Первое драматическое представление «Снегурочки» состоялось 11 мая 1873 года в Малом театре, в Москве. Музыка к спектаклю была заказана П.И. Чайковскому Островский в процессе работы над пьесой по частям посылал её текст Чайковскому. «Музыка Чайковского к „Снегурочке” очаровательна», - писал драматург. «„Снегурочка” <...> была написана по заказу дирекции театров и но просьбе Островского в 1873 году, весной, и тогда же была дана, - вспоминал позднее, в 1879 году, Чайковский. - Это одно из любимых моих детищ. Весна стояла чудная, у меня на душе было хорошо, как и всегда при приближении лета и трёхмесячной свободы.

Пьеса Островского мне нравилась, и я в три недели без всякого усилия написал музыку. Мне кажется, что в этой музыке должно быть заметно радостное весеннее настроение, которым я был тогда проникнут».

К участию в спектакле были привлечены все три труппы тогдашнего Императорского театра: драматическая, оперная и балетная.

«Пьесу ставлю я сам, как полный хозяин, - с радостью сообщал Островский, - здесь очень хорошо понимают, что только при этом условии она пойдёт хорошо и будет иметь успех. Завтра я читаю „Снегурочку” артистам в третий раз, потом буду проходить роли с каждым отдельно». Долго обсужлалась сцена таяния Снегурочки. Помощник машиниста сцены К.Ф. Вальц вспоминал: «Было решено окружить Снегурочку несколькими рядами очень небольших отверстий в полу сцены, из которых должны были подниматься струйки воды, которые, сгущаясь, должны скрыть фигуру исполнительницы, опускающуюся незаметно в люк под лучом прожектора».

В связи с ремонтом в помещении Малого театра «Снегурочку» было решено играть в Большом. Для драматических актёров сцена Большого театра оказалась неудобной. Она была слишком велика и акустически не приспособлена для естественно, по-бытовому звучащего голоса. Это во многом помешало успеху спектакля. Актёр П.М. Садовский писал Островскому, не присутствовавшему на премьере: «Пьесу публика с большим вниманием слушала, но многого совсем не слыхала, так сцена Купавы с Царём, несмотря на всё старание Никулиной говорить громко и отчётливо, была слышна только наполовину». На другой день после спектакля драматург В.И. Родиславский послал Островскому подробный «отчёт», в котором сообщал о тех же недостатках спектакля: «...многие чудные, первоклассные поэтические красоты, столь щедро рассыпанные вами в пиесе, погибли и могут воскреснуть только в печати... Но буду рассказывать по порядку. Прелестный монолог Лешего пропал совершенно. Полёт Весны был довольно удачен, но её поэтический монолог показался длинен. Остроумная народная песня о птицах пропала, потому что музыка не позволила расслышать слова, столь острые, что над ними призадумалась цензура. Пляске птиц аплодировали. Чудесный рассказ Мороза о его забавах пропал, потому что был пущен не рассказом, а пением с музыкой, заглушавшей слова. Монолог Масляницы не удался, потому что Миленский говорил его из-за кулис, а не скрытый в соломенном чучеле... В первом акте прелестная песенка Леля была повторена... Явления тени Снегурочки были неудачны... Мой любимый рассказ о силе цветов... не был замечен, шествие пропало, исчезновение Снегурочки было не очень искусно... Театр был совершенно полон, не было ни одного пустого места... Очень удался крик бирючей».

Об отношении публики к «Снегурочке» рецензент писал: «...одни сразу от неё отвернулись, ибо она выше их понимания, и заявили, что пьеса плоха, что она провалилась и т. д. Другие, к удивлению, заметили, что, когда они смотрели её второй раз, она им стала нравиться... Музыка... и своеобразна, и весьма хороша, главное - совершенно под характер всей пьесе».

При жизни Островского «Снегурочка» была сыграна в московском Малом театре 9 раз. Последний спектакль состоялся 25 августа 1874 года.

В 1880 году Н.А. Римский-Корсаков попросил у Островского разрешения воспользоваться текстом «Снегурочки» для создания оперы. Композитор сам составил либретто, согласовав его с автором. Впоследствии Римский-Корсаков вспоминал: «В первый раз „Снегурочка” была прочитана мной около 1874 года, когда она только что появилась в печати. В чтении она тогда мне мало понравилась; царство берендеев мне показалось странным. Почему? Были ли во мне ещё живы идеи 60-х годов или требования сюжетов из так называемой жизни, бывшие в ходу в 70-х годах, держали меня в путах? <...> Словом, чудная, поэтическая сказка Островского не произвела на меня впечатления. В зиму 1879-1880 года я снова прочитал „Снегурочку” и точно прозрел на её удивительную красоту. Мне сразу захотелось написать оперу на этот сюжет».

Первое представление оперы Римского-Корсакова состоялось в Петербурге, в Мариинском театре, 29 января 1882 года.

Зимой 1882/83 года «Снегурочка» в драматической постановке была исполнена любителями в доме Мамонтовых. К ней были привлечены видные представители художественной интеллигенции. Спектакль ознаменовал попытку нового прочтения пьесы. Художественную часть постановки взял на себя В.М. Васнецов. Талант художника проявился в этой работе с наибольшей силой: он сумел не только проникнуться поэзией дивной сказки Островского, воспроизвести её особую атмосферу, её русский дух, но и увлечь других участников спектакля. К тому же он прекрасно исполнил роль Деда Мороза.

Спектакль в доме Мамонтовых явился прологом к постановке «Снегурочки» Н.А. Римского-Корсакова на сцене Частной русской оперы С.И. Мамонтова в Москве 8 октября 1885 года. Художественное оформление осуществили В.М. Васнецов, И.И. Левитан и К.А. Коровин. В работе художников в первую очередь выразилось то новое восприятие сказки Островского и оперы Римского-Корсакова, которое способствовало оживлению интереса публики к этим произведениям. После премьеры ряд газет настоятельно требовал включения оперы «Снегурочка» в репертуар Большого театра. Однако на сцене Большого театра «Снегурочка» была исполнена лишь 26 января 1893 года.

В 1900 году «Снегурочка» шла в двух театрах Москвы - в Новом театре и в МХТ. Замечательный русский актёр и режиссёр В.Э. Мейерхольд писал о спектакле Художественного театра: «Поставлена пьеса изумительно. Столько красок, что, кажется, их хватило бы на десять пьес». Следует отметить, что красочность спектакля основывалась на изучении этнографического содержания пьесы; она отражала попытку передать подлинную живописность старинного быта и подойти к этой задаче серьёзно, изучить по возможности реальные формы народного прикладного искусства: костюма, обстановки жизни крестьян.

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ РЕСПУБЛИКИ БАШКОРТОСТАН

СТЕРЛИТАМАКСКИЙ ФИЛИАЛ ФЕДЕРАЛЬНОГО ГОСУДАРСТВЕННОГО БЮДЖЕТНОГО ОБРАЗОВАТЕЛЬНОГО УЧРЕЖДЕНИЯ ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

“БАШКИРСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ"

КУРСОВАЯ РАБОТА

«СЦЕНИЧЕСКАЯ СУДЬБА ПЬЕСЫ М. ГОРЬКОГО «НА ДНЕ»

Стерлитамак 2018

Введение 3

Глава 1. Вопросы теории драмы 4

1.1 Драма как род литературы 4

1.2 Жанры драмы 8

ВЫВОДЫ ПО 1 ГЛАВЕ 11

Глава 2. История сценических постановок пьесы М. Горького «На дне» 12

2.1 Пьеса М. Горького «На дне» во МХАТе 12

2.2 судьба пьесы М. Горького «На дне» в театре и кинематографе 12

Заключение 13

Список литературы 14

Введение

Глава 1. Вопросы теории драмы

1. Драма как род литературы

Драма как литературный жанр получила распространение в литературе XVIII-XIX веков, постепенно вытеснив трагедию. Для драмы характерен острый конфликт, однако, он менее безусловен и глобален, чем конфликт трагический. Как правило, в центре драмы – частные проблемы отношения человека и общества. Драма оказалась очень созвучна эпохе реализма, так как допускала большее жизнеподобие. Драматический сюжет, как правило, ближе к реальности «здесь и сейчас», чем сюжет трагический.

В русской литературе образцы драм создали А. Н. Островский, А. П. Чехов, А. М. Горький и другие крупнейшие писатели.

За двести лет своего развития драма, впрочем, освоила и иные, далекие от реалистических способы изображения действительности, сегодня вариантов драмы очень много. Возможна символистская драма (обычно ее возникновение связывают с именем М. Метерлинка), абсурдистская драма (ярким представителем которой являлся, например, Ф. Дюрренматт) и т. д.

Роды и жанры литературы – один из мощнейших факторов, обеспечивающий единство и преемственность литературного процесса. Это некоторые выработанные столетиями «условия обитания» слова в литературе. Они затрагивают особенности повествования, позицию автора, сюжетику, отношения с адресатом, особенно лирические жанры, например, послание или эпиграмма, и т. д., и т. п.

«Род литературный, – пишет Н. Д. Тамарченко, – категория, введенная, с одной стороны, для обозначения группы жанров, обладающих сходными и при этом доминирующими структурными признаками; с другой – для дифференциации важнейших, постоянно воспроизводимых вариантов структуры литературного произведения» .

Драма (др.-гр. drama - действие) - род литературы, отражающий жизнь в действиях, совершающихся в настоящем. Принадлежит одновременно двум видам искусства: литературе и театру. Текст в драме представлен в виде реплик персонажей и авторских ремарок и разбит на действия и явления. К драме относится любое литературное произведение, построенное в диалогической форме, в том числе комедия, трагедия, драма, фарс, водевиль и т. д.

Драматические произведения предназначены для постановки на сцене, этим определяются специфические черты драмы:

ЖАНРОВОЕ СВОЕОБРАЗИЕ И ОСОБЕННОСТИ ПРОБЛЕМАТИКИ ПЬЕСЫ М.ГОРЬКОГО «НА ДНЕ»

История создания и судьба пьесы «На дне»

Расцвет русской драмы XIX в. связан с именем А. Н. Островского. После его смерти критика заговорила об упадке современной драматургии, но в конце 90_х - начале 1900_х гг. драматическое искусство и его сценическое истолкование получают новый общепризнанный взлет. Знаменем нового театра становится драматургия Чехова, творчески прочтенная режиссерами_новаторами, основателями Московского художественного театра. В сущности, только с этого времени режиссер приобретает в русском театре большое значение.

Новизна режиссерской трактовки пьес и необычайная для старой сцены игра актеров принесла Художественному театру огромный успех и привлекла к нему внимание молодых литераторов. М. Горький писал, что не любить этот театр «невозможно, не работать для него - преступление». Первые пьесы Горького были написаны для Художественного театра. Увлечение работой над драмой было столь сильным, что Горький в течение нескольких лет почти перестал писать прозу. Театр для него - трибуна, с которой может громко прозвучать призыв к борьбе со всем, что ведет к порабощению человека; писатель дорожил возможностью использовать эту трибуну.

В своей поэтике Горький_драматург близок поэтике Чехова, но для его пьес характерны иная проблематика, иные герои, иное восприятие жизни - и его драматургия зазвучала по-новому. Характерно, что придирчивые современники почти не обратили внимания на типологическую родственность драматургии того и другого писателя. На первое место выступало индивидуальное горьковское начало.

В пьесах Горького звучат обвинение, вызов, протест. В отличие от Чехова, тяготевшего к раскрытию жизненных конфликтов при помощи полутонов и подтекста, Горький прибегал обычно к обнаженной заостренности, к подчеркнутому противопоставлению мировоззрений и общественных позиций героев. Это пьесы_диспуты, пьесы идейного противоборства.

Одной из таких пьес является «На дне». Впервые она напечатана отдельной книгой, под заглавием «На дне жизни», издательством Мархлевского в Мюнхене, без указания года, и под заглавием «На дне», издательством товарищества «Знание», СПб. 1903. Мюнхенское издание поступило в продажу в конце декабря 1902 г., петербургское -- 31 января 1903 г. Спрос на книгу был необыкновенно велик: весь тираж первого петербургского издания, в количестве 40 000 экземпляров, разошёлся в течение двух недель; к концу 1903 г. было продано более 75 000 экземпляров -- подобным успехом до того времени не пользовалось ни одно литературное произведение.

Творческий замысел пьесы «На дне» относится к самому началу 1900 г. Весной этого года, в Крыму, М.Горький рассказал К.С.Станиславскому содержание задуманной пьесы. «В первой редакции главная роль была роль лакея из хорошего дома, который больше всего берёг воротничок от фрачной рубашки -- единственное, что связывало его с прежней жизнью. В ночлежке было тесно, обитатели её ругались, атмосфера была отравлена ненавистью. Второй акт кончался внезапным обходом ночлежки полицией. При вести об этом весь муравейник начинал копошиться, спешили спрятать награбленное; а в третьем акте наступала весна, солнце, природа оживала, ночлежники из смрадной атмосферы выходили на чистый воздух, на земляные работы, они пели песни и под солнцем, на свежем воздухе, забывали о ненависти друг к другу,» - вспоминал Станиславский.

В середине октября 1901 г. Горький сообщил К.П.Пятницкому, основателю и руководителю товарищества «Знание», что им задуман «цикл драм» из четырёх пьес, каждая из которых будет посвящена изображению определённого слоя русского общества. О последней из них в письме сказано: «Ещё одну: босяки. Татарин, еврей, актёр, хозяйка ночлежного дома, воры, сыщик, проститутки. Это будет страшно. У меня уже готовые планы, я вижу -- лица, фигуры, слышу голоса, речи, мотивы действий -- ясны, всё ясно!..».

Писать «На дне» М.Горький начал в конце 1901 г., в Крыму. В воспоминаниях о Л.Н.Толстом М.Горький рассказывает, что он читал в Крыму написанные части пьесы Л.Толстому.

В Арзамасе, куда М.Горький прибыл 5 мая 1902 г., он напряжённо продолжал работу над пьесой. 15 июня пьеса была закончена и беловая рукопись её выслана в Петербург, К.П.Пятницкому. Получив из Петербурга машинописные копии вместе с рукописью, М.Горький исправил текст пьесы и внёс в него ряд существенных дополнений. 25 июля один экземпляр пьесы был снова отправлен в Петербург, в издательство «Знание». Другой экземпляр М.Горький послал А.П.Чехову. После этого драма ни разу не подвергалась авторской правке.

Заглавие в процессе работы над пьесой менялось несколько раз. В рукописи она называлась «Без солнца», «Ночлежка», «Дно», «На дне жизни». Последнее заглавие сохранилось даже в беловой машинописи, правленой автором, и в печатном мюнхенском издании. Окончательное заглавие -- «На дне» -- впервые появилось только на афишах Московского Художественного театра.

Постановка пьесы на сцене русских театров встретила большие препятствия со стороны театральной цензуры. Сначала пьеса была категорически запрещена. Чтобы уничтожить или хотя бы ослабить революционную направленность пьесы, театральная цензура сделала в пьесе большие купюры и некоторые изменения.

Впервые пьеса поставлена на сцене 18/31 декабря 1902 г. Художественным театром в Москве. Художественный театр создал спектакль огромной впечатляющей силы, спектакль, легший в основу многочисленных копий в постановках других театров как русских, так и зарубежных. Пьеса «На дне» была переведена на многие иностранные языки и, начиная с 1903 г., с огромным успехом обошла сцены всех крупных городов мира. В Софии, в 1903 г., спектакль вызвал бурную уличную демонстрацию.

Так же пьесу ставили Вятский городский театр, Нижегородский театр, петербургские театры: Василеостровский театр, Ростовский-на-Дону театр, Товарищество Новой драмы в Херсоне (реж. и исполнитель роли Актера - Мейерхольд).

В последующие годы пьесу ставили многие провинциальные театры и столичные театры, среди них: Екатеринодарский и Харьковский театры (1910),Общедоступный театр, Петроград (1912), Московский Военный театр (1918), Народный театр драмы в Петрозаводске (1918), Харьковский театр рус. драмы (1936), Ленинградский театр драмы им. Пушкина (1956).

В 1936 пьеса была экранизирована французским режиссёром Ж. Ренуаром (Барон - Жуве, Пепел - Габен).

В наше время постановку пьесы «На дне» можно увидеть во многих театрах: МХАТ им.М. Горького, театр-студия Олега Табакова, Московский театр на Юго-западе, Небольшой драматический театр под руководством Льва Эренбурга.

Чехов, пришедший в литературу в 80-е годы XIX века, остро чувствовал обреченность прежних форм жизни и неизбежность появления новых. Это вызывало и надежду и тревогу. Такие настроения отражены в последней пьесе драматурга «Вишневый сад». Один французский режиссер сказал, что это произведение дает «физическое ощущение текучести времени». Три сценических часа вбирают пять месяцев жизни героев. Персонажи пьесы все время боятся упустить время, опоздать на поезд, не получить деньги от ярославской бабушки.

В произведении пересекаются прошлое, настоящее и будущее. Перед читателем предстают люди разных поколений. Ане — 17 лет, Гаеву — 51 год, а Фирсу — 87 лет. Память о прошлом хранят «немые свидетели»: «давно заброшенная часовенка», столетний шкаф, «старинная ливрея Фирса». В отличие от других произведений русской классики в пьесе нет конфликта поколений. Сюжет комедии определяется судьбой вишневого сада. Однако мы не видим борьбы за него между действующими лицами. Лопахин старается помочь Раневской и Гаеву спасти имение, но сами хозяева не могут принять решения. Раневская не видит в Лопахине врага даже после того, как он выкупил на торгах вишневый сад. Нет открытых столкновений между молодым и старым поколениями. Аня искренне любит мать, Петя тоже привязан к Раневской. Не споря между собой, герои невольно вступают в конфликт с самим вишневым садом.

Этот символ многозначен в пьесе. Вишневый сад — это прекрасное творение природы и рук человеческих. Он олицетворяет красоту, духовность, традиции. Сад живет в нескольких временных измерениях. Для Раневской и Гаева он хранит память о детстве, о безвозвратно потерянной молодости и чистоте, о времени, когда все были счастливы. Сад вдохновляет их, вселяет надежду, очищает от житейской скверны. Глядя в окно, Раневская начинает говорить почти стихами, даже Гаев забывает о бильярдных терминах, когда видит «весь белый сад». Но ни брат, ни сестра ничего не делают для спасения имения. Гаев заслоняется от жизни и прячется в своем нелепом слове «кого», которое произносится к месту и не к месту. Раневская продолжает вести расточительный образ жизни. Несмотря на слезы, она равнодушна и к судьбе сада и к судьбе своих дочерей, которых оставляет без средств к существованию.

Новый хозяин Лопахин, хотя и понимает, что купил имение, «прекраснее которого нет ничего на свете», собирается вырубить сад и сдать землю в аренду дачникам. Петя

Трофимов гордо заявляет о том, что «Вся Россия — наш сад», но не испытывает никакого интереса к конкретному имению. Вишневому саду грозит опасность и никто не может отвести ее. Сад гибнет. В четвертом действии слышится стук топоров, уничтожающих деревья. Вишневый сад, как человек, переживает расцвет, упадок и гибель. Однако что-то зловещее есть в том, что с лица земли стерт прекрасный уголок природы. Наверное, поэтому печальной кажется участь всех героев. Несчастными чувствуют себя не только бывшие хозяева сада. Лопахин в момент своего триумфа вдруг осознал, что его окружает «нескладная, несчастливая жизнь». Петя Трофимов, мечтавший о великом будущем, выглядит жалким и беспомощным. И даже Аня счастлива только потому, что еще плохо представляет, какие испытания ее ждут.

С легкой руки Фирса за многими героями закрепляется прозвище «недотепа». Это относится не только к Епиходову. Тень его неудачливости лежит на всех героях. Это проявляется и в малом (рассыпанных шпильках, задетых канделябрах, падении с лестницы), и в большом. Герои страдают от сознания беспощадно уходящего времени. Они теряют больше, чем приобретают. Каждый из них по-своему одинок. Сада, который раньше объединял вокруг себя героев, уже нет. Вместе с красотой герои пьесы утрачивают взаимопонимание и чуткость. Забыт и покинут в запертом доме старый Фирс. Это произошло не только из-за спешки при отъезде, но и от какой-то душевной глухоты.

Министерство образования Российской Федерации

Ульяновский государственный университет

Факультет культуры и искусства

Кафедра филологии

Реферат по курсу: «Теория и история русской литературы»

Тема: «Театральная история «Бесприданницы» А. Н. Островского

Выполнила:

Студентка группы К-11

Вихерева М. А.

Проверил:

Доцент кафедры филологии

Матлин М.Г.

Ульяновск 2009

В 1878 году Н. Островский написал драму «Бесприданница», о которой он говорил своим друзьям: «Это будет сороковое мое оригинальное произведение». Он писал ее около четырех лет.

У «Бесприданницы» странная судьба. Вначале принятая критикой

как заурядная пьеса, она со временем стала общепризнанным шедевром.

Премьера состоялась в Москве и в Петербурге в ноябре 1878 г.

Современник Островского, критик П. Д. Боборыкин, дал пьесе следующее заключение: «В его последней драме все мотивы и положения - стары, взяты из его репертуара и не могут представлять никакого интереса для современного развитого зрителя». Сценическая судьба пьесы опровергла подобное суждение.

Лариса Огудалова молода, красива и талантлива, но у нее нет главного для этого мира - денег. Она - бесприданница. Матушка ее, Харита Игнатьевна, уже выдала замуж двух своих дочерей, теперь очередь Ларисы. Харита Игнатьевна бойка и предприимчива - в их доме бывают богатые и знатные люди, например, Кнуров - миллионер; Паратов - блестящий барин; Вожеватов - богатый купец. Лариса обладает удивительным обаянием и среди мужского населения вызывает восторг. Ее красота никого не оставляет равнодушным. Лариса - девушка не только красивая и талантливая, но еще и обладает одним важным достоинством - богатой душой, стремящейся к высшей духовности. Она любит Паратова, владельца парохода «Ласточка». Он ею увлечен, но не думает делать предложения.

Однажды он уезжает по делам и возвращается женихом невесты «с золотыми приисками». Лариса, устав от ожидания Паратова, решает выйти замуж за Карандышева, мелкого чиновника, ничтожного и тщеславного человека. По случаю помолвки Карандышев приглашает Кнурова, Паратова и Вожеватова. Напоив вином Карандышева, Паратов уговаривает Ларису «поехать с ним на ночь» на «Ласточку». Лариса, поверив в любовь Паратова, соглашается.

На пароходе она отдается ему, но утром он сообщает ей о своей помолвке. Кнуров и Вожеватов бросают жребий, кому она достанется в любовницы. Карандышев стреляет в Ларису, она умирает со словами благодарности. Самой ей не хватило силы броситься в Волгу.

Современники увидели в «Бесприданнице» обличение существующего социального строя жизни, сформированного под влиянием власти денег, но Островский в этой пьесе исследовал также и внутренний мир человека. Пьеса называется «Бесприданница», но драма героини, молодой, красивой, талантливой девушки Ларисы Огудаловой не в том, что она бесприданница. Она хочет изменить свою жизнь и сознательно идет на бедность, решаясь выйти за Карандышева. Ее драма в том, что она не находит в своей среде равных себе по душевному складу. «Я любви искала и не нашла». Вокруг Ларисы хоровод мужчин, по-своему любящих ее. Но что они могут предложить ей?

Кнуров и Вожеватов - деньги, Паратов - наслаждение. Карандышев полагает, что приносит Ларисе в жертву свою честь. Но никто не хочет, да и не может заглянуть в ее душу. Лариса прекрасна именно красотой своей души, все тянутся к ней, всем хочется засвидетельствовать свое присутствие, но все они существуют в мире своих привязанностей, им не дано подняться над уровнем своего существования.

Они все живут в материальной сфере, в своей среде. И в этой среде задыхается Лариса, чья жизнь подчиняется законам души.

Поклонники Ларисы чувствуют ее непохожесть, это и привлекает их. «Ведь в Ларисе Дмитриевне земного, этого житейского, нет», - говорит Кнуров. Но они в меру своих представлений о женщине полагают, что Ларисе нужна роскошь. Лариса названа в пьесе бесприданницей, но она не страдает оттого, что бедна, она даже равнодушна к богатству: соглашается выйти замуж за Карандышева и уехать в деревню, чтобы уйти от меркантильной суеты города. Деньги не принесли бы Ларисе счастья, но оградили бы ее от унижений, которые испытывает бесприданница. Она погибает, потому что была безгранично одинока среди людей, которые хотели от нее каждый своего.

История театральных постановок драмы «Бесприданница».

Первыми исполнительницами роли Ларисы Огудаловой явились

сразу три не просто лучшие, но выдающиеся актрисы эпохи, но, как это ни странно, ни одной из них не удалось создать интересную сценическую интерпретацию.

На премьере Малого театра выступала Г. Н. Федотова. Это была яркая актриса, которой удавались равно и драматические, и комедийные роли. Роль Ларисы в исполнении Федотовой была признана неудачной. Вот некоторые реплики критиков: «Окончательно лишила правды и оригинальности»; «пропасть между мелодраматическим тоном, взятым актрисой, и «всей остальной бытовой средой» сделала лицо актрисы «фальшивым и банальным», и т. д.

Вскоре роль была передана М. Н. Ермоловой. На фоне неудачной игры Федотовой Лариса Ермоловой явно выигрывала. Критика признала Ермолову очень убедительной. Она любила играть в пьесах Островского, и в силу своего трагического темперамента наделяла героинь его пьес нравственной силой, возвышающей их над окружающими.

Но именно из-за особенностей своего таланта она сделала Ларису натурой цельной и бескомпромиссной, решительной и гневно протестующей, что в общем-то изменило характер героини «Бесприданницы», которому были свойственны и слабость, и надрыв, и надлом.

В Петербурге Ларису сыграла М. Г. Савина. Сама Савина была недовольна своей игрой. На гастролях в провинции, куда она возила свои любимые роли, она сыграла «Бесприданницу» три раза и бросила навсегда. В «Бесприданнице» она играла Ларису «слишком идеальной», «слишком непостижимой» с точки зрения здравого смысла.

В Петербурге «Бесприданница» сошла со сцены в 1882 г. и не появлялась на ней 15 лет. В Москве пьеса держалась дольше - до 1891 г. Возобновили «Бесприданницу» на обеих столичных сценах в 1896 и 1897 гг. И к этому времени взгляд на пьесу изменился.

Вера Федоровна Комиссаржевская, выступая в роли Ларисы Огудаловой, сделала эту пьесу самой знаменитой пьесой Островского.

Более того, имя Комиссаржевской - стало частью истории «Бесприданницы». По мнению критика А. В. Амфитеатрова, она сделала для этой роли гораздо больше, чем сам Островский. «Ни Федотова, ни Ермолова, ни Савина не угадали, что такое Лариса, как и Островский не понимал глубины, которую создал». Такова особенность судьбы тех художественных произведений, в которых автор «угадывает» своей художественной интуицией вечные проблемы.

Какой же была Лариса в исполнении Комиссаржевской, для которой эта роль тоже стала особой в ее судьбе? Она, как уже много позже писали критики, - «роль историческая, ибо историю творящая».

Сам Островский и первые исполнительницы видели в судьбе Ларисы

социальную драму.

Лариса, с ее тонкой душой, страдающая от отсутствия любви, гибнет среди людей, озабоченных своими меркантильными и тщеславными интересами. Комиссаржевская была актрисой нового времени, начала XX в., занятого поисками новых форм в искусстве.

Сама актриса говорила, что она, может быть, давала свое понимание Ларисы, а не Островского. Ей интересна «прежде всего обобщенная женская душа со всем вечным, что в ней есть». Другими словами, Комиссаржевская ушла от социального конфликта. Трагедия ее Ларисы не в том, что она бесприданница, а в том, что она душевно одинока среди людей: ей страшно за свою душу, обреченную на страдания. Комиссаржевская играла Ларису «трагически одинокой и трагически обреченной».

Вероятней всего, вся история постановок «Бесприданницы»

может быть разделена на два резко противоположных периода: до Комиссаржевской и после нее.