Импрессиони́зм (фр. impressionnisme , от impression – впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приёмы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приёмов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений

Задачей художника в то время было максимально правдоподобное изображение реальности, не показывающее субъективные ощущения художника. Если ему заказывали парадный портрет — то нужно было показать заказчика в выгодном свете: без уродств, глупого выражения лица и т.п. Если религиозный сюжет — то нужно было вызвать ощущение благоговения и изумления. Если пейзаж — то показать красоту природы. Однако если художник презирал богача, который заказал портрет, или был неверующим, то выбора не было и оставалось только вырабатывать свою уникальную технику и надеяться на удачу. Однако во второй половине девятнадцатого века начала активно развиваться фотография и реалистическая живопись начала постепенно уходить в сторону, так как даже тогда было крайне сложно передать реальность настолько правдоподобно, как и на фотографии.

Во многом с появлением импрессионистов стало ясно, что искусство может представлять ценность, как субъективное представление автора. Ведь каждый человек воспринимает реальность по разному и реагирует на неё тоже по-своему. Тем интереснее посмотреть, как в глазах разных людей отражается действительность и какие эмоции они при этом испытывают.

У художника появилось невероятное количество возможностей для самовыражения. Более того, само по себе самовыражение стало гораздо свободнее: взять нестандартный сюжет, тему, рассказать что-то кроме религиозных или исторических тем, использовать свою уникальную технику и т.д. Например импрессионисты хотели выразить мимолётное впечатление, первую эмоцию. Именно поэтому их работы расплывчаты и как будто недоработаны. Это делалось для того, чтобы показать мнгновенное впечатление, когда ещё объекты не оформились в сознании и видны только лёгкие переливы света, полутона и расплывчатые контуры. Близорукие люди меня поймут) представьте, что вы ещё не разглядели предмет целиком, видите его издалека или просто не вглядываетесь, но уже сформировать о нём какое то впечатление. Если попытаться это изобразить, то вполне вероятно у вас получится что то вроде картин импрессионистов. Что то роде наброска. Потому и получилось, что для импрессионистов важнее было не то что изображено, а как.

Основными представителями этого жанра в живописи были: Моне, Мане, Сислей, Дега, Ренуар, Сезанн. Отдельно нужно отметить Умльяма Тёрнера, как их предшественника.

Говоря о сюжете:

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Цветовые схемы

Импрессионисты уделяли огромное внимание цвету, принципиально отказываясь от мрачных оттенков, особенно от чёрного. Такое внимание к колористике своих работ вывело цвет сам по себе на очень важное место в картине и подтолкнуло дальнейшие поколения художников и дизайнеров внимательно относиться к цвету как к таковому.

Композиция

Композиция у импрессионистов напоминала японскую живопись, использовались сложные композиционные схемы, другие каноны (не золотое сечение или центр). В целом строение картины стало чаще ассиметричным, более сложным и интересным с этой точки зрения.

Композиция у импрессионистов стала иметь более самостоятельное значение, она стала одним из предметов живописи, в отличие от классической, где она несла чаще (но не всегда) роль схемы, по которой строилось любое произведение. В конце 19 века стало понятно, что это тупик, и композиция сама по себе может нести определённые эмоции и поддерживать сюжет картины.

Предтечи

Эль Греко — потому что использовал похожие техники в нанесении краски и цвет у него приобретал символическое значение. Также он отличился очень оригинальной манерой, индивидуальностью, к чему также стремились импрессионисты.

Японская гравюра — потому что приобрела большую популярность в Европе тех лет и показала, что картина может строится совсем по другим правилам, нежели классическим канонам европейского искусства. Это касается композиции, использования цвета, деталировки и т.п. Также в японских и вообще восточных рисунках и гравюрах гораздо чаще изображались бытовые сцены, чего почти не было в европейском искусстве.

Значение

Импрессионисты оставили яркий след в мировом искусстве, разработав уникальные техники письма и оказав огромное влияние на все последующие поколения художников своими яркими и запоминающимися работами, протестом по отношению к классической школе и уникальной работе с цветом.Стремясь к максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской.

Последовательно просветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых и коричневых лаков и красок. Условная, «музейная» чернота в их полотна уступает место бесконечно многообразной игре рефлексов и цветных теней. Они неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв не только мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. Не следует, однако, полагать, что живописи их было свойственно только «пейзажное» восприятие действительности, в чем их нередко упрекали. Тематический и сюжетный диапазон их творчества был достаточно широк. Интерес к человеку, и в особенности к современной жизни Франции, в широком смысле был присущ ряду представителей этого направления. Его жизнеутверждающий, демократический в своей основе пафос отчетливо противостоял буржуазному миропорядку.

Вместе с тем импрессионизм и, как мы увидим далее, постимпрессионизм — это две стороны, или, вернее, два последовательных временных этапа того коренного перелома, который положил рубеж между искусством Нового и Новейшего времени. В этом смысле импрессионизм, с одной стороны, завершает развитие всего после ренессансного искусства, ведущим принципом которого было отражение окружающего мира в зрительно достоверных формах самой действительности, а с другой — является началом крупнейшего после Ренессанса переворота в истории изобразительного искусства, заложившего основы качественно нового его этапа —

искусства ХХ века.

ИМПРЕССИОНИЗМ (фр. impressionnisme, от impression – впечатление) – направление в искусстве конца 1860-х – начала 1880-х годов, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений. Импрессионизм основывался на последних открытиях оптики и теории цвета; в этом он созвучен духу научного анализа, характерному для конца 19 в. Наиболее ярко импрессионизм проявился в живописи, где особое внимание уделялось передаче цвета и света.

Импрессионизм появился во Франции в конце 1860-х годов. Его ведущие представители – Клод Моне , Огюст Ренуар , Камиль Писсарро , Берта Моризо , Альфред Сислей и Жан Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуар Мане и Эдгар Дега , хотя стиль их произведений нельзя назвать импрессионистическим. Слово «импрессионизм» происходит от названия картины Моне Впечатление. Восходящее солнце (1872, Париж, музей Мармоттан), представленной на выставке 1874. Название подразумевало, что художник передает только свое мимолетное впечатление от пейзажа. Сейчас термин «импрессионизм» понимается шире, чем просто субъективное видение художника: как тщательное изучение натуры, в первую очередь с точки зрения цвета и освещения. Такая концепция по сути противоположна традиционному, идущему еще от эпохи Возрождения пониманию главной задачи живописи как передачи формы предметов. Целью импрессионистов было изображение мгновенных, как бы «случайных» ситуаций и движений. Этому способствовали асимметричность, фрагментарность композиций, использование сложных ракурсов и срезов фигур. Картина становится отдельным кадром, фрагментом подвижного мира.

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях. Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины, размер мазков варьировался. Иногда, например для изображения ясного неба, они сглаживались кистью в более ровную поверхность (но даже и в этом случае подчеркивалась свободная, небрежная живописная манера). Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Камиль Писсарро, Альфред Сислей и Клод Моне в своем творчестве отдавали предпочтение пейзажам и городским сценкам. Огюст Ренуар писал людей на лоне природы или в интерьере. Его творчество прекрасно иллюстрирует характерную для импрессионизма тенденцию к стиранию граней между жанрами. Такие картины, как Бал в Мулен де ла Галетт (Париж, музей Д"Орсе) или Завтрак гребцов (1881, Вашингтон, галерея Филлипс), представляют собой красочные воспоминание о радостях жизни, городской или деревенской.

Аналогичные поиски передачи световоздушной среды, разложения сложных тонов на чистые цвета солнечного спектра происходили не только во Франции. К импрессионистам причисляют Джеймса Уистлера (Англия и США), Макса Либермана , Ловиса Коринта (Германия), Хоакина Соролья (Испания), К.А.Коровина , И.Э.Грабаря (Россия).

Импрессионизм в скульптуре подразумевает живую свободную моделировку текучих мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности. В позах точно уловлен момент движения, развития; фигуры как будто сняты с помощью скрытой камеры, как, например, в некоторых работах Э.Дега и О.Родена (Франция), Медардо Россо (Италия), П.П.Трубецкого (Россия).

В начале 20 в. в живописи наметились новые тенденции, выразившиеся в отказе от реализма и обращении к абстракции; они стали причиной того, что более молодые художники отвернулись от импрессионизма. Однако импрессионизм оставил богатое наследие: в первую очередь интерес к проблемам цвета, а также пример смелого разрыва с традицией.

Многие искания Мане были подхвачены и развиты группой художников, которые вошли в историю искусства под именем импрессионистов. Импрессионизм - последнее крупное художественное течение в искусстве 19 века - зародился во Франции в 1860-х годах. Его название происходит от французского слова impression -- впечатление. Так назывался пейзаж Клода Моне («Впечатление. Восход солнца», 1872), показанный в 1874 году вместе с работами других молодых французских художников на выставке «независимых» в фотоателье Надара в Париже. Эта была первая выставка импрессионистов, хотя к тому времени ведущие представители импрессионизма были уже вполне сформировавшимися художниками.
Импрессионизм - сложное художественное явление, до наших дней вызывающее нередко противоречивые оценки. Это отчасти объясняется тем, что с ним были связаны художники с ярко выраженной индивидуальностью, часто с весьма несходными творческими исканиями. Однако некоторые важные общие особенности позволяют объединить ряд мастеров французского изобразительного искусства (а также литературы и музыки) в единое течение.
Импрессионизм возник в недрах французского реалистического искусства. Молодые представители этого течения называли себя последователями Курбе. Как и реализм середины 19 века, импрессионизм, особенно на первых этапах своего развития, враждебно противостоял официальному академическому искусству. Художники-импрессионисты отвергались Салоном, их искусство встречало ожесточенные нападки официальной критики.
Вслед за мастерами реализма середины века импрессионисты выступили против мертвенного, оторванного от жизни академического искусства. Своей главной задачей они считали изображение современной действительности в ее разнообразных индивидуальных проявлениях. Они старались запечатлеть самые простые мотивы современной жизни и природы, которые прежде редко привлекали внимание художников. Протестуя против сухости и отвлеченности академического искусства, против его условных штампов и схем, импрессионисты стремились передать всю свежесть своих непосредственных впечатлений от действительности, красочное богатство видимого мира, его разнообразие и изменчивость. Отсюда - характерные для импрессионизма поиски нового творческого метода, разработка некоторых новых средств художественной выразительности. Это прежде всего своеобразное понимание композиции, свободной, непосредственной, как бы случайной, интерес к передаче динамики окружающего мира, наконец, особое внимание к живописным проблемам, к передаче света и воздуха. Выдвигая как обязательное требование работы на плейере, импрессионисты обогатили живопись многими колористическими достижениями, преодолели условность красочной гаммы, характерную для большинства их предшественников, достигли больших успехов в передаче световоздушной среды, воздействия света на цвет. Все это сообщает живописи импрессионистов свежесть и красочное богатство.
Однако, отдавая должное бесспорным реалистическим завоеваниям импрессионистов, нельзя не отметить ограниченность их мировоззрения и метода. Самый подход импрессионистов к изображению действительности таил в себе опасность скольжения по поверхности явлений, отказа от больших жизненных и тем более социальных обобщений. Стремясь прежде всего наиболее непосредственно передать окружающий их мир, импрессионисты придают ведущее значение зрительному впечатлению. Фиксация мимолетных, беглых зрительных ощущений достигает в их творчестве поразительной достоверности, однако она порой подменяет глубокое и всестороннее познание мира. Поэтому, хотя искусство импрессионизма и обогащается новыми сюжетами и мотивами, оно уже не решает больших тем высокого общественного значения. Импрессионисты великолепно передавали природу, напоенную солнцем и воздухом, радужное мерцание красок и переливы света; они запечатлели на своих полотнах пленительную красочность и динамику современной жизни; они открыли художественную ценность многих мотивов действительности; но они оказались неспособными выразить передовые демократические идеалы своего времени. Социальные, а порой и психологические проблемы перестают интересовать этих художников, и их искусство теряет то активное общественное значение, которое имел во Франции прогрессивный романтизм и демократический реализм. Поэтому уже в связи с импрессионизмом можно говорить об элементах кризиса реалистического искусства, которое лишается подлинно демократического содержания и критической остроты.
Идейная ограниченность этого течения явилась главной причиной кратковременности его расцвета. Период подъема импрессионизма относится к 1870-м и началу 1880-х годов. В 1886 году состоялась последняя выставка импрессионистов, но уже до нее в группе наметились значительные расхождения. И хотя в дальнейшем многие видные мастера импрессионизма еще продолжают работать, они или отходят от принципов этого течения, испытывая неудовлетворенность его ограниченностью (Ренуар), или уже не создают ничего принципиально нового. Для кризиса, который переживает импрессионизм с середины 1880-х годов, показательно, в частности, и то, что многие достижения этого течения, доведенные до крайностей, превращаются в свою противоположность. В это время некоторые художники, все более равнодушные к содержанию своего искусства, все силы отдают живописно-техническим исканиям, нередко сочетая их с декоративными тенденциями (К. Моне). Желание как можно более точно передать солнечный свет приводит их к чрезмерному высветлению палитры, стремление запечатлеть вибрацию воздуха - к злоупотреблению системой раздельных мазков. Упорные технические поиски в области света и цвета нередко ведутся в ущерб пластической форме и рисунку. Многие импрессионисты, отказываясь от сюжетной тематической картины, приходят к этюдности, пренебрегая законченной, продуманной, целостной композицией.
К 1886 году все выдвинутые импрессионизмом задачи были решены. Дальнейшее развитие в сфере узких задач этого направления было невозможно, оно настоятельно требовало постановки новых больших тем, более глубоких проблем, а также большей широты и разнообразия творческого метода.
Зародившись и достигнув наиболее полного расцвета во Франции, импрессионизм с конца 1880-х годов получил распространение и в других странах, где к этому течению примкнули многие видные художники.
Эдгар Дега. С импрессионизмом был тесно связан крупнейший французский художник этого времени Эдгар Дега (1834-1917). Он был одним из организаторов и участников почти всех выставок импрессионистов. Однако в этом течении Дега занимает особое место. С импрессионизмом его роднят стремление запечатлеть динамику современной жизни, интерес к передаче света, некоторые живописно-колористические искания. В то же время очень многое в методе импрессионистов было ему глубоко чуждо. В частности, он не одобрял их приверженности зрительному впечатлению, считая слишком пассивным их подход к действительности. Дега отрицал работу на плейере и почти все свои картины создал в мастерской. Обобщая свои наблюдения натуры, художник всегда стремился передать ее существо и характер. «Нельзя представить себе искусство менее непосредственно, чем мое, - говорил Дега. - Моя работа - это результат размышления, изучения мастеров, это дело вдохновения, характера, терпеливого наблюдения».
Дега прошел академическую школу в мастерской Ламотта. Увлечение Энгром и Пуссеном сказалось во многих ранних работах художника, решенных в классицистическом духе («Состязание спартанских юношей и девушек», 1860, Лондон, Национальная галерея). Уже в этих картинах проявляется присущее Дега отточенное мастерство рисунка, интерес к передаче движения, а также стремление обновить академическую живопись острым наблюдением натуры. В дальнейшем Дега обращается исключительно к изображению современной жизни. Характерные особенности мастерства Дега раньше всего проявились в его портретах, многие из которых могут быть названы в числе лучших образцов реалистического портрета нового времени. Они передают модели правдиво и точно, отличаются серьезностью и тонкостью психологических характеристик, своеобразием композиционных решений, классической строгостью рисунка, утонченным мастерством колорита. Среди них можно назвать портрет семьи Беллели (1860-1862, Лувр), женский портрет (1867, Париж, Лувр), портрет отца художника и гитариста Пагана (ок. 1872г., Чикаго, частное собрание) и поражающий смелостью, живостью и непосредственностью решения портрет Лепика с дочерьми («Площадь Согласия», 1873).
Жанровые работы Дега составляют блестящую картину нравов современного Парижа. Тематика их разнообразна и охватывает многие явления современной действительности. Острота наблюдения и внимательное изучение натуры нередко сочетаются в них с едкой иронией и пессимистическим отношением к изображаемому. Дега часто концентрирует свое внимание на малопривлекательных сторонах действительности и передает их с холодной беспощадностью, присущей его скептическому уму. Это свойственно его картинам, изображающим жизнь богемы, посетителей кафе, певиц, выступающих в кафе-концертах. Так, в известной картине «Абсент» 1876, Лувр) Дега удалось с большой реалистической убедительностью и остротой запечатлеть характерную сцену современной жизни и создать выразительные образы двух опустившихся людей.
Излюбленной темой творчества Дега был театр, балет. Художник с равным мастерством изображает и скучные утомительные будни балерин - уроки, репетиции, сцены в уборных, и красочную, праздничную феерию балетных спектаклей. В этих работах сказывается присущее Дега умение уловить и передать часто преходящие, мгновенные, но всегда характерные позы и движения фигур, мимику лиц.
Внимание Дега привлекали и сцены труда. В многочисленных изображениях прачек (Париж, Лувр; Нью-Йорк, частное собрание) художник сумел передать и тяжесть труда и его утомительное однообразие. В этих работах Дега нередко поднимается до социальных обобщений в характерных и остро переданных образах женщин из народа. Правда, в отличие от Домье, ему не свойственно стремление подчеркнуть моральную силу и достоинство простого человека.
Живописная манера Дега развивается от тщательности выполнения в ранних работах к все большей свободе и широте. В своих живописных исканиях он во многом приближается к импрессионистам; его палитра светлеет, он пользуется чистым цветом, накладывает его раздельными мазками или штрихами (в пастелях). Художник проявляет большой интерес к передаче света (преимущественно искусственного) и воздуха. Последнее особенно сказывается во многих изображениях скачек. Однако приблизительность, однообразие и ограниченность манеры импрессионистов были ему несвойственны. Живописные поиски, технические эксперименты, разработку острых и разнообразных колористических решений Дега сочетал со строгим рисунком и большим вниманием к композиции. При всей их живости, неожиданности и непосредственности композиции Дега всегда тщательно продуманы и мастерски построены.
В поздний период творчества Дега работал преимущественно в технике пастели, часто изображая обнаженную натуру. Это обычно женщины, занятые умыванием, расчесыванием волос, выходящие из ванны, одевающиеся. Художник остро фиксирует в этих работах разнообразные, порой неловкие и некрасивые движения человеческого тела, Все эти произведения отмечены высоким и оригинальным мастерством. Однако почти исключительное обращение Дега к изображению обнаженной натуры свидетельствует об известной идейно-тематической ограниченности его позднего творчества.
Кроме картин маслом и пастелей Дега оставил много произведений в графике. Он выполнил также и ряд скульптур (балерины, жокеи с лошадьми, обнаженная натура), главным образом в конце жизни, когда ввиду почти полной потери зрения был лишен возможности работать в живописи.
Дега оказал большое влияние на многих французских художников конца 19 века, в частности на так называемых «художников Монмартра». Наиболее значительным из последователей Дега был Анри Тулуз-Лотрек (1864-1901), острый рисовальщик и тонкий колорист, много работавший в плакате и создавший в ряде литографий выразительные, нередко сатирические, не лишенные критических черт образы парижской богемы.
Пьер Огюст Ренуар. Совсем иной характер имеет творчество Ренуара (1841-1919) - одного из самых видных представителей импрессионизма. В отличие от Дега это был жизнерадостный художник, запечатлевший в своих полотнах поэтические образы современных парижанок и красочные сцены парижской жизни. Ренуар начал свою художественную деятельность как живописец по фарфору. В мастерской Глейра, где он в течение недолгого времени изучал живопись, Ренуар сблизился с К. Моне и Сислеем, разделяя с ними неприятие академической рутины и увлечение Курбе. Влиянием последнего отмечены многие работы Ренуара, выполненные в 1860-х годах, например «Кабачок тетушки Антонии» (1865, Стокгольм, Национальный музей), портрет Сислея с женой (1868, Кельн, Валлраф-Рихарт музей), «Лиза» (1867, Эссен, Музей Фолькванг). Уже в этих ранних работах Ренуар значительное внимание уделяет передаче света и живописно-колористическим проблемам.
Картины, выполненные в конце 1860-х годов, в частности «Лягушатник» (1868-1869, Москва, ГМИИ), знаменуют начало импрессионистического периода в творчестве художника, когда он выполняет свои наиболее известные произведения. В это время (конец 1860-х и 1870-е гг.) он пишет преимущественно портреты и жанровые картины, уделяя некоторое внимание и пейзажу.
Среди портретов Ренуара наиболее удачны детские и женские. Такие его работы, как «Ложа» (1874, Лондон, Институт Курто), «Девушка с веером» (Эрмитаж), «Портрет мадам Шарпантье с детьми» (1878, Нью-Йорк, Метрополитен-Музей), портрет артистки Самари (1877, Москва, ГМИИ), воссоздают характерные образы современных ему парижанок, их своеобразную, неповторимую прелесть. Эти портреты нельзя назвать психологическими, но они привлекают живописным мастерством и убедительностью передачи моделей, живостью выражения, своеобразной поэтичностью и присущим большинству работ Ренуара ощущением полноты жизни.
Жанровые картины Ренуара не отличаются разнообразием или значительностью тематики. Загородные прогулки парижан, праздники под открытым небом - таковы сюжеты многих его картин. В них, как и во всем творчестве художника, сказывается его жизнерадостное мироощущение и несколько поверхностное, бездумное отношение к действительности. Но их достоинство составляют свежесть и непосредственность трактовки, умение почувствовать поэтическое очарование несложных мотивов, раскрыть живописное богатство действительности. Его колорит становится звучным, разнообразным и радужным, яркий солнечный свет заливает его полотна, пестрая шумная парижская толпа дается в единстве с окружающей световоздушной средой, стирающей контуры фигур и лишающей предметы их пластической определенности («Мулен де ла Галетт», 1876, Париж, Лувр; «Завтрак лодочников», 1881, Вашингтон, галерея Филлипс). Принимая в этот период принципы и метод импрессионизма, Ренуар, однако, сохраняет в полной мере свое индивидуальное мировосприятие и приемы. Его живописная техника сочетает характерный для импрессионистов дробный мазок и лессировки, что придает полотнам Ренуара не только редкое красочное богатство, но и колористическое единство.
В поздний период творчества Ренуар отходит от импрессиони&ма. «Я дошел до пределов импрессионизма и констатировал, что не умею ни писать, ни рисовать», - писал художник в начале 1880-х годов. Проблема передачи света и воздуха занимает его в это время значительно меньше, он уделяет больше внимания композиции, стремится к обобщенности, монументальности, пластической определенности в трактовке фигур. Однако все изменения, наступающие в творчестве художника, касаются исключительно формальной стороны его искусства. В это время Ренуар еще больше ограничивает тематику своего творчества, уделяя преимущественное внимание изображению обнаженной натуры. Увлечение формальными проблемами сочетается с чисто декоративными тенденциями, что приводит в конце концов к значительной условности трактовки форм и колорита во многих поздних работах художника.
Клод Моне. Все особенности импрессионизма нашли наиболее полное выражение в творчестве Клода Моне (1840-1926). Он был вождем этого течения, он первый сформулировал его принципы, разработал программу плейера и характерную для импрессионизма живописную технику. С его именем связаны многие достижения этого течения. И в то же время именно в искусстве Моне особенно отчетливо проявились ограниченность импрессионизма и тот кризис, который он переживает начиная с середины 1880-х годов.
Ранние произведения Моне связывают импрессионизм с реалистическим искусством Курбе, Коро и Добиньи, а также свидетельствуют о влиянии Э. Мане. Это главным образом пейзажи, портреты и фигурные композиции на открытом воздухе: «Завтрак на траве» (1866, Москва, ГМИИ), «Камилла» (1866, Бремен, Музей), «Женщина в саду» (1865-1866, Эрмитаж). Многие из них написаны на пленере, большое внимание художник уделяет в них передаче света. С конца 1860-х годов Моне работает почти исключительно в области пейзажа, передавая в своих полотнах непосредственные впечатления от природы или городского вида, придавая все большее значение передаче освещения и воздуха. Лучший период его творчества - 1870-е годы, когда он создает убедительные и полные настроения картины французской природы, отличающиеся большой свежестью и колористической свободой. В это время он находит многие новые пейзажные мотивы, простые, но привлекательные, вводит в искусство изображение города, площадей и бульваров, оживленных мелькающими экипажами и спешащей толпой. Для выражения этих мотивов художник ищет соответствующие живописные приемы - живой, чистый цвет, трепетный, раздельный мазок («Бульвар капуцинок в Париже», 1873, Москва, ГМИИ, пейзажи, выполненные в Аржантее). Однако в дальнейшем фиксация преходящих световых и атмосферных эффектов часто становится для Моне самоцелью. Форма и очертания предметов растворяются в световоздушной среде, они теряют плотность и материальность, превращаются в зыбкие красочные пятна. Моне стремился к научной точности в передаче воздействия света и воздуха на локальные цвета предметов, изучал законы дополнительных цветов, особое внимание уделяя передаче рефлексов, и на этом пути технических поисков дошел до значительных преувеличений. Формально-техническая сторона вытеснила в его творчестве глубокое познание и раскрытие действительности и заслонила во многих его поздних работах целостный художественный образ. Самый мотив природы перестает интересовать художника и превращается лишь в предлог для передачи цветовых и световоздушных эффектов. Это особенно показательно для творчества Моне начиная с конца 1880-х годов, когда он создает серии пейзажей, изображающих один и тот же мотив в различное время дня: серии стогов, руанских соборов, виды Темзы, Венеции. Восприятие природы в этих работах становится все более субъективным, а стремление передать мимолетные зрительные впечатления приводит к отказу от композиционно построенной картины и замене ее случайным этюдом. Многие поздние работы Моне отмечены не только формально-техническими, но и декоративными исканиями. Это определяет в ряде случаев значительную условность и нарочитость композиционных и цветовых решений (серия «Кувшинок»).
Будучи главой французского импрессионизма, Моне оказал большое влияние на целый ряд художников, примкнувших к этому течению и работавших преимущественно в области пейзажа. Среди них заслуживают упоминания прежде всего Писсарро и Сислей.
Камилл Писсарро. Камилл Писсарро (1830-1903) в ранних работах развивает традиции французского реалистического пейзажа (Курбе, Коро, барбизонцы). Затем, с конца 1860-х годов, сблизившись с Э. Мане и группировавшимися вокруг него молодыми художниками, Писсарро обращается к плейеру, к высветленной, радужной палитре и становится одним из характерных представителей французского импрессионизма. В своих картинах Писсарро изображал улицы Руана и Парижа, его пригороды и окрестности, берега Сены, луга и проселочные дороги. В отличие от других импрессионистов он нередко вводит в свои сельские пейзажи фигуры крестьян. Как и все импрессионисты, Писсарро уделяет много внимания живописным поискам, передаче света и воздуха. Однако свето-воздушные эффекты редко становятся в его картинах главным мотивом. В своих лучших пейзажах Писсарро цельно воспринимает природу, передает богатство и разнообразие ее жизни. Обобщая свои непосредственные впечатления, художник обычно тщательно продумывает композиционное построение пейзажа и умеет придать монументальность самым обыденным мотивам.
Альфред Спелей. Более лиричным было творчество Альфреда Сйслея (1839-1899). Товарищ Моне по мастерской Глейра, он в своих ранних работах примыкал к Коро и Добиньи, а затем стал одним из первых участников выставок импрессионистов. Работая исключительно в области пейзажной живописи, Сислей обычно писал природу Иль де Франса. Его привлекали интимные, непосредственные мотивы - поля, селения, берега рек и каналов, и он умел раскрыть их своеобразие и привлекательность. Сислей обладал тонким чувством цвета, чутко улавливал изменчивость природы, состояния световоздушной среды. Но, принимая метод импрессионизма, он был более сдержанным в своих формально-технических поисках, чем другие импрессионисты, в частности Моне.

Импрессионизм - это художественное течение, возникшее в 70-х годах. XIX века во французской живописи, а затем проявившееся в музыке, литературе, театре.

Импрессионизм в живописи начал складываться задолго до известной выставки 1874 года. Родоначальником импрессионистов традиционно считается Эдуард Мане. Он был очень вдохновлен классическими работами Тициана, Рембрандта, Рубенса, Веласкеса. Свое видение изображений Мане выражал на своих полотнах, добавляя «вибрирующие» мазки, создававшие эффект незаконченности. В 1863 году Мане создал «Олимпию», которая вызвала большой скандал в культурном обществе.

На первый взгляд, картина выполнена в русле традиционных канонах, но при этом она уже несла и новаторские веяния. В различных парижских изданиях по поводу «Олимпии» было написано около 87 отзывов. На нее обрушилась масса негативной критики - художника обвиняли в вульгарности. И лишь несколько статей можно было назвать благожелательными.

Мане в своей работе использовал технику наложения однослойной краски, что создавало эффект пятен. Впоследствии этот прием наложения красок был перенят художниками-импрессионистами в качестве основы для изображений на живописных полотнах.

Отличительная черта импрессионизма заключалась в тончайшей фиксации мимолётных впечатлений, в особой манере воспроизведения световой среды с помощью сложной мозаики чистых красок, беглых декоративных штрихов.

Любопытно, что в начале своих поисков художники использовали цианометр - инструмент для определения синевы неба. Черный цвет исключался из палитры, его заменяли другими цветовыми оттенками, что позволяло не испортить солнечное настроение картин.

Импрессионисты ориентировались на новейшие научные открытия своего времени. Теория цвета Шевреля и Гельмгольца сводится к следующему: солнечный луч расщепляется на составляющие цвета, и, соответственно, две положенные на холсте краски усиливают живописный эффект, а при смешивании краски теряют интенсивность.

Эстетика импрессионизма складывалась, отчасти, как попытка решительно освободиться от условности классицизма в искусстве, а также от настойчивой символичности и глубокомыслия позднеромантической живописи, предлагавшей всем видеть зашифрованные замыслы, нуждающиеся в тщательном истолковании. Импрессионизм утверждал не просто красоту повседневной действительности, а фиксацию красочной атмосферы, не детализируя и не растолковывая, изображая мир как вечно меняющееся оптическое явление.

Художники-импрессионисты разработали законченную систему пленэра. Предшественниками этой стилистической особенности были художники-пейзажисты, выходцы из барбизонской школы, основными представителями которой были Камиль Коро и Джон Констебл.

Работа на открытом пространстве давала больше возможности запечатлевать малейшие цветовые изменения в разное время суток.

Клодом Моне были созданы несколько серий картин на один и тот же сюжет, например, «Руанский собор» (серия из 50 картин), «Стога» (серия из 15 картин), «Пруд с водяными лилиями» и др. Главным показателем этих серий было изменение света и цветовой гаммы в изображении одного и того же объекта, написанного в разное время суток.

Еще одним достижением импрессионизма считается разработка оригинальной живописной системы, где сложные тона разлагаются на чистые цвета, передаваемые отдельными мазками. Художники не смешивали цвета на палитре, а предпочитали накладывать мазки непосредственно на полотно. Такой прием придавал картинам особую трепетность, изменчивость и рельефность. Работы художников наполнились цветом и светом.

Выставка 15 апреля 1874 года в Париже была итогом периода становления и представления широкой публике нового течения. Экспозиция была развёрнута в студии фотографа Феликса Надара на бульваре Капуцинок.

Название «Импрессионизм» возникло после выставки, на которой была экспонировалась картина Моне «Впечатление. Восход солнца». Критик Л. Леруа в своем обзоре в издании «Сharivari» дал шутливую характеристику выставке 1874 года, приведя в пример работу Моне. Другой критик, Морис Дени, упрекал импрессионистов в отсутствии индивидуальности, чувства, поэзии.

На первой выставке свои работы демонстрировали порядка 30 художников. Это было самое большое количество, в сравнении с последующими выставками вплоть до 1886 года.

Нельзя не сказать о положительных отзывах со стороны русского общества. Русские художники и критики-демократы, всегда живо интересовавшиеся художественной жизнью Франции - И. В. Крамской, И. Е. Репин и В. В. Стасов - высоко оценивали достижения импрессионистов с самой первой выставки.

Новый этап истории искусства, начавшийся выставкой 1874 года, не был внезапным взрывом революционных тенденций - он явился кульминацией медленного и последовательного развития.

При всем том, что все великие мастера прошлого сделали свой вклад в развитие принципов импрессионизма, непосредственные корни течения можно наиболее легко обнаружить в двадцатилетии, предшествующем исторической выставке.

Параллельно выставкам в Салоне, набирали свои обороты выставки импрессионистов. В их работах демонстрировались новые тенденции в живописи. Это было упреком салонной культуре и выставочным традициям. В дальнейшем художникам-импрессионистам удалось привлекать на свою сторону почитателей новых веяний в искусстве.

Теоретические знания и формулировки импрессионизма стали складываться достаточно поздно. Художники предпочитали больше практики и собственных экспериментов над светом и цветом. В импрессионизме, прежде всего живописном, прослеживается наследие реализма, в нем ярко выражается антиакадемическая, антисалонная направленность и установка изображения окружающей действительности того времени. Некоторые исследователи отмечают, что импрессионизм стал особым ответвлением реализма.

Бесспорно, в импрессионистическом искусстве, как в каждом художественном течении, возникающем в период перелома и кризиса старых традиций, были сплетены, при всей его внешней цельности, различные и даже противоречивые тенденции.

Принципиальные особенности заключались в тематике работ художников, в средствах художественной выразительности. Книга Ирины Владимировой об импрессионистах включает несколько глав: «Пейзаж, природа, впечатления», «Город, места встреч и расставаний», «Увлечения, как образ жизни», «Люди и характеры», «Портреты и автопортреты», «Натюрморт». В ней также описываются история создания и местонахождение каждой работы.

В период расцвета импрессионизма художники находили гармоническое равновесие между объективной действительностью и ее восприятием. Художники старались запечатлеть каждый лучик света, движение ветерка, переменчивость природы. Для сохранения свежести картин импрессионисты создали оригинальную живописную систему, которая впоследствии оказалась очень важной для развития искусства в дальнейшем. Несмотря на общие тенденции направлений живописи, каждый художник нашёл свой творческий путь и основные жанры в живописи.

Классический импрессионизм представлен такими художниками как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Жан Фредерик Базиль, Берта Моризо, Эдгар Дега.

Рассмотрим вклад некоторых художников в становление импрессионизма.

Эдуард Мане (1832-1883)

Первые уроки живописи Мане получил от Т. Кутюры, благодаря этому будущий художник приобрел массу необходимых профессиональных навыков. Из-за отсутствия должного внимания учителя к своим ученикам Мане покидает ателье мастера и занимается самообразованием. Он посещает выставки в музеях, на его творческое формирование большое влияние оказали старые мастера, особенно испанские.

В 1860-е Мане пишет две работы, в которых просматриваются основные принципы его художественного подчерка. «Лола из Валенсии» (1862) и «Флейтист» (1866) показывают Мане как художника, который раскрывает характер модели через передачу цвета.

Его идеи по технике нанесения мазков и отношение к цвету были приняты другими художниками-импрессионистами. В 1870-е Мане сближается со своими последователями и работает на пленэре без черного цвета на палитре. Приход к импрессионизму был результатом творческой эволюции самого Мане. Наиболее импрессионистическими картинами Мане считаются «В лодке» (1874) и «Клод Моне в лодке» (1874).

Мане также писал множество портретов разных светских дам, актрис, натурщиц, красивых женщин. В каждом портрете была передана неповторимость и индивидуальность модели.

Незадолго до своей смерти Мане пишет один из своих шедевров - «Бар Фоли-Бержер» (1881-1882). В этой картине сочетается сразу несколько жанров: портрет, натюрморт, бытовая сцена.

Н. Н. Калитина пишет: «Магия искусства Мане такова, что девушка и противостоит окружающему, благодаря чему столь четко раскрывается её настроение, и одновременно является частью, ибо весь задний план, смутно угадывающийся, неопределенный, волнующийся, также решен в сине-черных, голубовато-белых, желтых тонах».

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне являлся несомненным лидером и основателем классического импрессионизма. Основным жанром его живописи был пейзаж.

В юности Моне увлекался карикатурой и шаржем. Первыми моделями для своих работ были его учителя, товарищи. Для образца он использовал карикатуры в газетах и журналах. Он копировал рисунки в «Голуа» Э. Каржа, поэта и карикатуриста, друга Гюстава Кубре.

В колледже живопись Моне преподавал Жак-Франсуа Ошара. Но справедливо заметить влияние на Моне Будена, который поддерживал художника, давал ему советы, мотивировал на продолжение творчества.

В ноябре 1862 года в Париже Моне продолжил свое обучение в Париже у Глейра. Благодаря этому Моне познакомился у него в мастерской с Базилем, Ренуаром, Сислеем. Молодые художники готовились к поступлению в Школу изящных искусств, уважая своего учителя, который за свои уроки брал мало и в мягкой форме давал советы.

Моне создавал свои картины не как рассказ, не как иллюстрацию идеи или темы. Его живопись, подобно жизни, не имела четких целей. Он видел мир, не сосредоточиваясь на деталях, на каких-то принципах, он шел к «пейзажному видению» (термин историка искусства А. А. Федорова-Давыдова). Моне стремился к бессюжетности, слиянию жанров на полотне. Средством воплощения его нововведений были этюды, которым предполагалось стать законченными картинами. Все этюды рисовались с натуры.

Он писал и луга, и холмы, и цветы, и скалы, и сады, и деревенские улочки, и море, пляжи и многое другое, он обращался к изображению природы в разное время суток. Часто он писал одно и то же место в разное время, тем самым создавая целые циклы из своих работ. Принципом его работы было не изображение объектов на картине, а точная передача света.

Приведем несколько примеров работ художника - «Поле маков у Аржантёя» (1873), «Лягушатник» (1869), «Пруд с кувшинками» (1899), «Пшеничные стога»(1891).

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Ренуар относится к выдающимся мастерам светского портрета, кроме этого, он работал в жанрах пейзажа, бытовой сцены, натюрморта.

Особенность его творчества - интерес к личности человека, раскрытию его характера и души. В своих полотнах Ренуар пытается подчеркнуть ощущение полноты бытия. Художника привлекают развлечения и праздники, он пишет балы, прогулки с их движением и разнообразием персонажей, танцы.

Самые известные работы художника - «Портрет актрисы Жанны Самари», «Зонтики», «Купание на Сене» и др.

Интересен, что Ренуар отличался музыкальностью и в детстве пел в церковном хоре под руководством выдающего композитора и педагога Шарля Гуно в Париже в соборе Сен-Эсташ. Ш. Гуно настоятельно рекомендовал мальчику заниматься музыкой. Но в то же время Ренуар открыл в себе художественный талант - с 13 лет он уже научился расписывать фарфоровую посуду.

Занятия музыкой повлияли на становление личности художника. Целый ряд его работ связан с музыкальной тематикой. В них нашла свое отражение игра на фортепиано, гитаре, мандолине. Это картины «Урок игры на гитаре», «Молодая испанская женщина с гитарой», «Молодая дама за фортепиано», «Женщина, играющая на гитаре», «Урок фортепиано» и др.

Жан Фредерик Базиль (1841-1870)

По мнению его друзей-художников, Базиль был самым перспективным и выдающимся импрессионистом.

Его работы отличаются яркой цветовой гаммой и одухотворенностью образов. Большое влияние на его творческий путь оказали Пьер Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Клод Моне. Квартира Жана Фредерика для начинающих живописцев была своеобразной студией и жильем.

Базиль преимущественно писал на пленэре. Основной идеей его творчества было изображение человека на фоне природы. Первыми его героями на картинах были его друзья-художники; многие импрессионисты очень любили рисовать друг друга в своих работах.

Фредерик Базиль в совсем творчестве обозначил течение реалистического импрессионизма. Самая известная его картина - «Семейное воссоединение» (1867) - автобиографична. Художник изображает на ней членов своей семьи. Эта работа была представлена в Салоне и получила одобрительную оценку публики.

В 1870 году художник погиб в прусско-французской войне. Уже после смерти художника его друзья-художники организовали третью выставку импрессионистов, где были выставлены и его полотна.

Камиль Писсарро (1830-1903)

Камиль Писсарро - один из крупнейших представителей художников-пейзажистов после К. Моне. Его работы постоянно выставлялись в экспозициях импрессионистов. В своих работах Писсарро предпочитал изображать вспаханные поля, крестьянский быт и труд. Его картины отличались структурностью форм и четкостью композиции.

Позже художник стал писать и картины на городские темы. Н. Н. Калитина в своей книге отмечает: «Он смотрит на городские улицы из окон верхних этажей или с балконов, не вводя их в композиции».

Под влиянием Жорж-Пьера Сёра художник занялся пуантилизмом. Данная техника подразумевает собой наложение каждого мазка отдельно, словно ставя точки. Но творческие перспективы в этой области не реализовались, и Писсарро вернулся к импрессионизму.

Самыми известными картинами Писсарро стали «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно», «Оперный проезд в Париже», «Площадь французского театра в Париже», «Сад в Понтуазе», «Жатва», «Сенокос» и др.

Альфред Сислей (1839-1899)

Основным жанром живописи Альфреда Сислея был пейзаж. В его ранних работах видно преимущественно влияние К. Коро. Постепенно в процессе совместной работы с К. Моне, Ж. Ф. Базилем, П. О. Ренуаром в его работах начинают появляться светлые тона.

Художника привлекает игра света, изменение состояния атмосферы. К одному и тому же пейзажу Сислей обращался несколько раз, запечатлевая его в разное время суток. Приоритет в своих работах художник отдавал изображению воды и неба, которые менялись ежесекундно. Художник сумел добиться совершенства с помощью цвета, каждый оттенок в его работах несет своеобразную символичность.

Самые известные его работы: «Сельская аллея» (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873), «Вид Монмартра с Цветочного острова» (1869), «Ранний снег в Лувесьенне» (1872), «Мост в Аржантее» (1872).

Эдгар Дега (1834-1917)

Эдгар Дега - это художник, начавший свой творческий путь с обучения в Школе изящных искусств. Он был вдохновлен художниками итальянского Возрождения, что оказало влияние на его творчество в целом. В начале Дега писал исторические картины, например, «Спартанские девушки вызывают на состязание спартанских юношей. (1860). Основным жанром его живописи является портрет. В своих работах художник опирается на классические традиции. Он создает произведения, отмеченные острым ощущением своего времени.

В отличие от своих коллег, Дега не разделяет радостный, открытый взгляд на жизнь и вещи, присущий импрессионизму. Художнику ближе критическая традиция искусства: сострадание судьбе простого человека, умение видеть души людей, их внутренний мир, противоречивость, трагедию.

Для Дега большую роль в создании портрета играют предметы и интерьер, окружающие человека. Приведем несколько работ в пример: «Дезире Дио с оркестром» (1868-1869), «Женский портрет» (1868), «Чета Морбилли»(1867) и др.

Принцип портретности в работах Дега прослеживается на протяжении всего его творческого пути. В 1870-е годы художник в полной красе изображает социум Франции, в частности Парижа в своих работах. В интересах художника - городская жизнь в движении. «Движение было для него одним из важнейших проявлений жизни, а способность искусства его передать - важнейшим завоеванием современной живописи», - пишет Н.Н. Калитина.

В этот период времени создаются такие картины как «Звезда» (1878), «Мисс Лола в цирке Фернандо», «Скачки в Эпсоме» и др.

Новым витком творчества Дега становится его интерес к балету. Он показывает закулисную жизнь балерин, рассказывает об их тяжелом труде и упорных тренировках. Но, несмотря на это, художнику удается найти воздушность и легкость в передаче их образов.

В балетной серии картин Дега видны достижения в области передачи искусственного света рампы, они говорят о колористическом даровании художника. Самые известные картины «Голубые танцовщицы» (1897), «Танцевальный класс» (1874), «Танцовщица с букетом» (1877), «Танцовщицы в розовом» (1885) и другие.

В конце жизни из-за ухудшения зрения Дега пробует свои силы в скульптуре. Его объектами становятся те же балерины, женщины, лошади. В скульптуре Дега старается передать движение, и для того чтобы оценить скульптуру, нужно рассмотреть её с разных сторон.

Импрессионизм (impressionnisme) — стиль живописи, который появился в конце XIX века во Франции и затем распространился по всему миру. Сама идея импрессионизма заключается в его названии: impression — впечатление . Художники, которые устали от традиционных техник живописи академизма, которые, по их мнению, не передавали всю красоту и живость мира, стали использовать совершенно новые техники и методы изображения, которые должны были в наиболее доступной форме выразить не «фотографический» вид, а именно впечатление от увиденного. В своей картине художник-импрессионист при помощи характера мазков и цветовой палитры пытается передать атмосферу, тепло или холод, сильный ветер или умиротворённую тишину, туманное дождливое утро или яркий солнечный полдень, а также свои личные переживания от увиденного.

Импрессионизм — это мир чувств, эмоций и мимолётных впечатлений. Здесь ценится не внешняя реалистичность или натуральность, а именно реалистичность выраженных ощущений, внутренне состояние картины, её атмосфера, глубина. Изначально данный стиль подвергся сильной критике. Первые картины импрессионистов были выставлены в парижском «Салоне Отверженных», где выставлялись работы художников, отвергнутых официальным Парижским салоном искусств. Впервые термин «импрессионизм» использовал критик Луи Леруа, который написал пренебрежительный отзыв в журнале «Le Charivari» о выставке художников. В качестве основы для термина он взял картину Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Всех художников он обозвал импрессионистами, что можно примерно перевести, как «впечатленцы». Первое время картины действительно подвергались критике, однако вскоре в салон стало приходить всё больше и больше поклонников нового направления в искусстве, а сам жанр из отверженного превратился в признанный.

Стоит отметить, что художники конца XIX века во Франции придумали новую стилистику не на пустом месте. За основу они взяли техники живописцев прошлого, в том числе художников Эпохи Возрождения. Такие живописцы, как Эль Греко, Веласкес, Гойя, Рубенс, Тёрнер и другие задолго до возникновения импрессионизма пытались передавать настроение картины, живость природы, особую выразительность погоды при помощи различных промежуточных тонов, ярких или наоборот тусклых мазков, которые были похожи на абстрактные вещи. В своих картинах они использовали это вполне умеренно, поэтому необычная техника не бросалась в глаза зрителю. Импрессионисты же решили взять эти методы изображения в качестве основы для своих произведений.

Ещё одной специфической особенностью произведений импрессионистов является некая поверхностная будничность, которая однако содержит в себе неимоверную глубину. Они не пытаются выразить каких-то глубоких философских тем, мифологических или религиозных задач, исторических и важных событий. Картины художников этого направления по своей сути простые и повседневные — пейзажи, натюрморты, люди которые идут по улице или занимаются своими обычными делами и так далее. Именно такие моменты, где отсутствует излишняя тематичность, которая отвлекает человека, чувства и эмоции от увиденного выходят на первый план. Также импрессионисты, по крайней мере в начале своего существования, не изображали «тяжёлых» тем — бедности, войн, трагедий, страданий и так далее. Картины импрессионистов чаще всего — это максимально позитивные и радостные произведения, где присутствует много света, ярких красок, сглаженная светотень, плавные контрасты. Импрессионизм — это приятное впечатление, радость от жизни, красота каждого мгновения, наслаждение, чистота, искренность.

Самыми известными импрессионистами стали такие великие художники, как , Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и многие другие.

Не знаете где купить настоящий варган? Самый большой выбор вы сможете найти на сайте khomus.ru . Широкий ассортимент этнических музыкальных инструментов в Москве.

Альфред Сислей — Лужайки весной

Камиль Писсарро — Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно.