего лишь 18 лет. С полной уверенностью можно сказать, что в 1648 году Рейсдал стал членом гильдии художников Харлема.
В молодости Рейсдал довольно много путешествовал в поисках натуры - не отъезжая, впрочем, от родного Харлема дальше, чем на сто миль. В середине 1650-х годов художник переехал из Харлема в Амстердам, где и прожил до конца своих дней.
Столичный Амстердам во времена Рейсдала разительно отличался от провинциального Харлема (хотя расстояние между этими городами даже тогда преодолевалось за два часа). Свои картины Рейсдал писал не по частным заказам, а для свободной продажи, Приблизительно в 1670 году он переехал в самый центр города, на площадь Дам, где снял квартиру прямо над лавкой Иеронимуса Свеертса, торговца картинами и книгами.
Мейндерт Хоббема (1638, Амстердам, - 7 декабря 1709) - самый значительный мастер голландского пейзажа после своего наставника, Якоба ван Рeйсдала.
Известно, что Хоббема и Рёйсдал вместе путешествовали и делали зарисовки с натуры. В ноябре 1668 г. Хоббема женился на поварихе амстердамского бургомистра и через неё получил пост проверяющего качество импортируемых вин. Долгое время считалось, что на этом его занятия живописью прекратились.
Возможно, ему и пришлось уделять живописи меньше времени, чем прежде, но его лучшее произведение, «Аллея в Мидделхарнисе», датировано 1689 годом, а другая лондонская картина, «Развалины замка Бредероде», - 1671 годом. Эти поздние вещи принадлежат к самым удачным свершениям голландской пейзажной живописи и, в сущности, подводят черту в её развитии.
Художник умер в нищете, но уже в XVIII веке ему много подражали, а его произведения стали предметом соперничества коллекционеров. В отличие от Рейсдала, который предпочитал запечатлять дикую природу, Хоббему привлекали тихие сельские сцены с видами залитых солнечным светом деревень, которым придают разнообразие возвышающиеся там и здесь группы деревьев. В этих сельских идиллиях всё выписано с большой тщательностью, и особенно листва.
В тесной связи с голландским пейзажем находится анималистический жанр
. Многих представителей пейзажной живописи наблюдается интерес к передаче животных. Последние очень часто оказываются равнозначащими с чисто пейзажными элементами, а иногда пейзаж служит для них не более как фоном. Умение выявить породу животного, его строение, масть, характерные движения составляет одно из ярких свойств голландцев. Сочетающаяся с этим умением тонкость передачи атмосферы и света достигает у некоторых анималистов исключительного совершенства. Об этом свидетельствуют многочисленные работы Паулуса Поттера
(1625-1654) и Альберта Кейпа
(1620-1691). И тот и другой наряду с картинами, изображающими животных, пасущихся или отдыхающих под открытым небом («Ферма» Поттера, Эрмитаж, 1649), писали также отдельные их экземпляры крупным планом. Поттер помимо общих планов любит изображать одно или несколько животных крупным планом на фоне пейзажа («Собака на цепи»). Излюбленный мотив Кейпа – коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»). Картина “Пейзаж со стадом, всадником и крестьянами”.
Мирная сельская сцена купается в золотом зареве заката. Теплый свет пронизывает каждую деталь композиции, создавая эффект свечения. Это разительно отличает колорит Кейпа от холодных голубых и зеленых тонов его современников, таких как Мейндерт Хоббема
. Кажущаяся случайность расположения животных в действительности внимательно обдумана с тем, чтобы показать игру света и тени.
Кейпу принадлежит, кроме того, одно из первых мест среди представителей чистого пейзажа. Его картины отличаются исключительным мастерством передачи золотистого, солнечного света, крайне разнообразны в мотивах и включают немало марин (морские виды).
Только морским пейзажем (марина) занимался Ян Порселлис (1584-1632 гг.). Марина играла в искусстве Голландии 17 века очень крупную роль и выдвинула ряд первоклассных специалистов. Общий ход развития марины представляется равным тому, что вообще наблюдается в истории голландского пейзажа. На раннем этапе композиции отличаются простотой. Художник видит свою цель достигнутой, если передаст ширь моря, качающиеся на нем суда и самую воду с наибольшим правдоподобием. Так пишет, Ян Порселлис. В последующем поколении характер передачи морских видов меняется в сторону большей динамичности. По-прежнему, правда, создаются картины, изображающие спокойствие водной стихии, но этого теперь недостаточно; бури начинают бросать корабли на скалы, гигантские волны грозят им гибелью и гонят мореходов укрыться в гавани. И в том и в другом случае для Бакгейзена (1631-1709) нет трудностей. Его кисть с одинаковой виртуозностью передает безоблачность небес, циклоны, брызги, скалы и следы крушений.
Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюрморт – это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Класс (1597-1661), Виллем Хеда (1594-1680) чаще всего изображали т.н. завтраки: блюда с окороком или пирогом на относительно скромно сервированном столе. В умело компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей (недаром голландцы называли натюрморт «still leven» – «тихая жизнь», а не «nature morte» – «мертвая природа»). Колорит сдержан и изыскан (Хеда «Завтрак с омаром», 1658; Класс «Натюрморт со свечей», 1627)
Виллем Хеда работал в Харлеме, испытал влияние Питера Класа. Скромным натюрмортам - ”завтракам” Хеда, изображавшим, как правило, небольшой набор предметов домашней утвари и трапезы, присущи тонкое мастерство в передаче фактуры вещей, сдержанный серебристо-зеленый или серебристо-коричневый колорит (“Завтрак с ежевичным пирогом”, 1631, Картинная галерея, Дрезден; “Ветчина и серебряная посуда”, 1649, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).
С изменением жизни голландского общ-ва во 2 пол. 17 в., с постепенным нарастанием стремления буржуазии к аристократизации и потерю ею былого демократизма изменяется и характер натюрмортов. «Завтраки» Хеды сменяются роскошными «десертами» Виллема Кальфа (1619-1693). На смену простой утвари приходят мраморные столы, ковровые скатерти, серебряные кубки, сосуды из перламутровых раковин, хрустальные бокалы. Кальф достигает поразительной виртуозности в передаче фактуры персиков, винограда, хрустальных поверхностей. Единый тон натюрмортов прежнего периода сменяется богатой градацией самых изысканных красочных оттенков.
Голландский живописец. В 1640-1645 годах работал во Франции, с 1653 - в Амстердаме. В дальнейшем Виллем Кальф жил и работал главным образом в Амстердаме. Глубокими, насыщенными цветами своих картин этот живописец натюрмортов мог быть обязан влиянию творчества его современника Яна Вермеера. Один из крупнейших мастеров нидерландской школы натюрморта, Калф писал как скромные по мотивам картины с изображением бедных кухонь и задворок (“Двор крестьянского дома”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), так и эффектные композиции с драгоценной утварью и экзотическими южными фруктами (“Завтрак”, Государственный музей, Амстердам; “Натюрморт”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Виртуозность Калфа-натюрмортиста проявилась в классической отточенности пространственных построений, тонком ощущении своеобразия и самоценности каждой вещи, изысканности и богатстве светотеневых и красочных отношений, эффектности контрастного сопоставления различных фактур и материалов.
“Натюрморт с омаром, рогом для вина и бокалами”. Собрание экзотических и роскошных предметов, разложенных на столе, написано с блестящим мастерством и глубоким чувством цвета. Омар, рог для вина со сверкающей оправой из серебра филигранной работы, прозрачные бокалы, лимон и турецкий ковер переданы с такой изумительной тщательностью, что возникает иллюзия, будто они настоящие и их можно коснуться рукой. Место для размещения каждого предмета выбрано с таким тщанием, что группа в целом образует гармонию цвета, формы и фактуры. Теплый свет, обволакивающий предметы, придает им достоинство драгоценных ювелирных изделий, и их редкостность, великолепие и причудливость отражают утонченные вкусы голландских коллекционеров 17 века - того времени, когда натюрморты были необычайно популярны.
Голландский натюрморт – одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства – темы частной жизни обыкновенного чел-ка. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20-30-х гг. 17 в. голландцы создали особый тип небольшой мелокофигурной картины. 40-60-е гг. – расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование. Еще в кругу Хальса, где сложился и Адриан Браувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый интерес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610-1685) – явился наиболее крупным по своим живописным достоинствам в изображении крестьянского быта. Он изображает обычно теневые его стороны («Драка») Как и другие ее представители, он обычно подходит к своим темам всецело в духе идеологии господствующего класса и либо идеализирует действительность, либо видит в крестьянах лишь забавные существа, нравы которых дают повод для смеха и шуток. («В деревенском кабачке» 1660).
Его искусство приобретает в более поздний период черты лиризма, и прежние сюжеты сменяются изображениями мирного отдыха на пороге хижины или во дворике деревенского трактира, а также интерьерами со сценами тихого семейного уюта («Деревенский концерт», 1655, Эрмитаж). Кроме подобных мелкофигурных картин Остаде часто писал в более крупном плане строго реалистические полуфигуры представителей различных ремесел. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в кт художник прославляет человеческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к патетике.
Но главной темой «малых голландцев» явл-ся все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. В картинах этого жанра будто ничего не происходит. Женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют. Или же они только что познакомились и м/у ними рождается первое чувство, но это лишь намечено, зрителю предоставлено право самому строить догадки. Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626-1679). Для Стена, в отличие от большинства его современников, сюжетная сторона небезразлична. Он отводит в своих картинах повествовательному началу значительную роль и любит изображать те или иные занимательные сцены из повседневной жизни мелкой буржуазии. В них мастер обнаруживает острую наблюдательность, метко характеризует типы и рассказывает выбранные им эпизоды с тонким жизнерадостным юмором. Показательна для него картина «Больная и врач» (ок. 1660 г., Эрмитаж). В позднем периоде деятельности Стена указанные черты утрачивают свою остроту, и, следуя общему течению, он вступает на путь искусства, более нарядного и посвященного проблемам чисто зрительного восприятия реального мира.
Большого мастерства достиг Герард Терборх (1617-1681). Он начал с самых демократических сюжетов («Точильщики»). Отличался предельным мастерством в изображении шелков и атласов, прозрачности стеклянных бокалов, поверхности любой вещи. Фигуры очень часто характеризуются у Терборха известным аристократизмом облика, что объясняется выбором им моделей из среды дворянства. Утонченность искусства Терборха во многом обусловлена и его колоритом, в котором преобладают изысканные серебристые тона. В числе лучших картин художника можно привести «Бокал лимонада» (Эрмитаж) и «Концерт» (Берлин, Далем).
Особую поэтичность у малых голландцев приобретает интерьер. Жизнь голландцев протекала в основном именно в доме. Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689). Иллюзорность передачи вещей отступает у этого мастера на второй план, и интерес сосредоточивается на разработке пространственных отношений, в частности на изображении интерьеров, а также двориков и открывающихся за ними улиц («Хозяйка со служанкой», Эрмитаж, ок. 1660 г.). его комнаты с полуоткрытым окном с брошенным ненароком туфлями или оставленной метлой, как правило, изображены без человеческой фигуры, но чел-к здесь незримо присутствует, м/у интерьером и людьми всегда есть связь. Когда же он изображает людей, то намеренно подчеркивает застывший ритм, изображает жизнь как бы замершую, столь же неподвижную, как и сами вещи («Дворик»).
Замедленный ритм жизни, выверенность распорядка дня, некоторое однообразие существования прекрасно передает Габриэль Метсю (1629-1667; «Завтрак»). Общим характером своих жанровых изображений он близок к Терборху, но более ярок по краскам.
Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с т.н. дельфтской школой , с именем таких художников как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер (1632-1675), известный в истории искусства как Вермер Дельфтский (прозванный по месту его деятельности). Искусство Вермера Дельфтского принадлежит поздней поре развития Голландии. Поколение героических, но грубоватых борцов за независимость и трезвых дельцов - организаторов капиталистического хозяйства - принадлежало уже прошлому. На историческую арену выступили их внуки, которые могли спокойно пользоваться приобретенными благами. В этих условиях складывается живое, радостное искусство последнего этапа расцвета голландской республики.
К этому именно периоду относится зрелое, проникновенное и вместе с тем ясное и простое, несмотря на всю изощренность техники, искусство Вермера Дельфтского. Подлинных произведений Вермера мало, только немногие музеи обладают небольшими и всегда драгоценными картинами Дельфтского мастера. Тематика Вермеера более или менее традиционна; молодые женщины за чтением письма, вышиванием, в обществе кавалера, живописец перед мольбертом, просто мечтающая у окна девушка («Девушка с письмом», Дрезден; «Кавалер и дама у спинет» и т.д.) - словом, все то, что уже не раз изображалось голландскими живописцами. В отношении тематики, в узком смысле слова, у Вермеера нет ничего оригинального. Лишь в редких случаях он обращается к занимательным сюжетам и вносит в композицию элемент действия («У сводни», 1656, Дрезден). Тем не менее, все его образы имеют вполне индивидуальный характер. Какая-то легкая и светлая поэтичность есть во всех изображаемых им персонажах, и наряду с этой поэтичностью и мягкостью особое чувство суровой простоты, что-то подлинно классическое лежит печатью на всех его произведениях.
Вермер, несомненно, один из крупнейших колористов в истории западноевропейского искусства. Не только его тонкий вкус в выборе цветов, но и умение находить их отношения друг к другу делают Вермера одним из самых изысканных мастеров цвета. С предельным чувством меры и такта соединяет он лимонно-желтые, голубые, фиолетовые самых разнообразных оттенков, алые и бледно-зеленые краски в одну звучную тональную гамму. Именно в творчестве Вермера Дельфтского традиционная для голландского искусства проблема света получила свое наиболее совершенное решение. Переливающийся перламутровый свет является одной из характернейших особенностей картин дельфтского мастера. Несомненно, также, что Вермер Дельфтский был одним из наиболее совершенных техников своего времени. Его немногочисленные картины написаны в богатой и разнообразной фактуре. Его способ наложения краски, предопределив позднейшую технику импрессионистов, дал возможность самому Вермеру изображать окутывающий предметы свет во всей его живописной конкретности. Свет в картинах Вермера не просто прозрачная среда, а воздух, богатый тончайшими переходами серебристых тонов.
Вермер делал то, чего никто не делал в 17 в.: он писал пейзажи с натуры («Улочка», «Вид Дельфта»). Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи. Зрелое, классическое в своей простоте искусство Вермера имело огромное значение для будущих эпох.
Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры 17 в. явл-ся творчество Рембрандта. Но значение Р., как всякого гениального художника, выходит за пределы только голландского искусства и голландской школы. Занимая в голландской школе эпохи ее высшего расцвета центральное место, Рембрандт стоит все же особняком среди многочисленных художников своей родины. Им остались чужды и широта диапазона художественных интересов Рембрандта и глубокий психологизм его творчества.
Харменс ван Рейн Рембрандт родился в 1606 году в Лейдене и был сыном зажиточного владельца мукомольной мельницы. Он рано обнаружил влечение к живописи и после недолгого пребывания в Лейденском университете всецело отдался искусству. По окончании обычного трехгодичного срока обучения у малозначительного местного художника Якова Сванненбурха Рембрандт отправился для усовершенствования в Амстердам, где стал учеником Ластмана. Ластман, искусный мастер, обучавшийся в Италии, познакомил Рембрандта с эффектом светотени, применяющейся для передачи объемности и раскрытия драматизма действия. Этот прием станет главным в творчестве художника. Последующие годы Рембрандт работает в Лейдене, снискав репутацию мастера библейских и мифологических сцен. Поэтому 1625-1632 годы обычно наз. лейденским периодом его творчества.
В 1632 году он переезжает в Амстердам, где сразу приобретает известность, написав «Урок анатомии доктора Тульпа». 30-е годы – время наивысшей славы, путь к кт открыла для живописца эта картина, кт считается групповым портретом и носит еще одно название «Урок анатомии». На этом полотне люди объединены м/у собой действием, все представлены в естественных позах, их внимание обращено на главное действующее лицо – доктора Тульпа, демонстрирующего у трупа строение мышц. Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленборха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера. В 1634 году Рембрандт удачно женился на племяннице Хендрика Саскии, а к 1639 году вместе с женой приобрел в столице великолепный дом. До начала 1640-х гг. он пользуется большим успехом у заказчиков, это время его личного благополучия. В знаменитом шедевре этого периода - «Автопортрете с Саскией на коленях» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден) Рембрандт изобразил себя с молодой женой за праздничным столом. Нежные переливы золотистых тонов, потоки света, пронизывающие картину, передают радостное настроение молодого и преуспевающего художника и его жены, полных надежд и мечтаний.
Весь этот период овеян романтикой. Живописец как бы специально стремится в своем творчестве уйти от тусклой бюргерской повседневности. Он пишет себя и Саскию в роскошных нарядах, в фантастических нарядах и головных уборах, создавая эффектные композиции, во всем, в позах, в движениях превалирует общее – радость бытия. (Саския в образе Флоры). Язык барокко наиболее близок выражению этого приподнятого настроения. Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.
В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины «Жертвоприношение Авраама» (1635). В картине прослеживается душевное состояние Авраама, не успевшего при внезапном появлении ангела почувствовать ни радости избавления от страшной жертвы, ни благодарности, а испытывающий пока лишь усталость и недоумение.
Рембрандт всегда уделял большое внимание офорту (гравюра) и рисунку, и вскоре стал крупнейшим мастером графической техники в Европе. Исполненные им в технике офорта портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены отличались новизной художественных приемов, глубоким психологизмом образов, богатством светотени, выразительностью и лаконизмом линий. До нас дошло около двух тысяч рисунков Рембрандта. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, зарисовки сцен повседневной жизни и рождающихся в его воображении замыслов.
На рубеже раннего периода творчества предстает одно из самых знаменитых его картин «Ночной дозор» - групповой портрет стрелковой гильдии. Но групповой портер – это формальное название произведения, вытекающее из желания заказчиков. В "Ночном дозоре" Рембрандт по-новому решает традиционный для голландского искусства жанр группового портрета. Картина (1642, Рейкс Мюзеум, Амстердам) представляет собой групповой портрет членов стрелковой гильдии капитана Баннинга Кока и решена художником как реальная сцена на улице. Рембрандт отказался от принятого в то время статичного расположения всех участников, создав сцену, полную движения. Контрасты света и тени, эмоциональность живописи передают взволнованность события. Картина приобретает исторический характер, повествуя о мужественных людях, готовых с оружием в руках отстоять свободу и национальную независимость своей родины. Заказчики не поняли замысла художника, и, начиная с этой картины конфликт с господствующей средой будет усиливаться, но он не уменьшит энергии мастера, и Рембрандт по-прежнему будет создавать реалистические полотна, замечательные по силе эмоционального воздействия. Эффектная, несомненно, несколько театральная, свободная композиция, как уже говорилось, не ставила своей целью представить каждого из заказчиков. Многие лица просто плохо «прочитываются» в резкой светотени, в контрастах густых теней и яркого солнечного света, на кт выходит отряд (в 19 в. картина так потемнела, что ее считали изображением ночной сцены, отсюда и неправильное название. Тень, ложащаяся от фигуры капитана на светлую одежду лейтенанта, доказывает, что это не ночь, а день). Непонятным и нелепым казалось зрителю появление в этой сцене посторонних, особенно маленькой девочки в золотисто-желтом платье. Все здесь вызывало недоумение и раздражение публики и можно сказать, что с этой картиной начинается конфликт художника и общества. Со смертью Саскии в этом же году происходит естественный разрыв Рембрандта с чуждыми ему бюргерскими кругами.
С годами углубляется реалистическое мастерство Рембрандта. Он отказывается от лишних подробностей и декоративных эффектов в пользу большей глубине и эмоциональной напряженности художественного образа. Очень большое место в творчестве художника начинает занимать камерный портрет. Рембрандт раскрывает духовную жизнь человека, словно длящуюся во времени и прстранстве. Это своего рода портреты-биографии. Таковы, например, «Портрет старушки», «Хендрикье у окна», «Читающий Титус», портреты друзей художника Н.Брейнинга, Я.Сикса, многочисленные автопортреты (более сотни маслом и углем).
40-50-е гг. – это пора творческой зрелости. Это время сложения его творческой системы, из кт многое уйдет в прошлое и кт будут обретены новые, неоценимые качества. Он часто в этот период обращается к прежним произведениям, чтобы их переделать по-новому. Так было с «Данаей», кт он написал еще в 1636 г. Обращаясь к картине в 40-е г., художник усилил эмоциональное состояние. Он переписал заново центральную часть с героиней и служанкой. Придав Данае новый жест поднятой руки, он сообщил ей большую взволнованность, выражение радости, надежды, призыва. Огромную роль играет свет: световой поток как бы окутывает фигуру Данаи, она вся светится любовью и счастьем, этот свет воспринимается как выражение человеческого чувства.
В начале 50-х годов художник создает один шедевр за другим. Он уже вышел из моды, но богатые заказчики не переводились.
В эти годы он выбирает для трактовки наиболее лирические, поэтичные стороны человеческого бытия, то человеческое, кт извечно и всечеловечно: материнскую любовь, сострадание. Наибольший материал ему дает Священное писание, а из него – сцены жизни святого семейства. Религиозная по характеру тематики, но чисто жанровая по трактовке сюжета, эрмитажная картина «Святое семейство» (1645) чрезвычайно характерна для этого времени.
Наряду с библейски-жанровыми композициями этот период изобилует новым для Рембрандта видом изображения действительности - пейзажами. Отдавая в отдельных случаях дань своим романтическим влечениям, он создает наряду с этим захватывающие строгим реализмом подхода картины неприкрашенной голландской деревни. Маленький «Зимний вид» (1646, Кассель), изображающий в свете ясного морозного дня крестьянский двор и несколько фигур на глади замерзшего канала, по тонкости чувства и правдивости зрительного восприятия служит одним из совершеннейших образцов реалистического пейзажа голландцев.
Несмотря на обширность и художественную ценность созданного за этот период, финансовое положение Рембрандта к середине 1650-х годов оказалось чрезвычайно трудным. Из-за падения числа заказов, трудного сбыта картин и в особенности небрежности мастера в ведении своих дел Рембрандт испытывал большие материальные затруднения. Долг, связанный с приобретением еще при жизни Саскии дорого стоившего дома, грозил полным разорением. Попытки выпутаться из задолженности могли только отстрочить катастрофу, но она все же разразилась. Летом 1656 года Рембрандт был объявлен несостоятельным и все его имущество было продано с аукциона. Лишенный привычного крова, он вынужден был перебраться с семьей в бедный еврейский квартал торговой столицы, и здесь в остро ощущаемом недостатке протекали его последние дни.
Эти невзгоды, как и постигшие Рембрандта затем несчастия - смерть Гендрике, смерть единственного сына Титуса, - были бессильны остановить дальнейший рост его гения.
Конец 1650-х и 1660-е годы - наиболее трагичные годы жизни Р., но они полны грандиозной по силе творческой активности Рембрандта. Она представляет как бы синтез всех его предшествующих психологических и живописных исканий. В этих картинах все очищено от преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, тщательно продуманы и осмыслены жесты, позы, наклон головы. Фигуры укрупнены, приближены к передней плоскости холста. Даже небольшие по размеру произведения этих лет создают впечатление необыкновенного величия и истинной монументальности. Главными выразительными средствами явл-ся свет и линии. Было бы вернее сказать про позднего Р., что его цвет «светозарен», потому что в его полотнах свет и цвет едины, его краски как будто излучают свет. Это сложное взаимодействие цвета и света не самоцель, им создается определенная эмоциональная среда и психологическая характеристика образа.
В портретах Рембрандт оказывается теперь свободнее при выборе моделей и пишет по преимуществу лица с ярко выраженной индивидуальностью. Это главным образом пожилые женщины и старики-евреи. Но с той же остротой он оказывается в состоянии передавать очарование молодого женского лица или обаяние юношеского облика. Все мелочное уступает в этих портретах обобщенной, но вместе с тем необычайно острой подаче образа. Этому в значительной мере способствует возрастающая широта манеры технического выполнения.
Завершающим в истории группового портрета было изображение Рембрандтом старейшины суконного цеха – т.н. «Синдики» (1662, Амстердам). заслуженно считается одной из вершин творчества Рембрандта). Острая психологическая характеристика, простота построения, скрадывающая непогрешимость ритма линий и масс, равно как и скупой по количеству цветов, но интенсивный колорит суммируют в себе весь предшествующий путь Рембрандта-портретиста.
В годы зрелости (50-е г.) Рембрандт создал свои лучшие офорты. Отличающие Рембрандта глубина психологического анализа, выразительный реализм образов и совершенство владения художественной техникой сказались в длинном ряде замечательных листов, тематически еще более разнообразных, чем живопись мастера. К числу особенно знаменитых принадлежат «Христос, исцеляющий больных» (так называемый «Лист в сто флоринов», ок. 1649 г.), «Три креста» (1653), портреты Лутмы (1656), Харинга (1655), Сикса (1647), а также пейзажи, известные под названием «Три дерева (1643) и «Поместье весовщика золота» (1651).
Не менее значительное место в графическом наследии Рембрандта занимают рисунки. Острота и своеобразие рембрандтовского восприятия окружающего мира сказались в этих многочисленных и разнообразных листах с особой силой. Манера рисовать, как и живописная манера Рембрандта, заметно эволюционирует на всем протяжении творческого развития мастера. Если ранние рисунки Рембрандта проработаны в деталях и довольно сложны по композиции, то в более зрелый период он выполнял их широкой живописной манерой, необычайно лаконично и просто. Рембрандт обычно рисовал гусиным или тростниковым пером и умел достигать при помощи самых простых приемов исключительной силы выразительности. Р. оставил после себя 2000 рисунков. Его рисунки, даже тогда, когда они являются минутными зарисовками какого-нибудь обыденного мотива, представляют собой законченное целое, вполне передающее все многообразие натуры.
Эпилогом творчества Р. можно считать его грандиозное полотно «Возвращение блудного сына» (около 1668-1669, Эрмитаж), в кт с наибольшей полнотой проявилась эстетическая высота и живописное мастерство художника. Евангельскую притчу о юноше, который ушел из дома, растратил состояние и жалким, оборванным, униженным вернулся к отцу, художник наполняет глубоко человеческим содержанием. Благородная идея любви к страдающему человеку раскрыта здесь в поразительных по жизненной убедительности образах. Лицо старого полуслепого отца и жест его рук выражают бесконечную доброту, а фигура сына в грязном рубище, прильнувшая к отцу, - искреннее и глубокое раскаяние. Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не вызывает столько глубоких и сострадательных чувств. Рембрандт учил своих зрителей любви и прощению. В дальнейшем, в последние годы и месяцы, жизнь Рембрандта протекает внешне спокойно. Пережив Хендрикье и Титуса он умер 4 октября 1669 года.
Р. имел огромное влияние на искусство. Не было в Голландии его поры живописца, кт бы не испытал на себе воздействие великого художника, из которых наибольшую известность приобрели Фердинанд Боль (1616-1680), Гербранд ван ден Экгоут (1621-1674) и Арт де Гельдер (1645-1727). Усвоив тематику, композиционные приемы и типы учителя, они не пошли все же в своей фигурной живописи дальше внешнего подражания рембрандтовским приемам. Живое влияние мастера, напротив того, определенно сказалось у многочисленных примыкающих к нему пейзажистов - Филипса Конинка (1619-1688), Доомера (1622-1700) и других. Но большинство изменило ему, перейдя на позиции академизма и подражания модным тогда фламандцам, а затем, французам.
Как это часто бывает в истории искусства, не смотря на свой гениальный талант, Рембрандт умер в бедности и одиночестве, забытым, никому не нужным мастером. Но чем дальше бежит время, тем ценнее в глазах человечества наследие художника. Можно без преувеличения сказать, что Рембрандт - один из самых величайших художников в истории мирового искусства. Многие назвали бы его непревзойденным. Могила Рембрандта затерялась, но работы его будут жить в веках.
В последней четверти 17 в. начинается упадок голландской живописи, потеря ее национальной самобытности, а с нач. 18 в. наступает конец великой эпохи голландского реализма.
Голландия подарила нам огромное количество самых известных, самых величайших художников за всю историю искусства. Голландия и Фландрия XV — XVII вв. была настоящей плодородной почвой для живописцев. Сейчас мы знаем их как великих голландских художников , великих нидерландских и фламандских художников. Их так много, что перечислять их сложно даже в письменном варианте. Каждый уважающий себя музей считает своим долгом приобретение для экспозиции полотна художников прошлого, выходцев из этих мест. Можно сказать, что они стали основоположниками многих жанров живописи, разработали особые техники изображения, пользуются которыми даже в наше время. Нидерландская школа живописи являлась одной из сильнейших в Европе. Вот лишь некоторые имена, которые известны на весь мир и которые знают даже те, кто вовсе не интересуется мировой живописью: , семейство Брейгелей, Ян Вермеер, Питер де Хох, Хуго ван дер Гус, Паулюс Поттер, Брауэр Адриан, Ян ван Эйк и многие-многие другие. Даже сложно себе представить, как бы выглядело искусство живописи, графики, если бы не было этого богатого художниками пласта в истории человечества.
Адриан ван Остаде. Торговка рыбой
Иероним Босх. Искушение святого Антония
Паулюс Поттер. Молодой бык
Питер де Хох. Дворик в Дельфте
Питер Клас. Натюрморт с крабом
Рембрандт. Ночной дозор
Франс Халс. Цыганка
Хуго ван дер Гус. Грехопадение
Ян Вермеер. Сводница
Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу
Хотите пополнить коллекцию вашего фотоальбома профессиональными снимками? Для проведения семейных и детских фотосессий вас приглашает Family-studio . Профессионалы своего дела сделают такие фото, которые станут настоящим украшением для любого альбома.
Голландская живопись - картины 17 века
Значительной особенностью голландского искусства было существенное превалирование во всех его видах живописи. Представители высших эшелонов власти небогатые бюргеры, ремесленники и крестьяне украшали свои дома картинами. Их продавали на аукционах и ярмарках; художники иногда даже использовали их в качестве средства для уплаты счетов.
Дорога в лесу, Мейндерт Хоббема, 1670
Живописцев было с избытком, и существовала достаточно жёсткая конкуренция, так как профессия художника была распространенной. Живописью не многие могли заработать себе на хлеб. Большинству художников приходилось выполнять самую разную работу: Якоб ван Рёйсдал был врачом, Мейндерт Хоббема работал акцизным чиновником, а Ян Стен - трактирщиком.
В XVII веке голландская живопись стремительно развивалась не только благодаря растущему спросу желающих украсить свои дома картинами, но и в связи с тем, что на них начали смотреть как на товар, средство спекуляций и источник наживы. Художник полностью зависел от веяний рынка, освободившись от таких прямых заказчиков как влиятельные покровители (феодалы) и католическая церковь. Пути развития голландского общества определились, а художники, которые выступали против них и отстаивали свою независимость в плане творчества, становились изолированными и преждевременно умирали в одиночестве и бедности. В большинстве случае это были как раз наиболее талантливые художники, такие как Рембрандт и Франс Хальс.
Голландские живописцы в основном изображали окружающую реальность, которую художники иных школ живописи не отображали столь полно. Главное место в усилении реалистичных течений занимали портреты, бытовой жанр, натюрморты и пейзажи, так как художники обращались к разнообразным жизненным сторонам. Они настолько глубоко и правдиво изображали раскрывающийся перед ними настоящий мир, настолько впечатляющими были их произведения.
Ян Стен, Встреча с гуляками, 1679
Свои течения существовали в каждом жанре. Среди изображающих пейзажи были художники-маринисты и живописцы, которые предпочитали равнины или леса, также встречались мастера зимних пейзажей и видов с изображением лунного света. Среди художников-жанристов выделялись те, которые изображали мещан и крестьян, сцены домашнего быта и гулянок, базаров и охоты. Имелись также художники, специализировавшиеся на церковных интерьерах и различных видах натюрмортов, как например: «лавка», «десерт», «завтрак» и др. На количество выполняемых заданий повлияло такая особенность голландской живописи как ограниченность. Однако виртуозности живописца содействовало то, что каждый художник сосредотачивался на конкретном жанре. Лишь наиболее крупные голландские художники писали в различных жанрах.
Развитие реалистической голландской живописи происходило в борьбе с маньеризмом и направлением, которое подражало итальянскому классическому искусству. Формально заимствованные у итальянских художников, представителями этих направлений, приемы были крайне неестественными для традиций национальной голландской живописи. Реалистичные течения более ярко проявились в бытовом жанре и портретах в период развития голландской живописи, который охватывает 1609-1640 года.
Якоб ван Рёйсдал (1628-1682 гг.) был выдающимся мастером в жанре пейзаж (писали классический голландский пейзаж - пустынные дюны, знаменитые ветряные мельницы, лодки с каналами, конькобежцев, а не природу в общем), художником безграничной фантазии («Водопад», «Лесное болото», «Еврейское кладбище»). Срисовывая старательно натуру, Рёйсдаль в то же время достигает монументальности.
Мельница в Вейк-бей-Дюрстеде. 1670. Рейксмузей. Амстердам, Якоб ван Рёйсдал
Одним из наиболее талантливых портретистов этой эпохи можно назвать Франса Хальса (прибл. 1585-1666 гг.). Он создал множество групповых портретов как, например изображения стрелковых гильдий (объединение офицеров для охраны городов и обороны). Бюргеры хотели запечатлеть себя, а художнику при этом стоило не забывать о почтительном отношении к каждой модели. В этих картинах привлекает отображение идеалов молодой республики, товарищества, равноправия и чувства свободы. На зрителя с полотен смотрят люди уверенные в себе и завтрашнем, полные энергии («Стрелецкая гильдия святого Георгия», «Стрелецкая гильдия святого Адриана»). Естественно они изображены за дружным застольем. Благодаря индивидуальному стилю художника - широкому, уверенному, с насыщенными, яркими цветами (красным, жёлтым, синим и др.) - из этих отдельных лиц складывается художественный документ эпохи.
Портрет Стефана Герадса, 1652, Королевский музей, Антверпен
Много безрассудного рвения, напора, неуёмной энергии и в индивидуальных портретах с очертаниями жанровой картины. Это исчезает в поздних портретах. К примеру, в эрмитажном мужском портрете видна грусть и усталость героя Хальса при всей импозантности и даже чванливости. Эти черты ещё больше усилены в другом портрете (изображение мужчины в широкополой шляпе). В этот поздний период Хальс достигает верхней ступени мастерства, тона в его работах приобретают монохромность (обычно темная, чёрная одежда, с белым воротничком и манжетами, и тёмно-оливковым цветом фона). При всей лаконичности живописной палитры, она основывается на чрезвычайно тонких градациях.
Творчество Рембрандта ван Рейна (1606-1669 гг.) стало финальным достижением голландского искусства XVII века и вершиной его реализма.
От: Артёменко Алёна, 25391 просмотров
История любой страны находит своё выражение в искусстве, и особенно показательна эта закономерность на примере живописи. В частности, на примере живописи Нидерландов, переживших революцию, которая сильно повлияла на дальнейшую судьбу некогда единого государства. В результате революции в XVII столетии Нидерланды поделились на две части : на Голландию и Фландрию (территория современной Бельгии), которая осталась под властью Испании.
Историческое развитие их пошло разными путями , равно как и культурное. А значит, стало возможным разделение некогда общего понятия нидерландской живописи на голландскую и фламандскую.
Голландская живопись
Культура Голландии XVII века — живое олицетворение торжества государства, получившего независимость. Художники, окрылённые вкусом свободы, наполнили это время пафосом социального, духовного обновления и впервые обратили пристальное внимание на окружающую их обстановку — природу, человеческий образ. Голландские жанристы вдохновляются обыденностью, мелкими будничными эпизодами, что и становится одной из характерных черт голландского реализма.
К тому же основными заказчиками искусства становились не только представители элитной верхушки, но и торговцы, крестьяне. Это отчасти и повлияло на развитие живописи как предмета интерьера, а также способствовало возрастанию общественного интереса к темам обыденной жизни.
Искусство Голландии XVII века славится разветвлённой жанровой системой живописи.
К примеру, среди пейзажистов были маринисты, художники, изображавшие виды равнинных мест или лесные чащи, также были мастера зимних пейзажей или картин с лунным светом; были жанристы, специализирующиеся на фигурах крестьян, бюргеров, на сценах домашнего быта; были мастера различных видов натюрмортов - «завтраков», «десертов» , «лавок».
Строгое сосредоточения живописца на одной подсистеме жанра способствовало детализации и совершенствованию всей голландской живописи в целом.
XVII век — это воистину золотая эпоха голландской живописи.
Художественные особенности
Свет и тонкое чувство цвета играют в картинах голландских художников главную роль.
К примеру, как в картинах Рембрандта — художника, ставшего олицетворением целой эпохи живописи Голландии. Рембрандт не боялся реалистичных деталей , противоречащих канонам изображения действительности, и оттого среди современников прослыл «живописцем уродства».
Рембрандт впервые придал особое значение игре света, что позволило ему изобрести отличную от остальных манеру письма. По словам Андре Фелибьена, «…часто он всего лишь наносил широкие мазки кистью и накладывал густыми слоями краски одну за другой, не давая себе труда сделать более плавными и мягкими переходы от одних тонов к другим».
«Возвращение блудного сына», 1666-1669
Ян Вермеер (Вермеер/Вермер Делфтский) – живописец гармонии и ясности видения мира. Известный силой своих образных решений и тенденцией к изображению опоэтизированной атмосферы обыденности, он уделял особое внимание красочному нюансу , что позволяло передать характер световоздушного пространства.
«Молодая женщина с кувшином воды», 1660-1662
Якоб ван Рёйсдал писал монументальные пейзажи в холодных тонах , которые воплотили его тонкое чувство драматичной и даже мрачной изменчивости мира .
«Еврейское кладбище», 1657
Альберт Кейп прославился необычным взглядом на композицию пейзажа – у него она дана, как правило, с низкой точки зрения, что позволяет передать обширность обозреваемого пространства.
«Коровы на берегу реки», 1650
Франс Халс (Гальс/Хальс ) известен выдающимися жанровыми и групповыми портретами , привлекающими своей характерностью.
«Цыганка», 1628-1630
Фламандская живопись
Во Фландрии культурный фон заметно отличался от Голландского. Феодальное дворянство и католическая церковь по-прежнему играли главную роль в жизни страны, являясь основными заказчиками искусства. Поэтому главными видами работ фламандской живописи оставались картины для замков, для городских домов богачей и величественные алтарные образа для католических церквей. Сцены античной мифологии и библейские сюжеты, огромные натюрморты, портреты именитых заказчиков, изображение пышных празднеств — основные жанры искусства Фландрии XVII в.
Фламандское искусство барокко (жизнерадостное, материально-чувственное, пышное в изобилии форм) сложилось из черт итальянского и испанского Возрождения в преломлении своего национального колорита, особенно проявившего себя в живописи.
Фламандская живость отличается монументальностью форм, динамичным ритмом и торжеством декоративного стиля. Особенно ярко это проявлялось в творчестве Питера Пауля Рубенса, ставшего центральной фигурой фламандской живописи.
Его стиль характеризуется пышным, ярким изображением крупных тяжёлых фигур в стремительном движении. Рубенсу свойственны тёплые богатые краски, резкие контрасты света и тени, общий дух победоносного праздника. Эжен Делакруа говорил:
«Его главное качество, если предпочесть его многим другим, — это пронзительный дух, то есть пронзительная жизнь ; без этого ни один художник не может быть великим… Тициан и Паоло Веронезе кажутся рядом с ним ужасно смирными».
Всё присущее его кисти и стало общими чертами целой школы.
«Союз Земли и Воды», 1618
Искусство Якоба Йорданса привлекает жизнерадостностью, монументальностью , но при этом и искренней непосредственностью – любовь Йорданса к изображению богатых пиршеств (неоднократное повторение сюжета «Бобового короля» тому подтверждение. Кстати, бобовым королем на пирах избирали любого нашедшего в своем куске пирога запечённый боб) и героев христианских легенд как пышущих здоровьем фламандцев воплощает дух культуры Фландрии XVII века.
«Праздник бобового короля», 1655
Антонис Ван Дейк – портретист, создавший тип аристократического портрета, исполненного тончайшим психологизмом, выраженным во внимании к динамике силуэта и общей экспрессивности типажей.
«Портрет Карла I на охоте», 1635
Франс Снейдерс известен изображением чувственной природы вещей, представленной красочностью и монументальностью декоративных натюрмортов, анималистических полотен.
«Фруктовая лавка», 1620
Ян Брейгель Младший – внук художника Питера Брейгеля Старшего, запомнившийся умелым смешением пейзажа и бытовой живописи, пейзажа и аллегоричных мифологических сюжетов, а также талантливой передачей эффекта панорамы из-за высокого расположения горизонта.
«Флора на фоне пейзажа», 1600-1610
Основные различия голландской и фламандской живописи
- В Голландии главным заказчиком искусства становится рабочий слой населения, во Фландрии — королевский двор и знать.
- Сюжеты. Разные заказчики просят разного. Простой народ заинтересован в картинах, изображающих окружающую обыденность, среди знати ожидаемо востребованы античные и библейские сюжеты, демонстрация роскоши .
- Манера письма. Характерной чертой голландской живописи становится тонкое чувство светотени. Отныне это главный инструмент, позволяющий облагородить изображение неприглядной реальности. Во фламандской живописи центральное положение занимают характерные для барокко средства художественной выразительности — пышность форм, блестящий колорит, изобилие и роскошь .
Конец эпохи голландской и фламандской живописи можно назвать схожим — под воздействием влияния французских вкусов и воззрений и голландское, и фламандское национальное сознание постепенно слабеет, а оттого понятие фламандской и голландской живописи становится историческим прошлым.
События XVII века в Голландии и Фландрии подарили миру выдающихся авторов и свежий взгляд на общее развитие тенденций мировой живописи.
Источники:
1. Малая история искусств. Западноевропейское искусство XVII.
2. Фламандское и голландское искусство XVII в. Как два полюса мироощущения суток // banauka.ru/6067.html.
3. Эпоха искусства Возрождения в Нидерландах // http://m.smallbay.ru/article/later_renaiss_niderland.html.
В XVII веке голландская школа живописи стала одной из ведущих в Европе. Именно здесь, впервые в истории мирового искусства, объекты окружающей действительности оказались источником творческого вдохновения, и художественного замысла. В голландском искусстве этого времени завершилось формирование целой системы жанров, которое началось еще в эпоху Возрождения. В портретах, бытовых картинах, пейзажах и натюрмортах художники с редким мастерством и теплотой передавали свои впечатления от окружающей природы и незатейливого быта. В них нашел отражение собирательный облик Голландии — молодой республики, отстоявшей независимость в войне с Испанией.
«Утро молодой дамы». 1660 г. Франс Мирис Старший. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
Картины художников на бытовые темы (или жанровые картины) изображавшие человека в привычной, повседневной обстановке, отражали устоявшиеся формы быта, пове-дения и общения людей, принадлежащих к различным со-словиям голландского общества. Предназначенные для укра-шения интерьеров домов купцов, ремесленников или зажиточных крестьян, картины голландских художников были невелики по размерам. Художники зарабатывали продажей картин, которые писались с учетом возможности детального просмотра с близкого расстояния. Это, в свою очередь, породило особенно тщательную, тонкую манеру письма.
«Общество на террасе». 1620 г. Эсайс Ван Де Вельде. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
На протяжении 17 века, жанровая живопись Голландии претерпела значительную эволюцию. В период ее становления, в начале столетия, были распространены сюжеты на темы отдыха, развлечений молодых богатых голландцев, или сцены из жизни офицеров. Такие картины получили названия «банкетов», «обществ», «концертов». Их живопись отличалась пестротой цвета, повышенно радостным тоном. К про-изведениям подобного рода принадлежит картина «Общество на террасе» Эсайаса ван де Вельде.
К началу 30-х годов произошло завершение формирования голландской жанровой картины. Многолюдные «общества» уступили место малофигурным композициям. Большую роль стало играть изображение среды, окружающей человека. Наметилось разделение жанровой живописи по социальному признаку: сюжеты на темы из жизни буржуазии, и сцены из жизни крестьян и городской бедноты. И те и другие картины предназначались для украшения интерьера.
«Драка». 1637 г. Адриан Ван Остаде. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
Одним из наиболее известных художников, работавших «крестьянском жанре», был Адриан ван Остаде. В ранний период творче-ства, изображение крестьян в его картинах отличалось подчеркнутой комичностью, иногда доходящей до карикатуры. Так, в картине «Драка», освещенные резким светом дерущиеся, кажутся не живыми людьми, а марионетками, лица которых по-добны маскам, искаженным гримасами злобы. Противопоставление холодных и теплых цветов, резкие контрасты света и тени еще более усиливают впечатление гротескности сцены.
«Деревенские музыканты». 1635 г. Адриан Ван Де Остаде 1635 г. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
В 1650-х годах в живописи Адриана Остаде произошли изменения. Художник обратился к более спо-койным сюжетам, изображая человека во время при-вычных занятий, чаще всего в минуты отдыха. Такова, на-пример, интерьерная картина «Деревенские музыканты». Остаде умело передает сосредоточенность увлеченных своим занятием «музыкантов», с едва заметным юмором изображая наблюдающих за ними в окно детей. Разнообразие и мягкость светотеневой игры, зеленовато-коричневая ко-лористическая гамма объединяют людей и их окружение в единое целое.
«Зимний вид». 1640 г. Исаак Ван Остаде. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
В «крестьянском жанре» работал и рано умерший брат Адриана — Иcаак ван Остаде. Он изображал жизнь сельской Голландии, в природе которой человек ощущал себя как дома. В картине «Зимний вид» представлен типичный голландский пейзаж с серым, тяжело нависшим над землей небом, замерзшей рекой, на берегу которой расположена деревня.
«Больная и врач». 1660 г. Ян Стен. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
Жанровую тему искусства братьев Остаде продолжил Ян Стен, талантливый мастер, с чувством юмора подмечавший характерные подробности быта и взаимоотношений действующих лиц в своих картинах. В картине «Гуляки» на зрителя весело и лукаво смотрит сам художник, сидящий рядом с женой, уснувшей после веселого застолья. В картине «Больная и врач» через мимику и жесты персонажей Ян Стен умело раскрывает сюжет мнимой болезни.
«Комната в голландском доме». Питер Янсенс. Холст, масло. Государственный Эрмитаж
В пятидесятые — шестидесятые годы XVII века тематика жанровых картин постепенно сужается. Меняется образный строй картин. Они становятся спокойнее, камернее, в них появляется больше лирической созерцательности, тихой задумчивости. Этот этап представлен творчеством таких художников как: Питер де Хох , Герард Терборх, Габриэль Метсю, Питер Янсенс. В их работах воплотился поэтичный и несколько идеализированный образ повседнев-ного быта голландской буржуазии, некогда воевавшей за свои права и независимость, и теперь достигшей устойчивого благосостояния. Так, в интерьерной картине «Комната в голландском доме» Питера Янсенса изображена залитая солнечным светом уютная комната с играющими на полу и на стенах солнечными зайчиками, в картине «Старушка у камина» Якоба Вреля — погруженная в мягкий полумрак комната с камином. Выбор композиции в работах обоих художников подчеркивает единство человека и окружающей его среды.
«Бокал лимонада». 1664 г. Герард Терборх. Хост (перевод с дерева), масло. Государственный Эрмитаж
В эти годы голландские жанристы впервые попытались отразить в работах глубину внутренней жизни человека. В происходящих ежедневно жизненных ситуациях они нашли возможность отразить разнообразный мир тончайших пережива-ний. Но, увидеть это можно лишь при внимательном и тщательном рассматривании картины. Так, в картине Герарда Терборха «Бокал лимонада» едва уловимый язык жестов, прикосновений рук, встреч взглядами раскрывает целую гамму чувств и взаимоотношений персонажей.
«Завтрак». 1660 г. Габриэль Метсю. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
Предметный мир начинает играть большую роль в жанровых картинах этого периода. Он уже не только характеризует материальную и эмоциональную среду жизни человека, но и выражает многообразие взаимосвязей человека с окружающим миром. Набор предметов, их расположение, сложная система символов, а также жесты персонажей — все играет свою роль в создании образного строя картины.
«Гуляки». 1660 г. Ян Стен. Дерево, масло. Государственный Эрмитаж
Голландская жанровая живопись не отличалась широким разнообразием сюжетов. Художники огра-ничивались изображением лишь определенного круга персонажей и их занятий. Но, с их помощью, голландская жанровая живопись смогла передать достоверный образ нравов, обычаев, и представлений о жизни человека XVII века.
При подготовке публикации были использованы материалы из открытых источников.
