Фотографии некоторых картин не размещены по требованию правообладателей (поскольку со дня смерти автора не прошло 70 лет)

	Марк Ротко № 6 (Фиолетовое, зелёное и красное) Цена - $186 млн год продажи - 2014 частные торги
	Марк Ротко Оранжевый, красный, желтый Цена - $86,882 млн год продажи - 2012
	Казимир Малевич Супрематическая композиция Цена - $85,8125 млн год продажи - 2018 Картины Казимира Малевича
	Марк Ротко 239.4х175.9 см Цена - $81,925 млн год продажи - 2015
	Марк Ротко Белый центр Цена - $72,8 млн год продажи - 2007
	Марк Ротко №1 (Королевский красный и синий) Цена - $70,1 млн год продажи - 2002
	Марк Ротко Без названия 261.6х158.7 см Цена - $68 млн год продажи - 2014
	Марк Ротко Без названия 242.9х186.7см Цена - $46,45 млн год продажи - 2015
	Марк Ротко Без названия Цена - $31,442 млн год продажи - 2011
	Марк Ротко Без названия 176,2х222,3см Цена - $26,92 млн год продажи - 2007
	Василий Кандинский Белый звук Цена - 23,3 млн год продажи - 2007 Картины Василия Кандинского
	Марк Ротко Без названия Цена - $22,440 млн год продажи - 2007
	Марк Ротко Почитание Матисса 129,5х268,5см Цена - $22,416 млн год продажи - 2005
	Василий Кандинский 129.5х129.5см Цена - $19,441 млн год продажи - 1990 Картины Василия Кандинского
	Алексей Явленский Шокко в широкополой шляпе Цена - $18,665 млн год продажи - 2008
	Марк Ротко Цена - $17,368 млн год продажи - 2004
	Хаим Сутин Портрет мужчины в красном шарфе Цена - £8,7 млн ($17,2 млн) год продажи - 2007
	Каземир Малевич Супрематическая композиция Цена - $17,052 млн год продажи - 2000 Картины Казимира Малевича
	Марк Ротко 266,7х421,6см Цена - $16,36 млн год продажи - 2003
	Хаим Сутин Говяжья туша Цена - £7,848 млн ($15,2 млн) год продажи - 2006
	Марк Шагал Цена - $14,850 млн год продажи -1990
	Марк Шагал Большой цирк Цена - $13,7 млн год продажи -2007
	Наталья Гончарова год продажи - 2008 Цена - £5,5 млн (ок $10,9 млн)
	Наталья Гончарова Сбор яблок год продажи - 2007 Цена - £4,948 млн (ок $9,9 млн)
	Марк Шагал Русская деревня при луне Цена - $8,253 млн год продажи - 1999
	Константин Сомов год продажи - 2007 Цена - £3,716 млн ($7,433 млн) Картины Константина Сомова
	Наталья Гончарова год продажи - 2010 Цена - $6,43 млн
	Наталья Гончарова Колокольчики год продажи - 2008 Цена - £3,0445 млн (ок $5,97 млн)
	Илья Кабаков год продажи - 2008 Цена - $5,84 млн Phillips de Pury
	Борис Кустодиев Деревенская ярмарка Цена - £2,84 млн год продажи - 2009 Картины Бориса Кустодиева
	Александр Яковлев Портрет Василия Шухаева в его мастерской год продажи - 2007 Цена - £2,820 млн ($5,611млн)
	Марк Шагал Желтое кресло год продажи - 1999 Цена - $5,503 млн
	Алексей Явленский Карие глаза год продажи - 2006 Цена - $5,5 млн
	Владимир Баранов-Россине Ритм (Адам и Ева) Цена - £2,72 млн год продажи - 2008
	Иван Айвазовский Американский торговый флот за Гибралтарской скалой 109,3х132,3см год продажи - 2007

Рейтинг самых дорогих работ ныне живущих художников - это конструкция, говорящая о роли и месте художника в истории искусства куда меньше, чем о возрасте и крепости здоровья

Правила составления нашего рейтинга просты: во-первых, в расчет берутся только сделки с работами ныне живущих авторов; во-вторых, учитываются только публичные аукционные продажи; и в-третьих, соблюдается правило «один художник - одна работа» (если в рейтинге работ два рекорда принадлежат Джонсу, то остается только самая дорогая, а остальные в расчет не берутся). Ранжирование ведется в пересчете на доллары (по курсу на дату продажи).

1. ДЖЕФФ КУНС Кролик. 1986. $91,075 млн

Чем дольше наблюдаешь за аукционной карьерой Джеффа Кунса (1955), тем больше убеждаешься в том, что для поп-арта нет ничего невозможного. Можно восторгаться скульптурами Кунса в виде игрушек из воздушных шаров, а можно считать их кичем и безвкусицей - ваше право. Одного отрицать нельзя: инсталляции Джеффа Кунса стоят сумасшедших денег.

Джефф Кунс начал свой путь к славе самого успешного в мире ныне живущего художника в далеком 2007 году, когда его гигантская металлическая инсталляция «Подвесное сердечко» была куплена за $23,6 млн на торгах Sotheby"s. Работу купила представляющая Кунса галерея Ларри Гагосяна (в прессе писали, что в интересах украинского миллиардера Виктора Пинчука). Галерея приобрела не просто инсталляцию, а, по сути, произведение ювелирного искусства. Пусть работа выполнена и не из золота (материалом послужила нержавеющая сталь) и размером она явно побольше обычного кулона (скульптура высотой 2,7 м весит 1 600 кг), но зато имеет сходное назначение. На производство композиции с сердцем, покрытым десятью слоями краски, было затрачено свыше шести с половиной тысяч часов. В итоге за эффектное «украшение» заплатили гигантские деньги.

Дальше была продажа «Цветка из воздушного шарика» пурпурного цвета за £12,92 млн ($25,8 млн) на лондонских торгах Christie’s 30 июня 2008 года. Интересно, что семью годами ранее предыдущие владельцы «Цветка» приобрели работу за $1,1 млн. Несложно подсчитать, что за это время ее рыночная цена выросла почти в 25 раз.

Спад на арт-рынке 2008–2009 годов дал скептикам повод позлословить о том, что мода на Кунса прошла. Но они ошиблись: вместе с арт-рынком возродился и интерес к работам Кунса. Преемник Энди Уорхола на троне короля поп-арта обновил свой персональный рекорд в ноябре 2012 года продажей на Christie’s разноцветной скульптуры «Тюльпаны» из серии «Торжество» за $33,7 млн с учетом комиссии.

Но «Тюльпаны» были «цветочками» в прямом и переносном смысле. Всего через год, в ноябре 2013 года, последовала продажа скульптуры из нержавеющей стали «Собака из воздушных шаров (оранжевая)»: цена молотка составила аж $58,4 млн! Баснословная сумма для ныне живущего художника. Произведение современного автора продали по цене картины Ван Гога или Пикассо. Вот это были уже ягодки…

С этим результатом Кунс на несколько лет воцарился на вершине рейтинга ныне живущих художников. В ноябре 2018 года его ненадолго превзошел Дэвид Хокни (смотрите вторую строчку нашего рейтинга). Но всего через полгода все вернулось на круги своя: 15 мая 2019 года в Нью-Йорке на торгах послевоенного и современного искусства Christie’s на продажу выставили хрестоматийную для Кунса скульптуру 1986 года - серебристого «Кролика» из нержавеющей стали, имитирующего воздушный шарик подобной формы.

Всего таких скульптур Кунс создал 3 шутки плюс один авторский экземпляр. На торги попал экземпляр «Кролика» под номером 2 - из коллекции культового издателя Сая Ньюхауса, совладельца издательского дома Conde Nast (журналы Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Серебристый «Кролик» был куплен «отцом гламура» Саем Ньюхаусом в 1992 году за внушительную по меркам тех лет сумму - 1 миллион долларов. Спустя 27 лет в борьбе 10 биддеров цена молотка скульптуры 80-кратно превысила предыдущую цену продажи. А с учетом комиссии Buyer’s Premium итоговый результат составил рекордные для всех ныне живущих художников $ 91,075 млн.

2. ДЭВИД ХОКНИ Портрет художника. Бассейн с двумя фигурами. 1972. $90 312 500

Дэвид Хокни (1937) - один из наиболее значимых британских художников ХХ века. В 2011 году, по результатам опроса тысячи профессиональных британских художников и скульпторов, Дэвида Хокни признали самым влиятельным британским художником всех времен. При этом Хокни обошел таких мэтров, как Уильям Тёрнер и Френсис Бэкон. Его творчество, как правило, относят к поп-арту, хотя в ранних работах он больше тяготел к экспрессионизму в духе Френсиса Бэкона.

Родился и вырос Дэвид Хокни в Англии, в графстве Йоркшир. Мать будущего художника держала семью в пуританской строгости, а отец, простой бухгалтер, немного рисовавший на любительском уровне, поощрял занятия сына живописью. В двадцать с небольшим Дэвид уехал в Калифорнию, где прожил в общей сложности около трех десятков лет. У него и сейчас там сохраняются две мастерских. Хокни сделал героями своих произведений местных богачей, их виллы, бассейны, залитые калифорнийским солнцем газоны. Одно из самых известных его произведений американского периода - картина «Всплеск» - представляет собой изображение снопа брызг, поднявшегося из бассейна вслед за прыгнувшим в воду человеком. Чтобы изобразить этот сноп, «живущий» не более двух секунд, Хокни работал две недели. Кстати, эта картина в 2006 году была продана на Sotheby’s за $5,4 млн и какое-то время считалась самой дорогой его работой.

Хокни (1937) уже за восемьдесят, но он по-прежнему работает и даже изобретает новые художественные приемы с использованием технических новинок. Когда-то он придумал делать огромные коллажи из полароидных снимков, печатал свои работы на факс-аппаратах, а сегодня художник с воодушевлением осваивает рисование на iPad. Картины, нарисованные на планшете, занимают достойное место на его выставках.

В 2005-м Хокни окончательно вернулся из Штатов в Англию. Теперь он пишет на пленере и в мастерской огромные (часто состоящие из нескольких частей) пейзажи местных лесов и пустошей. По словам Хокни, за 30 лет, проведенных в Калифорнии, он так отвык от простой смены времен года, что она его по-настоящему восхищает и завораживает. Целые циклы его недавних работ посвящены, например, одному и тому же пейзажу в разное время года.

В 2018 году цены на картины Хокни несколько раз пробивали отметку в 10 миллионов долларов. А 15 ноября 2018 года на Christie’s был зарегистрирован новый абсолютный рекорд для творчества ныне живущего художника - $90 312 500 за картину «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)».

3. ГЕРХАРД РИХТЕР Абстрактная картина. 1986. $46,3 млн

Живой классик Герхард Рихтер (1932) занимает второе место в нашем рейтинге. Немецкий художник был лидером среди ныне живущих коллег, пока не грянул 58-миллионный рекорд Джеффа Кунса. Но вряд ли это обстоятельство может поколебать и без того железный авторитет Рихтера на арт-рынке. По итогам 2012-го годовой аукционный оборот немецкого художника уступает только аналогичным показателям Энди Уорхола и Пабло Пикассо.

Долгие годы ничто не предвещало того успеха, который обрушился на Рихтера сейчас. Десятилетиями художник занимал скромное место на рынке современного искусства и нисколько не стремился к славе. Можно сказать, что слава настигла его сама. Отправной точкой многие считают покупку нью-йоркским музеем МоМА в 1995 году серии работ Рихтера «18 октября 1977». Американский музей заплатил $3 млн за 15 картин в серых тонах и вскоре задумался о проведении полноценной ретроспективы немецкого художника. Грандиозная выставка открылась шесть лет спустя, в 2001-м, и с тех пор интерес к творчеству Рихтера рос как на дрожжах. С 2004-го по 2008 год цены на его живопись выросли втрое. В 2010 году работы Рихтера принесли уже $76,9 млн, в 2011 году, по данным сайта Artnet, произведения Рихтера на аукционах в сумме заработали $200 млн, а в 2012-м (по данным Artprice) - $262,7 млн - больше, чем работы любого другого ныне живущего художника.

В то время как, например, у Джаспера Джонса ошеломительный успех на торгах сопутствует в основном только ранним работам, для произведений Рихтера такое резкое разделение не характерно: спрос одинаково устойчив на вещи разных творческих периодов, каковых в карьере Рихтера было великое множество. За последние шестьдесят лет этот художник попробовал себя практически во всех традиционных живописных жанрах - портрете, пейзаже, марине, ню, натюрморте и, конечно, абстракции.

История аукционных рекордов Рихтера началась с серии натюрмортов «Свечи». 27 фотореалистичных изображений свечей в начале 1980-х, в период их написания, стоили всего по 15 тысяч немецких марок ($5 800) за работу. Но «Свечи» все равно никто не купил на их первой выставке в галерее Макса Хецлера в Штутгарте. Тогда тема картин была названа старомодной; сегодня же «Свечи» считают работами на все времена. И стоят они миллионы долларов.

В феврале 2008 года «Свеча», написанная в 1983 году, была неожиданно куплена за £7,97 млн ($16 млн) . Этот персональный рекорд продержался три с половиной года. Затем в октябре 2011 года еще одна «Свеча» (1982) ушла с молотка на Christie’s уже за £10,46 млн ($16,48 млн) . С этим рекордом Герхард Рихтер впервые вошел в тройку самых успешных ныне живущих художников, заняв свое место за Джаспером Джонсом и Джеффом Кунсом.

Далее началось победное шествие «Абстрактных картин» Рихтера. Подобные произведения художник пишет в уникальной авторской технике: он наносит на светлый фон смесь простых красок, а затем с помощью длинного скребка размером с автомобильный бампер размазывает их по холсту. При этом получаются замысловатые цветовые переходы, пятна и полосы. Рассматривание поверхности его «Абстрактных картин» подобно раскопкам: на них следы разнообразных «фигур» проглядывают сквозь разрывы многочисленных красочных слоев.

9 ноября 2011 года на аукционе современного и послевоенного искусства Sotheby’s масштабная «Абстрактная картина (849-3)» 1997 года ушла с молотка за $20,8 млн (£13,2 млн) . А полгода спустя, 8 мая 2012 года на торгах послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке «Абстрактная картина (798-3)» 1993 года ушла за рекордные $21,8 млн (с учетом комиссии). Через пять месяцев - снова рекорд: «Абстрактная картина (809-4)» из коллекции рок-музыканта Эрика Клэптона 12 октября 2012 года на торгах Sotheby’s в Лондоне ушла с молотка за £21,3 млн ($34,2 млн) . Барьер в 30 млн был взят Рихтером с такой легкостью, словно речь идет не о современной живописи, а о шедеврах, которым уже лет сто - не меньше. Хотя в случае с Рихтером похоже, что включение в пантеон «великих» произошло уже при жизни художника. Цены на работы немца продолжают расти.

Следующий рекорд Рихтера принадлежал фотореалистической работе - пейзажу «Соборная площадь, Милан (Domplatz, Mailand)» 1968 года. Работа была продана за 37,1 млн на аукционе Sotheby’s 14 мая 2013 года . Вид красивейшей площади был написан немецким художником в 1968 году по заказу компании Siemens Electro, специально для миланского офиса компании. На момент своего написания это было самое большое фигуративное произведение Рихтера (размером почти три на три метра).

Рекорд «Соборной площади» продержался почти два года, пока 10 февраля 2015-го его не перебила «Абстрактная картина» ( 1986): цена молотка достигла £30,389 млн ($46,3 млн) . Выставленная на торги Sotheby’s «Абстрактная картина» размером 300,5 × 250,5 см - одна из первых масштабных работ Рихтера в его особой авторской технике соскребания слоев краски. В последний раз в 1999 году эта «Абстрактная картина» была куплена на аукционе за $607 тыс. (с этого года и вплоть до текущей продажи работа экспонировалась в Музее Людвига в Кёльне). На торгах 10 февраля 2015 года некий американский клиент аукционными шагами по £2 млн дошел до цены молотка в $46,3 млн. Т. е. с 1999 года работа выросла в цене более чем в 76 раз!

4. ЦУЙ ЖУЧЖО «Великие заснеженные горы». 2013. $39,577 млн.

Долгое время мы не слишком внимательно следили за развитием ситуации на китайском арт-рынке, не желая перегружать наших читателей излишним количеством информации о «не нашем» искусстве. За исключением диссидента Ай Вэйвэя, не столь даже дорогого, сколь резонансного художника, китайские авторы казались нам слишком многочисленными и далекими от нас, чтобы вникать в то, что у них там на рынке происходит. Но статистика, как говорится, дама серьезная, и уж если мы говорим о самых успешных ныне живущих авторах в мире, то без рассказа о выдающихся представителях контемпорари-арта Поднебесной все же не обойтись.

Начнем с китайского художника Цуй Жучжо (Cui Ruzhuo) . Художник родился в 1944 году в Пекине, с 1981 по 1996 год жил в США. После возвращения в Китай стал преподавать в Национальной Академии искусств. Цуй Жучжо переосмысливает традиционную китайскую манеру рисования тушью и создает огромные полотна-свитки, которые так любят преподносить в качестве подарков друг другу китайские бизнесмены и чиновники. На Западе о нем известно крайне мало, хотя, должно быть, многие помнят историю со свитком за $3,7 млн, который по ошибке выкинули, приняв за мусор, уборщики гонконгского отеля . Так вот - это был свиток именно Цуй Жучжо.

Цуй Жучжо уже за 70, а рынок его работ процветает. Свыше 60 работ этого художника перешагнули планку в $1 млн. Впрочем, успех его произведения имеют пока только на китайских аукционах. Рекорды Цуй Жучжо действительно производят впечатление. Сначала его «Пейзаж в снегу» на торгах Poly Auction в Гонконге 7 апреля 2014 года достиг цены молотка в 184 миллиона гонконгских долларов ($23,7 млн США ).

Ровно через год, 6 апреля 2015-го, на специальном аукционе Poly Auction в Гонконге, посвященном исключительно работам Цуй Жучжо, серия «Великий снежный пейзаж горного Цзяннаня» (Цзяннань - историческая область в Китае, занимающая правый берег нижнего течения Янцзы ) из восьми пейзажей тушью на бумаге достигла цены молотка 236 миллионов гонконгских долларов ($30,444 млн США ).

Год спустя история вновь повторилась: на соло-аукционе Цуй Жучжо, проводившемся Poly Auctions в Гонконге 4 апреля 2016 года полиптих из шести частей «Великие заснеженные горы» 2013 года достиг цены молотка (с учетом комиссии аукционного дома) 306 миллионов гонконгских долларов ($39,577 млн США ). Пока что это абсолютный рекорд среди азиатских ныне живущих художников.

Как полагает арт-дилер Джонсон Чан, уже 30 лет работающий с китайским современным искусством, налицо безусловное желание поднять цены на работы этого автора, однако все это происходит на таком ценовом уровне, где опытные коллекционеры вряд ли захотят что-то покупать. «Китайцы хотят поднять рейтинги своих художников, взвинчивая цены на их работы на крупных международных аукционах вроде того, что организовал Poly в Гонконге, однако не стоит сомневаться в том, что эти рейтинги полностью сфабрикованы», - комментирует Джонсон Чан последний рекорд Цуй Жучжо.

Это, конечно, только мнение одного отдельно взятого дилера, а у нас налицо реальный рекорд, записанный во все базы данных. Так что будем с ним считаться. Сам Цуй Жучжо, судя по его высказываниям, далек от скромности Герхарда Рихтера, когда дело касается его аукционных успехов. Похоже, что эта гонка за рекордами его всерьез увлекает. «Я надеюсь, что за ближайшие 5–10 лет цены на мои работы превзойдут цены на работы западных мастеров вроде Пикассо и Ван Гога. Это китайская мечта», - говорит Цуй Жучжо.

5. ДЖАСПЕР ДЖОНС Флаг. 1983. $36 млн

Третье место в рейтинге ныне живущих художников принадлежит американцу Джасперу Джонсу (1930) . Текущая рекордная цена для работ Джонса - $36 млн . Столько заплатили за его знаменитый «Флаг» на торгах Christie"s 12 ноября 2014 года .

Серия картин «флагов», начатая Джонсом в середине 1950-х годов, сразу после возвращения художника из армии, стала одной из центральных в его творчестве. Художника еще в молодости заинтересовала идея реди-мейда, превращения повседневного объекта в произведение искусства. Однако у Джонса флаги не были настоящими, они были написаны маслом на холсте. Таким образом, произведение искусства приобретало свойства вещи из обычной жизни, оно было в одно и то же время и изображением флага и собственно флагом. Серия работ с флагами принесла Джасперу Джонсу мировую известность. Но не менее популярны и его абстрактные работы. Долгие годы список самых дорогих работ, составленный по вышеприведенным правилам, возглавлял его абстрактный «Фальстарт» . До 2007 года этот очень яркий и декоративный холст, написанный Джонсом в 1959 году, считался обладателем практически недоступной для ныне живущего художника (пусть и прижизненного классика) цены - $17 млн . Столько за него заплатили в золотом для арт-рынка 1988 году .

Интересно, что стаж Джаспера Джонса как носителя рекорда не был непрерывным. В 1989 году его перебила работа коллеги по цеху Виллема де Кунинга: двухметровая абстракция «Смешение» была продана на Sotheby"s за $20,7 млн. Джасперу Джонсу пришлось подвинуться. Но через 8 лет, в 1997 году, де Кунинг умер, и «Фальстарт» Джонса снова занял первую строчку аукционного рейтинга ныне живущих художников почти на 10 лет.

Но в 2007 году все изменилось. Рекорд «Фальстарта» сначала затмили работы молодых и амбициозных Дэмиена Херста и Джеффа Кунса. Потом была рекордная продажа за $33,6 млн картины «Спящий инспектор по пособиям» кисти Лусиена Фрейда (ныне уже покойного, а значит, не участвующего в этом рейтинге). Дальше начались рекорды Герхарда Рихтера. В общем, пока что с текущим рекордом в 36 млн Джаспер Джонс, один из мэтров американского послевоенного искусства, работающий на стыке нео-дадаизма, абстрактного экспрессионизма и поп-арта, находится на почетном третьем месте.

6. ЭД РУШЕЙ Smash. 1963. $30,4 млн

Внезапный успех картины «Smash» кисти американского художника Эдварда Рушея (р. 1937) на торгах Christie’s 12 ноября 2014 вывел этого автора в число самых дорогих ныне живущих художников. Предыдущая рекордная цена на работы Эда Рушея (часто фамилию Ruscha произносят по-русски как «Руша», однако верное произношение - Рушей) составляла «всего» $6,98 млн: столько заплатили за его холст «Горящая бензоколонка» в 2007 году. Семь лет спустя его «Smash» при эстимейте $15–20 млн достиг цены молотка $30,4 млн . Очевидно, что рынок работ этого автора вышел на новый уровень - не зря его работами украшает Белый Дом Барак Обама, а сам Ларри Гагосян выставляет его в своих галереях.

Эд Рушей никогда не стремился в послевоенный Нью-Йорк с его повальным увлечением абстрактным экспрессионизмом. Вместо этого на протяжении более 40 лет он искал вдохновения в Калифорнии, куда переехал из Небраски в возрасте 18 лет. Художник стоял у истоков нового течения в искусстве, получившего название поп-арт. Вместе с Уорхолом, Лихтенштейном, Уэйном Тибо и другими певцами массовой культуры Эдвард Рушей в 1962 году принял участие в выставке «Новое изображение обычных вещей» в Музее Пасадены, ставшей первой музейной экспозицией американского поп-арта. Впрочем, сам Эд Рушей не любит, когда его творчество относят к поп-арту, концептуализму или какому-то другому течению в искусстве.

Его уникальный стиль называют «текстовой живописью». С конца 1950-х Эд Рушей начал рисовать слова. Так же, как для Уорхола произведением искусства стала банка супа, для Эда Рушея таковыми стали обычные слова и фразы, взятые им то ли с рекламного щита или упаковки в супермаркете, то ли из титров кинофильма (Голливуд всегда был у Рушея «под боком», и в отличие от многих коллег-художников Рушей уважал «фабрику грез»). Слова на его полотнах приобретают свойства трехмерных объектов, это настоящие натюрморты из слов. При взгляде на его полотна первым в голову приходит визуальное и звуковое восприятие нарисованного слова, и уже после - смысловое значение. Последнее, как правило, не поддается однозначной дешифровке; выбираемые Рушеем слова и фразы можно трактовать по-разному. То же ярко-желтое слово «Smash» на глубоком синем фоне может восприниматься как агрессивный призыв разбить вдребезги что-то или кого-то; как одинокое прилагательное, вырванное из контекста (часть какого-то газетного заголовка, например), или же просто как отдельное слово, пойманное в урбанистическом потоке визуальных образов. Эд Рушей наслаждается этой неопределенностью. «Я всегда глубоко уважал странные, необъяснимые вещи… Объяснения в каком-то смысле убивают вещь», - сказал он в одном из интервью.

7. КРИСТОФЕР ВУЛ Без названия (RIOT). 1990. $29,93 млн

Американский художник Кристофер Вул (1955) впервые ворвался в рейтинг ныне живущих художников в 2013 году - после продажи работы «Апокалипсис сегодня» за $26,5 млн. Этот рекорд сразу поставил его в один ряд с Джаспером Джонсом и Герхардом Рихтером. Сумма этой исторической сделки - больше $20 млн - удивила многих, поскольку до нее цены на работы художника не превышали $8 млн. Однако бурный рост рынка работ Кристофера Вула к тому моменту был уже налицо: в послужном списке художника было 48 аукционных сделок на суммы свыше $1 млн, причем 22 из них (почти половина) состоялись в 2013 году. Два года спустя количество работ Криса Вула, проданных дороже $1млн, достигло 70, и новый персональный рекорд не заставил себя ждать. На торгах Sotheby’s 12 мая 2015 работа «Без названия (RIOT)» была продана за $29,93 млн с учетом Buyer’s Premium.

Кристофер Вул известен главным образом своими масштабными работами с изображениями черных букв на белых алюминиевых листах. Именно они, как правило, устанавливают рекорды на аукционах. Все это вещи конца 1980-х - начала 1990-х. Как гласит легенда, однажды Вул прогуливался вечером по Нью-Йорку и вдруг увидел на новом белом грузовике граффити черными буквами - слова sex и luv. Это зрелище так его впечатлило, что он тут же вернулся в мастерскую и написал свою версию с этими же словами. На дворе был 1987 год, и дальнейшие поиски художником слов и фраз для своих «буквенных» работ отражают противоречивый дух этого времени. Это и призыв «продай дом, продай машину, продай детей», взятый Вулом из фильма «Апокалипсис сегодня», и слово «FOOL» («дурак») заглавными буквами, и слово «RIOT» («восстание»), часто встречавшееся в газетных заголовках того времени.

Слова и фразы Вул наносил на алюминиевые листы при помощи трафаретов алкидными или эмалевыми красками, намеренно оставляя потеки, следы от трафаретов и другие свидетельства творческого процесса. Слова художник делил так, чтобы зритель не сразу понимал смысл. Поначалу ты видишь только скопление букв, т. е. воспринимаешь слово как визуальный объект, и только потом вчитываешься и расшифровываешь смысл фразы или слова. Вул использовал шрифт, который был в ходу у американских военных после Второй мировой войны, что усиливает впечатление приказа, директивы, лозунга. Эти «буквенные» работы воспринимаются как часть городского ландшафта, как нелегальное граффити, нарушившее чистоту поверхности какого-то уличного объекта. Эта серия работ Кристофера Вула признана одной из вершин лингвистической абстракции, а потому и оценивается столь высоко любителями современного искусства.

8. ПИТЕР ДОЙГ Роуздейл. 1991. $28,81 млн

Британец Питер Дойг (1959), хоть он и относится к поколению постмодернистов Кунса и Херста, избрал для себя вполне традиционный жанр пейзажа, долгое время бывший не в фаворе у передовых художников. Своим творчеством Питер Дойг возрождает угасший было интерес публики к фигуративной живописи. Его работы высоко оценивают как критики, так и неспециалисты, и свидетельство тому - стремительный рост цен на его произведения. Если в начале 1990-х его пейзажи стоили несколько тысяч долларов, то теперь счет идет на миллионы.

Творчество Дойга часто называют магическим реализмом. На основе реальных пейзажей он создает фантазийные, загадочные и зачастую мрачные образы. Художник любит изображать покинутые людьми объекты: полуразрушенное здание постройки Ле Корбюзье посреди леса или пустое белое каноэ на глади лесного озера. Помимо природы и воображения, Дойга вдохновляют фильмы ужасов, старые открытки, фотографии, любительские видеозаписи и проч. Картины Дойга красочны, сложны, декоративны и не провокационны. Такой живописью владеть приятно. Подогревает интерес коллекционеров еще и невысокая продуктивность автора: проживающий в Тринидаде художник создает не более десятка картин в год.

В начале 2000-х отдельные пейзажи художника продавались за несколько сотен тысяч долларов. Тогда же работы Дойга попали в галерею Саатчи, на биеннале в Музее Уитни и в коллекцию МоМА. В 2006 году была преодолена аукционная планка в $1 млн. А в следующем году произошел неожиданный прорыв: работа «Белое каноэ», предложенная на Sotheby’s 7 февраля 2007 года с эстимейтом $0,8–1,2 млн, в пять раз превысила предварительную оценку и была продана за £5,7 млн ($11,3 млн). На тот момент это была рекордная цена для работ ныне живущего европейского художника.

В 2008-м прошли персональные выставки Дойга в галерее Тейт и в Музее современного искусства в Париже. Многомиллионные ценники для работ Дойга стали нормой. Персональный рекорд Питера Дойга в последнее время стал обновляться по нескольку раз в год - мы только и успеваем, что менять картинку и место этого художника в нашем рейтинге ныне живущих авторов.

На сегодняшний день самая дорогая работа Питера Дойга - снежный пейзаж «Роуздейл» (“Rosedale”) 1991 года. Что интересно, рекорд был установлен не на Sotheby’s или Christie’s, а на торгах современного искусства аукционного дома Phillips. Это произошло 18 мая 2017 года. Вид заснеженного Роуздейла, одного из районов Торонто, был продан телефонному покупателю за $28,81 млн. Это примерно на 3 миллиона выше предыдущего рекорда ($25,9 млн за работу «Поглощенные трясиной»). Полотно «Роуздейл» принимало участие в ключевой выставке Дойга в галерее Whitechapel в Лондоне в 1998 году, и в целом эта работа для рынка была свежей, а потому рекордная цена вполне заслужена.

9. ФРЭНК СТЕЛЛА Мыс сосен. 1959. $28 млн

Фрэнк Стелла (Frank Stella) - яркий представитель постживописной абстракции и минимализма в искусстве. На определенном этапе его относят к представителям стиля жестких контуров (hard edge painting). На первых порах Стелла противопоставил строгую геометричность, аскетичную монохромность и структурированность своих картин спонтанности и хаотичности полотен абстрактных экспрессионистов вроде Джексона Поллока.

В конце 1950-х годов художник был замечен известным галеристом Лео Кастелли и впервые удостоился выставки. На ней он представил так называемые «Черные картины» - полотна, закрашенные параллельными черными линиями с тонкими промежутками незакрашенного холста между ними. Линии складываются в геометрические формы, чем-то напоминающие оптические иллюзии, те самые картинки, которые мерцают, движутся, закручиваются, создают ощущение глубокого пространства, если долго на них смотреть. Тему параллельных линий с тонкими разделительными полосками Стелла продолжил в работах на алюминии и меди. Менялись краски, живописная основа и даже форма картин (среди прочих выделяются работы в форме букв U, T, L). Но главный принцип его живописи по-прежнему состоял в четкости контура, монументальности, простой форме, монохромности. В последующие десятилетия Стелла ушел от такой геометричной живописи в сторону плавных, природных форм и линий, а от однотонных картин - к ярким и разнообразным цветовым переходам. В 1970-е Стеллу пленили огромные лекала, с помощью которых красят корабли. Художник использовал их для огромных картин с элементами ассамбляжа - включал в работы куски стальных труб или проволочной сетки.

В своих ранних интервью Фрэнк Стелла откровенно рассуждает насчет вкладываемых в свои работы смыслов, точнее, насчет их отсутствия: «То, что ты видишь, есть то, что ты видишь». Картина есть сама по себе объект, а не воспроизведение чего-либо. «Это плоская поверхность с краской на ней и ничего больше», - говорил Стелла.

Что ж, подписанная Фрэнком Стеллой, эта «поверхность с краской на ней» сегодня может стоить миллионы долларов. Впервые в рейтинг ныне живущих художников Фрэнк Стелла попал в 2015 году с продажей работы «Переход Делавера» (1961) за $13,69 млн с учетом комиссии.

Спустя четыре года, 15 мая 2019 года новый рекорд установила ранняя (1959 года) работа «Мыс сосен»: цена молотка составила свыше $28 млн с учетом комиссии. Это одна из 29 «черных картин» - тех самых, с которыми Стелла дебютировал на своей первой выставке в Нью-Йорке. Выпускнику Принстонского университета Фрэнку Стелле тогда было 23 года. Денег на масляную краску для художников ему часто не хватало. Молодой художник подрабатывал ремонтными работами, ему очень понравились чистые цвета малярной краски, и тогда возникла идея работать этой краской на холсте. Черной эмалевой краской Стелла пишет параллельные полосы, оставляя тонкие линии незагрунтованного холста между ними. Причем пишет он без линеек, на глаз, без предварительного наброска. Стелла никогда не знал, сколько именно черных линий получится на конкретной картине. Например, на картине «Мыс сосен» их получилось 35. Название работы отсылает к названию мыса в заливе Массачусетс - Point of pines. В начале ХХ века на нем был большой парк аттракционов, а сегодня это один из районов города Ревир.

10. ЁСИТОМО НАРА Нож за спиной. 2000. $24,95 млн

Ёситомо Нара (1959) - одна из ключевых фигур японского нео-поп-арта. Японского - потому что, несмотря на глобальную известность и долгие годы работы за рубежом, его творчество по-прежнему отличает выраженная национальная идентичность. Любимые персонажи Нары - девчонки и собаки в стиле японских комиксов манга и аниме. Придуманные им образы уже много лет как «ушли в народ»: их печатают на футболках, делают с ними сувениры и разный «мерч». Родившегося в бедной семье, далеко от столицы, его не только любят за талант, но и ценят как человека, сделавшего себя. Художник работает быстро, экспрессивно. Известно, что некоторые его шедевры были выполнены буквально за ночь. Картины и скульптуры Ёситомо Нары, как правило, очень лаконичны, а то и скупы в выразительных средствах, но всегда несут сильный эмоциональный заряд. Девочки-подростки у Нары часто смотрят на зрителя с недобрым прищуром. В их глазах - дерзость, вызов и агрессия. В руках - то нож, то сигарета. Есть мнение, что изображенные перверсии поведения - это реакция на давящую общественную мораль, различные табу, и принципы воспитания, принятые у японцев. Почти средневековая строгость и стыд загоняют проблемы внутрь, создают почву для отложенного эмоционального взрыва. «Нож за спиной» как раз емко отражает одну из главных идей художника. В этой работе есть и ненавидящий взгляд девочки, и рука, угрожающе заведенная за спину. До 2019 года картины и скульптуры Ёситомо Нара уже не раз брали отметку в миллион, а то и несколько миллионов. Но двадцать миллионов - впервые. Нара - один из самых известных в мире художников японского происхождения. А теперь и самый дорогой из ныне живущих. 6 октября 2109 года на Sotheby’s в Гонконге он отобрал этот титул у Такаси Мураками и заметно обошел 90-летнюю авангардистку Яёи Кусаму (максимальные аукционные цены на ее картины уже приближаются к $9 млн).

11. ЦЗЭН ФАНЬЧЖИ Тайная вечеря. 2001. $23,3 млн

На торгах Sotheby’s в Гонконге 5 октября 2013 года масштабное полотно «Тайная вечеря» пекинского художника Цзэн Фаньчжи (1964) было продано за рекордную сумму 160 миллионов гонконгских долларов - $23,3 млн США. Итоговая стоимость работы Фаньчжи, написанной, конечно же, под влиянием творчества Леонардо да Винчи, оказалась вдвое выше предварительной оценки около $10 млн. Предыдущий ценовой рекорд Цзэн Фаньчжи - $9,6 млн , заплаченных на гонконгских торгах Christie’s в мае 2008 года за работу «Серия Маска. 1996. No. 6» .

«Тайная вечеря» - самое крупное (2,2 × 4 метра) полотно Фаньчжи в серии «Маски», охватывающей период с 1994 по 2001 год. Цикл посвящен эволюции китайского общества под влиянием экономических реформ. Внедрение правительством КНР элементов рыночной экономики привело к урбанизации и разобщению китайцев. Фаньчжи изображает жителей современных китайских мегаполисов, которым приходится бороться за место под солнцем. Всем известная композиция фрески Леонардо в прочтении Фаньчжи приобретает совсем иной смысл: место действия перенесено из Иерусалима в классную комнату китайской школы с типичными досками иероглифов на стенах. «Христос» и «апостолы» превратились в пионеров с алыми галстуками, и только «Иуда» носит золотой галстук - это метафора западного капитализма, проникающего и разрушающего привычный уклад жизни в социалистической стране.

Работы Цзэн Фаньчжи стилистически близки европейскому экспрессионизму и столь же драматичны. Но при этом они полны китайской символики и специфики. Эта разносторонность привлекает к творчеству художника как китайских, так и западных коллекционеров. Прямое подтверждение тому - провенанс «Тайной вечери»: работа была выставлена на торги известным коллекционером китайского авангарда 1980-х - начала 1990-х - бельгийским бароном Ги Улленсом.

12. РОБЕРТ РАЙМАН Мост. 1980. $20,6 млн

На торгах Christie’s 13 мая 2015 абстрактная работа «Мост» 85-летнего американского художника Роберта Раймана (Robert Ryman) была продана за $20,6 млн с учетом комиссии - в два раза дороже нижнего эстимейта.

Роберт Райман (1930) не сразу понял, что хочет стать художником. В возрасте 23 лет он переехал в Нью-Йорк из Нэшвилла (штат Теннеси), желая стать джазовым саксофонистом. А пока он не стал знаменитым музыкантом, пришлось подрабатывать охранником в МоМА, где состоялось его знакомство с Солом Ле Виттом и Дэном Флавином. Первый работал в музее ночным секретарем, а второй охранником и лифтером. Под впечатлением от увиденных им в МоМА работ абстрактных экспрессионистов - Ротко, Де Кунинга, Поллока и Ньюмана - Роберт Райман в 1955 году сам занялся живописью.

Раймана часто причисляют к минималистам, однако он предпочитает называться «реалистом», поскольку его не интересует создание иллюзий, он лишь демонстрирует качества используемых им материалов. Большинство его работ написаны красками всех возможных оттенков белого цвета (от сероватого или желтоватого - до ослепительно белого) на основе лаконичной квадратной формы. За свою карьеру Роберт Райман перепробовал множество материалов и техник: писал маслом, акрилом, казеином, эмалью, пастелью, гуашью и т. д. на холсте, стали, плексигласе, алюминии, бумаге, гофрокартоне, виниле, обоях и пр. Его друг, профессиональный реставратор Оррин Райли, консультировал его насчет едкости тех материалов, что ему приходило в голову использовать. Как сказал однажды художник, «у меня никогда не возникает вопроса, что писать, главное - как писать». Все дело в текстуре, в характере мазков, в границе между красочной поверхностью и краями основы, а также в соотношении работы и стены. С 1975 года особым элементом его произведений становятся крепления, дизайн которых Райман разрабатывает сам и нарочно оставляет их видимыми, подчеркивая его работы «настолько же реальны, насколько реальны стены, на которых они висят». Райман предпочитает давать работам «имена», но не «названия». «Имя» - это то, что помогает отличать одну работу от другой, и Райман часто дает имена своим произведениям по маркам краски, компаниям и т.д., а «название» претендует на какие-то аллюзии и глубоко сокрытые смыслы, наличие которых в своих работах художник регулярно отрицает. Ничего, кроме материала и техники, не имеет значения.

13. ДЭМИЕН ХЕРСТ Сонная весна. 2002. $19,2 млн

Английскому художнику Дэмиену Херсту (1965) суждено было первым замахнуться на первое место этого рейтинга в споре с живым классиком Джаспером Джонсом. Уже упомянутая работа «Фальстарт» могла бы еще долго оставаться непотопляемым лидером, если бы 21 июня 2007 года инсталляция на тот момент 42-летнего Херста «Сонная весна» (2002) не была продана на Sotheby"s за £9,76 млн, то есть за $19,2 млн . Работа, к слову, имеет довольно необычный формат. С одной стороны, это шкаф-витрина с муляжами таблеток (6 136 пилюль), по сути, классическая инсталляция. А с другой - витрина эта сделана плоской (10 см в глубину), забрана в раму и вешается на стену, как плазменная панель, вполне обеспечивая тем самым комфорт владения, свойственный картинам. В 2002 году сестра этой инсталляции, «Сонная зима», ушла за $7,4 млн, более чем в два раза дешевле. Разницу в цене кто-то «объяснял» тем, что у зимы таблетки более блеклые. Но понятно, что данное объяснение абсолютно беспочвенно, ибо механизм ценообразования для подобных вещей уже не связан с их декоративностью.

В 2007-м многие признали Херста автором самой дорогой работы среди здравствующих художников. Вопрос, правда, из разряда «смотря как считать». Дело в том, что Херст продавался за дорогие фунты, а Джонс за ныне подешевевшие доллары, да еще и двадцать лет назад. Но даже если считать по номиналу, без учета 20-летней инфляции, то в долларах дороже была работа Херста, а в фунтах - Джонса. Ситуация складывалась пограничная, и каждый сам был волен решать, кого считать самым дорогим. Но продержался Херст на первом месте не так уж и долго. В том же 2007 году его сместил с первого места Кунс со своим «Подвесным сердечком».

Как раз накануне глобального спада цен на современное искусство Херст предпринял беспрецедентное для молодого художника начинание - соло-аукцион своих работ, который состоялся 15 сентября 2008 года в Лондоне. Весть об объявленном накануне банкротстве банка Lehman Brothers нисколько не испортила аппетита любителям современного искусства: из предложенных Sotheby’s 223 работ новых владельцев не нашли всего пять (одним из покупателей, к слову, был Виктор Пинчук). Произведение «Золотой телец» - огромное чучело быка в формальдегиде, увенчанное золотым диском, - принесло аж £10,3 млн ($18,6 млн) . Это лучший результат Херста, если считать в фунтах (в той валюте, в которой проводилась сделка). Однако мы ведем ранжирование в пересчете на доллары, поэтому (да простит нас «Золотой телец») лучшей продажей Херста мы будем считать все же «Сонную весну».

С 2008 года продаж уровня «Сонной весны» и «Золотого тельца» у Херста не было. Свежие рекорды 2010-х - на работы Рихтера, Джонса, Фаньчжи, Вула и Кунса - подвинули Дэмиена на шестую строчку нашего рейтинга. Но не будем выносить категоричного суждения о закате эры Херста. По мнению аналитиков, Херст как «суперстар» уже вошел в историю, а значит, покупать его будут еще очень долго; впрочем, наибольшая ценность в будущем прогнозируется для произведений, созданных в наиболее новаторский период его карьеры, то есть в 1990-х.

14. МАУРИЦИО КАТТЕЛАН Him. 2001. $17,19 млн

Итальянец Маурицио Каттелан (1960) пришел в искусство после того, как поработал охранником, поваром, садовником и дизайнером мебели. Автор-самоучка стал всемирно известен благодаря своим ироничным скульптурам и инсталляциям. Он обрушивал метеорит на Папу Римского, превращал жену заказчика в охотничий трофей, продырявил пол в музее старых мастеров, показывал гигантский средний палец фондовой бирже в Милане, приводил живого ослика на ярмарку Frieze. В ближайшем будущем Каттелан обещает установить золотой унитаз в Музее Гуггенхайма. В конечном итоге выходки Маурицио Каттелана получили широкое признание в арт-мире: его приглашают на Венецианскую биеннале (инсталляция «Другие» в 2011 году - стая из двух тысяч голубей, которые грозно взирают со всех труб и балок на проходящие внизу толпы посетителей), устраивают ему ретроспективу в нью-йоркском Музее Гуггенхайма (ноябрь 2011) и, наконец, платят за его скульптуры большие деньги.

С 2010 года самой дорогой работой Маурицио Каттелана была восковая скульптура выглядывающего из дырки в полу человека, внешне похожего на самого художника («Без названия», 2001). Эта скульптура-инсталляция, существующая в количестве трех экземпляров плюс авторская копия, впервые была продемонстрирована в Музее Бойманса ван Бёнингена в Роттердаме. Тогда этот озорной персонаж выглянул из дырки в полу зала с картинами голландских живописцев XVIII - XIX веков. Маурицио Каттеллан в этом произведении ассоциирует себя с дерзким преступником, вторгающимся в сакральное пространство музейного зала с картинами великих мастеров. Тем самым он хочет лишить искусство ореола святости, который ему придают музейные стены. Работу, ради экспонирования которой каждый раз приходится дырявить пол, продали за $7,922 млн на Sotheby’s.

Рекорд продержался до 8 мая 2016 года, когда еще более провокационная работа Каттелана «Him», изображающая коленопреклоненного Гитлера, ушла с молотка за $17,189 млн. Вещь странная. Название странное. Выбор персонажа - рискованный. Как все у Каттелана. Что значит Him? «Его» или «His infernal majesty»? Понятно, что речь точно не идет о воспевании образа фюрера. В этой работе Гитлер предстает скорее в беспомощном, жалком виде. И абсурдном - воплощение Сатаны выполнен ростом с ребенка, одет в костюм школьника и стоит на коленях со смиренным выражением на лице. Для Каттелана этот образ - приглашение к размышлению о природе абсолютного зла и способ избавления от страхов. Кстати, западному зрителю скульптура «Him» хорошо известна. Ее собратья по серии выставлялись более 10 раз в ведущих музеях мира, включая Центр Помпиду и Музей Соломона Гугенхайма.

15. МАРК ГРОТЬЯН Без названия (S III Released to France Face 43.14). 2011. $16,8 млн

17 мая 2017 года на вечерних торгах Christie’s в Нью-Йорке появилась одна из самых мощных живописных работ Марка Гротьяна из когда-либо выставлявшихся на торги. Картину «Без названия (S III Released to France Face 43.14)» выставил парижский коллекционер Патрик Сегин с оценкой в $13–16 млн, и поскольку продажа лота была гарантирована третьей стороной, то установлению нового персонального аукционного рекорда 49-летнего художника никто особо не удивился. Цена молотка $14,75 млн (а с учетом Buyer’s Premium $16,8 млн) превзошла прежний аукционный рекорд Гротьяна больше, чем на $10 млн. Это позволило ему войти в клуб ныне живущих художников, чьи работы продаются за восьмизначные суммы. Семизначных же результатов (продаж дороже $1 млн, но не более $10 млн) в аукционной копилке Марка Гротьяна уже около тридцати.

Марк Гротьян (1968), в чьем творчестве специалисты усматривают влияние модернизма, абстрактного минимализма, поп- и оп-арта, пришел к своему фирменному стилю в середине 1990-х, после переезда вместе с другом Брентом Петерсоном в Лос-Анджелес и открытия там галереи «Комната 702». Как вспоминает сам художник, в то время он начал думать о том, что для него в искусстве на первом месте. Он искал тот мотив, с которым можно бы было экспериментировать. И понял, что ему всегда были интересны линия и цвет. Эксперименты в духе лучизма и минимализма с линейной перспективой, многочисленными точками схода и разноцветными абстрактными треугольными формами в итоге принесли Гротьяну мировую славу.

От абстрактных красочных пейзажей с несколькими линиями горизонта и точками схода перспективы в итоге он пришел к треугольным формам, напоминающим крылья бабочек. Картины Гротьяна 2001–2007 гг. так и называют - «Бабочки». Сегодня перемещение точки схода или использование сразу нескольких точек схода, разнесенных в пространстве, считается одним из самых сильных приемов художника.

Следующая большая серия работ получила название «Лица»; в абстрактных линиях этой серии угадываются черты человеческого лица, упрощенного до состояния маски в духе Матисса, Явленского или Бранкузи. Говоря о предельном упрощении и стилизации форм, о композиционном решении картин, когда разрозненные контуры глаз, ртов словно смотрят на нас из лесной чащи, исследователи отмечают связь «Лиц» Гротьяна с искусством первобытных племен Африки и Океании, тогда как самому художнику попросту «нравится образ глаз, смотрящих из джунглей. Я иногда представлял себе лица бабуинов или мартышек. Не могу сказать, что сознательно или подсознательно я находился под влиянием первобытного африканского искусства, скорее, на меня влияли художники, находившиеся под его влиянием. Пикассо является наиболее очевидным примером».

Работы серии «Лица» называют брутальными и элегантными, радующими глаз и приятными для ума. Со временем меняется и фактура этих работ: для создания эффекта внутреннего пространства художник использует широкие мазки густой краски, даже разбрызгивание в стиле Поллока, однако поверхность картины выровнена так, что при близком рассмотрении она кажется абсолютно плоской. Установившая аукционный рекорд картина «Без названия (S III Released to France Face 43.14)» относится как раз к этой прославленной серии Марка Гротьяна.

16. ТАКАСИ МУРАКАМИ Мой одинокий ковбой. $ 15,16 млн

Японец Такаси Мураками (1962) вошел в наш рейтинг со скульптурой «Мой одинокий ковбой» , проданной на Sotheby’s в мае 2008 года за $15,16 млн . С этой продажей Такаси Мураками долгое время считался самым успешным ныне живущим азиатским художником - пока его не затмил продажей «Тайной вечери» Цзэн Фаньчжи.

Такаси Мураками работает как художник, скульптор, дизайнер одежды и аниматор. Мураками хотел взять за основу своего творчества что-то действительно японское, без западных и любых других заимствований. В студенческие годы его увлекала традиционная японская живопись нихонга, позже на смену ей пришло популярное искусство аниме и манга. Так родились психоделический Mr DOB, узоры из улыбающихся цветочков и яркие, блестящие скульптуры из стеклопластика, словно бы только что сошедшие со страниц японских комиксов. Одни считают искусство Мураками фаст-фудом и воплощением пошлости, другие называют художника японским Энди Уорхолом - и в рядах последних, как видим, немало очень богатых людей.

Мураками позаимствовал название для своей скульптуры у фильма Энди Уорхола «Одинокие ковбои» (1968), который японец, как он сам признался, никогда не смотрел, но уж больно ему понравилось сочетание слов. Мураками одной скульптурой и угодил поклонникам эротических японских комиксов, и посмеялся над ними. Увеличенный в размерах, да к тому же еще и трехмерный, герой аниме превращается в фетиш массовой культуры. Это художественное высказывание вполне в духе классического западного поп-арта (вспомним мебельный гарнитур Аллена Джонса или «Розовую пантеру» Кунса), но с национальной изюминкой.

17. KAWS. Альбом KAWS. 2005. $14 784 505

KAWS - псевдоним американского художника Брайана Донелли из Нью-Джерси. Он - самый молодой участник нашего рейтинга, 1974 года рождения. Донелли начинал художником-аниматором в Disney (рисовал фоны для мультфильма «101 далматинец» и др). С юности увлекался граффити. Его фирменным рисунком поначалу был череп с «иксами» на месте глазниц. Работы молодого райтера полюбились деятелям шоу-бизнеса и людям из индустрии моды: он сделал обложку для альбома Канье Уэста, выпускал коллаборации Nike, Comme des Garçons и Uniqlo. Со временем KAWS стал известной фигурой в мире современного искусства. Его фирменная фигурка, напоминающая Микки-Мауса, прижилась в музеях, публичных пространствах и в частных собраниях. Как-то раз KAWS выпустил лимитированную серию виниловых игрушек совместно с брендом My Plastic Heart, и они неожиданно стали предметом высокого коллекционного интереса. Одним из страстных коллекционеров этих «игрушек» является основатель Black Star рэпер Тимати: он почти полностью собрал всю серию «Компаньонов Кавс».

Работа KAWS установила рекорд для творчества художника - 14,7 миллиона долларов - на торгах Sotheby’s в Гонконге 1 апреля 2019 года. Раньше она была в коллекции японского модного дизайнера Ниго. Метровый холст The KAWS Album - оммаж обложке знаменитого альбома The Beatles «Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера» (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band) 1967 года. Только вместо людей на нем нарисованы Kimpsons - стилизованные герои мультсериала Simpsons с «иксами» вместо глаз.

18. ЦЗИНЬ ШАНИ Таджикская невеста. 1983. $13,89 млн

Среди сравнительно молодых и современных китайских художников, которые все как один относятся к так называемой «новой волне» конца 1980-х в китайском искусстве, в наш рейтинг совершенно неожиданно попал представитель совсем другого поколения и другой школы. Цзинь Шани (Jin Shangyi), которому сейчас уже за 80, относится к ярким представителям первого поколения художников коммунистического Китая. Взгляды этой группы художников формировались в большой мере под влиянием ближайшего коммунистического соратника - СССР.

Официальное советское искусство, соцреализм, непривычная еще тогда для Китая масляная живопись (в противовес традиционной китайской росписи тушью) в 1950-е годы были на пике популярности, и в Пекинский художественный университет на три года (с 1954 по 1957) приехал преподавать советский художник Константин Мефодьевич Максимов. К нему в класс и попал Цзинь Шани, который на тот момент был самым молодым в группе. Своего учителя художник всегда вспоминал с большим теплом, говорил, что именно Максимов научил его правильно понимать и изображать модель. К. М. Максимов воспитал целую плеяду китайских реалистов, ныне классиков.

В творчестве Цзинь Шани чувствуется влияние как советского «сурового стиля», так и европейской школы живописи. Много времени художник посвятил изучению наследия Ренессанса и классицизма, при этом он считал необходимым сохранять и китайский дух в своих работах. Картина «Таджикская невеста», написанная в 1983 году, считается общепризнанным шедевром, новой вехой в творчестве Цзинь Шани. Её-то и выставили на аукционе China Guardian в ноябре 2013 года и продали в несколько раз дороже эстимейта - за $13,89 млн с учетом комиссии.

19. БЭНКСИ Разложившийся парламент. 2008. $12,14 млн

Настенные росписи с тэгом Banksy стали появляться на стенах городов (сначала британских, а потом по всему миру) в конце 1990-х годов. Его философские и вместе с тем острые граффити были посвящены проблемам наступления государства на свободы граждан, преступлениям против окружающей среды, безответственному потреблению, бесчеловечности системы незаконной миграции. Со временем настенные «упреки» Бэнкси приобрели невиданную медийную популярность. По сути, он стал одним из главных выразителей общественного мнения, осуждающего лицемерие государств и корпораций, продуцирующее нарастающую несправедливость в капиталистической системе.

Значение Бэнкси, чувство «нерва времени» и точность его метафор оценили не только зрители, но и коллекционеры. В 2010-х за его произведения давали сотни тысяч, а то и больше миллиона долларов. Дошло до того, что граффити Бэнкси выламывали и воровали вместе с кусками стен.

В эпоху развитой цифровой слежки Бэнкси по-прежнему удается сохранять анонимность. Есть версия, что это больше не один человек, а группа из нескольких художников, во главе которой стоит талантливая женщина. Это бы многое объяснило. И внешнее несходство райтеров, пойманных в объективы камер свидетелей, и обезличенный трафаретный способ нанесения (дает высокую скорость и не требует непосредственного участия автора), и трогательную романтичность сюжетов росписей (шарики, снежинки и пр.). Как бы ни было, люди из проекта Бэнкси, включая его помощников, умеют крепко держать язык за зубами.

В 2019 году самым дорогим произведением Бэнкси неожиданно стал четырехметровый холст Devolved Parliament («деградировавший», «разложившийся» или «передавший полномочия» парламент). Шимпанзе, спорящие в палате общин, словно издеваются над зрителями в год скандального Brexit. Удивительно, что картина была написана за 10 лет до этого исторического переломного момента, и поэтому кто-то считает ее пророческой. На аукционе Sotheby’s 3 октября 2019 года в ходе ожесточенного торга неизвестный покупатель приобрел это масло за $12 143 000 - в шесть раз дороже предварительной оценки.

20. ДЖОН КАРРЕН «Мило и просто». 1999. $12,007 млн

Американский художник Джон Каррен (1962) известен своими сатирическими фигуративными картинами на провокационные сексуальные и социальные темы. Работы Каррена умудряются сочетать приемы живописи старых мастеров (в особенности Лукаса Кранаха Старшего и маньеристов) и фэшн-фотографии из глянцевых журналов. Добиваясь большего гротеска, Каррен часто искажает пропорции человеческого тела, увеличивает или уменьшает его отдельные части, изображает героев в ломаных, манерных позах.

Начинал Каррен в 1989-м с портретов девушек, перерисованных из школьного альбома; продолжил в начале 1990-х картинами с пышногрудыми красотками, вдохновленными фото из Cosmopolitan и Playboy; в 1992 году появились портреты состоятельных пожилых дам; а в 1994 году Каррен женился на скульпторе Рейчел Файнштейн, которая стала его главной музой и моделью на долгие годы. К концу 1990-х техническое мастерство Каррена в сочетании с китчем и гротеском его картин принесли ему популярность. В 2003 году за раскрутку художника взялся Ларри Гагосян, а уж если за автора берется такой дилер, как Гагосян, то успех гарантирован. В 2004 году состоялась ретроспектива Джона Каррена в Музее Уитни.

Примерно в это время работы его стали продаваться за шестизначные суммы. Текущий рекорд для живописи Джона Каррена принадлежит работе «Мило и просто», проданной 15 ноября 2016 года на Christie’s за $12 млн. Картина с двумя обнаженными с трудом преодолела нижнюю планку эстимейта $12–18 млн. И тем не менее, для Джона Каррена, которому сейчас за 50, это безусловно прорыв в карьере. Его прежний рекорд 2008 года составлял $5,5 млн (заплаченных, кстати, за ту же самую работу «Мило и просто»).

21. БРАЙС МАРДЕН The Attended. 1996–1999. $10,917 млн

Еще один ныне живущий американский абстракционист в нашем рейтинге - это Брайс Марден (1938). Работы Мардена в стиле минимализма, а с конца 1980-х - жестикулярной живописи, выделяются уникальной авторской, слегка приглушенной палитрой. Сочетания цветов на работах Мардена навеяны его путешествиями по миру - Греции, Индии, Тайланду, Шри-Ланке. Среди авторов, повлиявших на становление Мардена, - Джексон Поллок (в начале 1960-х Марден работал охранником в Еврейском музее, где воочию наблюдал «дриппинги» Поллока), Альберто Джакометти (познакомился с его работами в Париже) и Роберт Раушенберг (какое-то время Марден работал его ассистентом). Первый этап творчества Мардена отдан классическим минималистским полотнам, состоящим из цветных прямоугольных блоков (горизонтальных или вертикальных). В отличие от многих других минималистов, добивавшихся идеального качества произведений, как будто отпечатанных машиной, а не нарисованных человеком, Марден сохранял следы работы художника, сочетал разные материалы (восковые и масляные краски). С середины 1980-х годов, под влиянием восточной каллиграфии, на смену геометрической абстракции пришли извилистые, меандроподобные линии, фоном для которых служили все те же монохромные цветовые поля. Одна из таких «меандровых» работ - «The Attended» - на торгах Sotheby"s в ноябре 2013 года была продана за $10,917 млн с учетом комиссии.

22. Пьер Сулаж Peinture 186 x 143 cm, 23 décembre 1959. $10,6 млн

23. ЧЖАН СЯОГАН Вечная любовь. $10,2 млн

Еще один представитель китайского современного искусства - символист и сюрреалист Чжан Сяоган (1958) . На торгах Sotheby’s в Гонконге 3 апреля 2011 года , где распродавался китайский авангард из коллекции бельгийского барона Ги Улленса, триптих Чжан Сяогана «Вечная любовь» был продан за $10,2 млн . На тот момент это был рекорд не только для художника, но и для всего китайского контемпорари-арта. Говорят, что работу Сяогана купила жена миллиардера Ван Вэй (Wang Wei), которая собирается открывать собственный музей.

Чжан Сяоган, увлекающийся мистицизмом и восточной философией, написал историю «Вечной любви» в трех частях - жизнь, смерть и возрождение. Этот триптих участвовал в культовой выставке 1989 года «Китай/Авангард» в Национальном художественном музее. В том же 1989 году на площади Тяньаньмэнь военными были жестоко подавлены студенческие демонстрации. Вслед за этим трагическим событием началось закручивание гаек - выставка в Национальном музее была разогнана, многие художники эмигрировали. В ответ навязанному сверху соцреализму возникло направление циничного реализма, одним из главных представителей которого стал Чжан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Беспомощный Генри Мур. 1967. $9,9 млн

Американец Брюс Науман (1941) , обладатель главного приза 48 Венецианской биеннале (1999), долго шел к своему рекорду. Науман начинал свою карьеру в шестидесятых. Знатоки называют его, наряду с Энди Уорхолом и Йозефом Бойсом, одной из самых влиятельных фигур в искусстве второй половины ХХ века. Однако насыщенная интеллектуальность и абсолютная недекоративность некоторых его работ, очевидно, препятствовали его быстрому признанию и успеху у широкой публики. Науман часто экспериментирует с языком, открывая неожиданные смыслы привычных фраз. Слова становятся центральными персонажами многих его работ, в числе которых неоновые псевдовывески и панно. Сам Науман называет себя скульптором, хотя за последние сорок лет он попробовал себя в абсолютно разных жанрах - скульптуре, фотографии, видеоарте, перформансах, графике. В начале девяностых Ларри Гагосян произнес пророческие слова: «Настоящую ценность работ Наумана нам еще только предстоит осознать». Так оно и вышло: 17 мая 2001 года на Christie’s работа Наумана 1967 года «Беспомощный Генри Мур (вид сзади)» (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) поставила новый рекорд в сегменте послевоенного искусства. Сделанный из гипса и воска слепок связанных за спиной рук Наумана ушел с молотка за $9,9 млн в коллекцию французского магната Франсуа Пино (по другим данным, американки Филлис Уоттис). Эстимейт работы составлял всего $2–3 млн, так что результат стал для всех настоящей неожиданностью.

До этой легендарной продажи лишь две работы Наумана перешагнули планку в миллион долларов. А за всю его аукционную карьеру пока только шесть произведений, помимо «Генри Мура…», ушли за семизначные суммы, но их результаты все равно не идут ни в какое сравнение с девятью миллионами.

«Беспомощный Генри Мур» - одно из серии полемических произведений Наумана о фигуре Генри Мура (1898–1986), британского художника, которого в шестидесятые годы относили к величайшим скульпторам ХХ века. Молодые авторы, которые оказались в тени признанного мастера, тогда набросились на него с ярой критикой. Работа Наумана - ответ на эту критику и одновременно размышление на тему творчества. Название работы становится каламбуром, так как соединяет два значения английского слова bound - связанный (в буквальном смысле) и обреченный на некую участь.

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

№20. 75 100 000 долларов. «Королевский красный и синий», Марк Ротко, продана в 2012 году.

Величественный холст вошёл в число восьми работ, выбранных художником собственноручно для своей эпохальной персональной выставки в Институте искусств Чикаго.

№19. 76 700 000 долларов. «Избиение младенцев», Питер Пауль Рубенс, создана в 1610 году.

Картину приобрёл Кеннет Томпсоном на аукционе «Сотби» в Лондоне в июле 2002 года. Яркое и драматическое произведение Рубенса может бороться за звание «самый неожиданный успех». «Кристи» оценил это полотно всего в 5 млн. евро.

№18. 78 100 000 долларов. «Бал в Мулен де ла Галетт», Пьер-Огюст Ренуар, написана в 1876 году.

Работу продали в 1990 году, на тот момент она числилась второй самой дорогой картиной в мире из когда-либо проданных. Владельцем шедевра стал Риоеи Саито, председатель компании Daishowa Paper Manufacturing Co. Он хотел, чтобы холст кремировали вместе с ним после его смерти, но компания столкнулась с финансовыми затруднениями по кредитным обязательствам, поэтому картину пришлось использовать в качестве имущественного залога.

№17. 80 миллионов долларов. «Бирюзовая Мэрилин», Энди Уорхол, написана в 1964 г, продана в 2007 г.

Приобрёл г-н Стив Коэн. Цену не подтвердили, но эту цифру принято считать правдивой.

№16. 80 миллионов долларов. «Фальстарт», Джаспер Джонс, написана в 1959 г.

Картина принадлежала Дэвиду Геффену, который продал её генеральному директору инвестиционной группы Citadel, Кеннету С. Гриффину. Она признана самой дорогой картиной, которую удалось продать при жизни художника, культового мастера Джаспера Джонса.

№15. 82 500 000 долларов. «Портрет доктора Гаше», Винсент Ван Гог, 1890 год.

Японский бизнесмен Риоеи Саито приобрёл картину в 1990 году на аукционе. На тот момент времени она была самой дорогой картиной в мире. В ответ на возникший в обществе резонанс по поводу пожелания Сайто кремировать произведение искусства вместе с ним после смерти, бизнесмен пояснил, что, таким образом, он выражает свою беззаветную привязанность к картине.

№14. 86 300 000 долларов. «Триптих», Фрэнсис Бэкон, 1976 год.

Этот шедевр Бэкона из трёх частей побил предыдущий рекорд его проданных работ (52.68 млн. долл.). Картину приобрёл российский миллиардер Роман Абрамович.

№13. 87 900 000 долларов. «Портрет Адель Блох-Бауэр II», Густав Климт, 1912 год.

Единственная модель, дважды изображённая Климтом и проданная через несколько месяцев после первой версии. Это портрет Блох-Бауэр из числа четырех картин, за которые в 2006 году выручили в общей сложности 192 млн. долл. Покупатель неизвестен.

№12. 95 200 000 долларов. «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо, 1941 год.

Ещё одна картина Пикассо, которая ушла с молотка по баснословной цене. В 2006 году её приобрёл загадочный русский аноним, прикупив заодно работы Моне и Шагала общей стоимостью 100 миллионов долларов.

№11. 104 200 000 долларов. «Мальчик с трубкой», Пабло Пикассо, 1905 год.

Это первая живопись, преодолевшая барьер в 100 млн. долл. в 2004 году. Как ни странно, имя человека, проявившего столь живой интерес к портрету Пикассо, так и не обнародовали.

№10. 105 400 000 долларов. «Авария серебряной машины (двойная катастрофа)», Энди Уорхол, 1932 год.

Это самая дорогая работа известной легенды поп-арта, Энди Уорхола. Картина стала звездой современного искусства, уйдя с молотка на аукционе «Сотбис».

№9. 106 500 000 долларов. «Обнажённая, зелёные листья и бюст», Пабло Пикассо, 1932 год.

Этот чувственный и красочный шедевр стал самой дорогой работой Пикассо из когда-либо проданных на аукционе. Картина состояла в коллекции госпожи Сидни Ф. Броуди и не выставлялась на публике с 1961 года.

№8. 110 млн. долл. «Флаг», Джаспер Джонс, 1958 год.

«Флаг» - самая известная работа Джаспера Джонса. Художник нарисовал свой первый американский флаг в 1954-55гг.

№7. 119 900 000 долларов. «Крик», Эдвард Мунк, 1895 год.

Это уникальная и наиболее красочная работа из четырёх версий шедевра Эдварда Мунка «Крик». Лишь одна из них остаётся в частных руках.

№6. 135 000 000 долларов. «Портрет Адели Блох-Бауэр I», Густав Климт.

Мария Альтман в судебном порядке добивалась права обладать картиной, так как Адели Блох-Бауэр завещала её государственной галерее Австрии, а её муж позже отменил дарение на фоне событий Второй мировой войны. Вступив в законные права, Мария Альтман продала портрет Рональду Лаудеру, который выставил её в своей галерее в Нью-Йорке.

№5. 137 500 000 долларов. «Женщина III», Виллем де Кунинг.

Ещё одна картина, проданная Геффеном в 2006 году, но на этот раз покупателем выступил миллиардер Стивен А. Коэн. Эта странная абстракция вошла в серию из шести шедевров Кунинга, написанных в период с 1951 по 1953 гг.

№4. 140 000 000 долларов. «№ 5, 1948», Джексон Поллок.

Как сообщили в New York Times, кинопродюсер и коллекционер Дэвид Геффен продал эту картину Дэвиду Мартинесу, управляющему партнеру FinTech Advisory, хотя последний информацию не подтвердил. Правда окутана тайной.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Рейтинг аукционных результатов произведений русского искусства

1. К участию принимались только публичные аукционные результаты.
2. Принадлежность к русским художникам определялась по месту рождения. Родился в Российской империи или в СССР - значит, русский художник, без оглядок на этническое происхождение и скидок на то, как в дальнейшем сложилась судьба. К примеру, тот факт, что у Кандинского в разные годы были гражданства и русское, и немецкое, а умер он с французским, не является основанием усомниться, что художник русский.
3. Правило: один художник - одна картина. То есть ситуация, когда, строго говоря, все первые места пришлось бы отвести работам Марка Ротко , разрешается так: оставляем только самую дорогую работу, а все остальные результаты для картин этого художника игнорируем.

За основу рейтинга взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженные в долларах (цифры, показанные на европейских аукционах, т. е. в фунтах или евро, конвертированы в доллары по курсу на день торгов). Поэтому в рейтинг не попали ни «Испанка» Гончаровой, проданная 2 февраля 2010 года за £6,43 млн, ни картина «Вид Константинополя и пролива Босфор» Айвазовского, за которую 24 апреля 2012-го заплатили £3,23 млн. Да, в валюте сделки, т.е. в фунтах, они дороже картин, занявших место в рейтинге, а вот с курсом доллара им не повезло.

1. $86,88 млн. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое (1961)

Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий - в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и, безусловно, ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, он однажды демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он не раз отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру. Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный, за $65 млн, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о признании массовым зрителем, стал в итоге создателем картин, по-настоящему понятных до сих пор лишь кругу интеллектуалов и ценителей. Наконец, художник, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, чьи работы стали центральным элементом оформления церкви всех религий , закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…

Ротко, помнивший черту оседлости и казаков, возможно, удивился бы, что им гордятся еще и как русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке 1930-х - не случайно художник «урезал» родовую фамилию Роткович. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала - по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича - это часть России и будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революции Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, заметим, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. И даже пороки, которым Ротко предавался, в мире ассоциируются почему-то именно с русскими. Депрессию на Западе называют почему-то «русской болезнью». Что не аргумент, конечно, но еще один штрих к цельности натуры русского художника.

К новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х он предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими композицию. Интеллектуальная основа его работ - это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Единственное, на что он определенно рассчитывал, - на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие - двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля - это метафорические изображения бога.

Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам - максимум тоненькие плашки-кромки в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов - это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно мерцания света электрических ламп. Это мягкое растворение цвета в цвете особенно удавалось маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.

Сегодня картины Ротко - гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании - производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти $3 млн - весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в то время уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.

Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым - с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.

Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.

Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.

8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за $86,88 млн с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 × 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем надолго отдали ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.

2. $60,00 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция (1916)

За свою долгую жизнь сначала вместе с Робером, а после его смерти в 1941 в одиночку Соня сумела опробовать множество жанров в искусстве. Она занималась живописью, книжной иллюстрацией, театральными эскизами (в частности, оформляла декорации дягилевского балета «Клеопатра»), дизайном одежды, интерьера, узоров на текстиле и даже тюнингом автомобилей.

Ранние портреты и абстракции Сони Делоне 1900–10-х годов, а также работы серии «Цветовые ритмы» 1950–60-х пользуются большой популярностью на международных и национальных французских аукционах. Их цены нередко доходят до нескольких сотен тысяч долларов. Главный рекорд художницы был установлен больше 10 лет назад - 14 июня 2002 года на парижских торгах Calmels Cohen Paris. Тогда за €4,6 млн была продана абстрактная работа «Рынок в Миньо», написанная в 1915 году, в период жизни четы Делоне в Испании (1914–1920).

32. $4,30 млн. Михаил Нестеров. Видение отроку Варфоломею (1922)

Если оценивать наших художников по своеобразной шкале «русскости», то Михаила Васильевича Нестерова (1862–1942) смело можно ставить где-то в начале списка. Его картины с изображением святых, иноков, монахинь в лирическом «нестеровском» пейзаже, полностью созвучном с высокодуховным настроением героев, стали уникальным явлением в истории отечественного искусства. В своих полотнах Нестеров рассказывал о Святой Руси, о ее особом духовном пути. Художник, по собственному выражению, «избегал изображать сильные страсти, предпочитая им скромный пейзаж, человека, живущего внутренней духовной жизнью в объятиях нашей матушки-природы». А по оценке Александра Бенуа , Нестеров, наряду с Суриковым , был единственным русским художником, хоть отчасти приблизившимся к высоким божественным словам «Идиота» и «Карамазовых».

Особый стиль и религиозность живописи Нестерова сложились из множества факторов. Повлияло и воспитание в патриархальной, набожной купеческой семье в городе Уфе с ее типично русскими пейзажами, и годы обучения у передвижников Перова , Саврасова и Прянишникова в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (от них он перенял идею искусства, трогающего ум и сердце) и у Павла Чистякова в Академии художеств (здесь он взял технику академического рисунка), и поездки за вдохновением в Европу, и глубокая личная драма (смерть горячо любимой жены Марии через день после рождения их дочери Ольги).

В итоге к концу 1880-х - началу 1890-х Нестеров уже нащупал свою тему, и как раз в это время он написал «Видение отроку Варфоломею» (1889–1890). Сюжет картины взят из Жития преподобного Сергия. Отрок Варфоломей (будущий Сергий Радонежский) встретил ангела в облике инока и получил от него Божье благословение на то, чтобы уразуметь Святое Писание и превзойти своих братьев и сверстников. Картина проникнута ощущением чудесного - оно не только и не столько в фигурах Варфоломея и Святого старца, но и в окружающем пейзаже, по-особенному праздничном и одухотворенном.

На склоне лет художник не раз называл «Варфоломея» главным своим произведением: «…если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям - значит, он живой, значит, жив и я». Картина стала сенсацией XVIII выставки передвижников и вмиг сделала известным молодого уфимского художника (Нестерову тогда не исполнилось и тридцати). «Видение…» приобрел в свою коллекцию П. М. Третьяков, несмотря на попытки его отговорить со стороны, по выражению Нестерова, «правоверных передвижников», верно заметивших в работе подрыв «рационалистических» устоев движения. Однако художник уже взял свой собственный курс в искусстве, в итоге и сделавший ему славу.

С приходом советской власти для Нестерова с его религиозной живописью настали не лучшие времена. Художник перешел на портреты (благо имел возможность писать только глубоко симпатичных ему людей), а о прежних сюжетах не смел и думать. Однако, когда в начале 1920-х прошел слух о подготовке большой выставки русского искусства в Америке, Нестеров быстро решился участвовать в надежде на новую аудиторию. Им были написаны для выставки несколько работ, в том числе и авторское повторение «Видения отроку Варфоломею» (1922), в американской прессе названное «Видение святому Сергию в отрочестве». Новая версия меньше форматом (91 × 109) по сравнению с третьяковской (160 × 211), на небе появилась луна, краски пейзажа несколько более темные, а в лице отрока Варфоломея больше серьезности. Нестеров как бы подводит этой картиной итог большим переменам, произошедшим со времен написания первого «Видения…».

Картины Нестерова были среди немногих на выставке русского искусства в Нью-Йорке в 1924 году, которые были куплены. «Видение отроку Варфоломею» попало в коллекцию известных коллекционеров и покровителей Николая Рериха - Луиса и Нетти Хорш. С тех пор вплоть до 2007 года работа передавалась в этой семье по наследству. И наконец, 17 апреля 2007 года на русских торгах Sotheby’s полотно было выставлено с эстимейтом $2–3 млн и с легкостью его превысило. Итоговая цена молотка, ставшая рекордной для Нестерова, составила $4,30 млн. С этим результатом он и вошел в наш рейтинг.

33. $4,05 млн. Вера Рохлина. Картежники (1919)

Вера Николаевна Рохлина (Шлезингер) - еще одна замечательная художница русской эмиграции, попавшая в наш рейтинг наряду с Наталией Гончаровой, Тамарой Лемпицкой и Соней Делоне. Сведения о жизни художницы очень скудны, ее биография еще точно ждет своего исследователя. Известно, что родилась Вера Шлезингер в 1896 году в Москве в семье русского и француженки из Бургундии. Училась в Москве у Ильи Машкова и была чуть ли не любимой его ученицей, а после брала уроки в Киеве у Александры Экстер. В 1918 году вышла замуж за адвоката С. З. Рохлина и уехала с ним в Тифлис. Оттуда в начале 1920-х чета переехала во Францию, где Вера начала активно выставляться на «Осеннем салоне», «Салоне Независимых» и «Салоне Тюильри». В живописной манере сначала следовала идеям кубизма и постимпрессионизма, но к началу 1930-х уже выработала собственную манеру, которую один французский журнал назвал «художественным равновесием между Курбе и Ренуаром». В те годы Вера жила уже отдельно от мужа, на Монпарнасе, имела среди поклонников кутюрье Поля Пуаре, главной темой в живописи избрала женские портреты и ню, чему, возможно, способствовало ее знакомство с Зинаидой Серебряковой (сохранился даже портрет обнаженной Серебряковой кисти Рохлиной), а в парижских галереях проходили персональные выставки художницы. Но в апреле 1934 года 38-летняя Вера Рохлина покончила с собой. Что заставило женщину в расцвете лет, уже много чего добившуюся на творческом поприще, свести счеты с жизнью, остается загадкой. Ее преждевременную смерть называли крупнейшей потерей на арт-сцене Парижа в те годы.

Наследие Рохлиной находится преимущественно за рубежом, где Вера провела последние 13 лет жизни и где в полной мере раскрылся ее талант. В 1990-х - начале 2000-х французские музеи и галереи начали проводить персональные выставки Рохлиной и включать ее работы в групповые выставки художников Парижской школы. О ней узнали коллекционеры, ее работы стали продаваться на аукционах, причем довольно хорошо. Пик продаж и цен пришелся на 2007–2008 годы, когда около сотни тысяч долларов за хорошего формата живопись Рохлиной стали обычным явлением. И вот 24 июня 2008 года на вечерних торгах импрессионистов и модернистов Christie’s в Лондоне кубистическая картина Веры Рохлиной «Картежники», написанная до эмиграции, в 1919 году, неожиданно была продана в 8 раз дороже эстимейта - за £2,057 млн ($4,05 млн) при оценке £250–350 тыс.

34. $4,02 млн. Михаил Клодт. Ночь в Нормандии (1861)

35. $3,97 млн. Павел Кузнецов. Восточный город. Бухара (1912)

Для Павла Варфоломеевича Кузнецова (1878–1968), сына иконописца из города Саратова, выпускника Московского училища живописи, ваяния и зодчества (где он учился у Архипова , Серова и Коровина), одного из организаторов объединения «Голубая роза» , одной из главных и, определенно, самой признанной у публики темой творчества стал Восток. Когда первый символистский период 1900-х годов у Павла Кузнецова с полуфантастическими изображениями «Фонтанов», «Пробуждений» и «Рождений» исчерпал себя, художник отправился за вдохновением на Восток. Он вспомнил, как в детстве гостил у деда в заволжских степях и наблюдал за бытом кочевников. «Вдруг вспомнил про степи и поехал к киргизам», - писал Кузнецов. С 1909 по 1914 год Кузнецов проводил в киргизских степях, у кочевников, по несколько месяцев, проникаясь их образом жизни и принимая их своей родственной, «скифской» душой. В 1912–1913 годах художник проехал по городам Средней Азии, пожил в Бухаре, Самарканде, предгорьях Памира. В 1920-е исследование Востока продолжилось уже в Закавказье и Крыму.

Итогом этих восточных путешествий стали серии потрясающих картин, в которых чувствуется и «голуборозовская» любовь к синей гамме, и символика близких художнику с детства икон и храмовых фресок, и воспринятый опыт таких художников, как Гоген, Андре Дерен и Жорж Брак, ну и, конечно, вся магия Востока. Восточные картины Кузнецова были тепло приняты не только в России, но и на выставках в Париже и Нью-Йорке.

Крупной творческой удачей стал написанный в Бухаре в 1912 году цикл картин «Восточный город». Одно из самых масштабных полотен в серии «Восточный город. Бухара» в июне 2014 года попало на торги MacDougall’s с эстимейтом £1,9–3 млн. Работа с безупречным провенансом и выставочной историей: была куплена напрямую у художника; не меняла места бытования с середины 1950-х; участвовала в выставках «Мира искусства», выставке советского искусства в Японии, а также во всех основных прижизненных и посмертных ретроспективах художника. В итоге за полотно заплатили рекордные для Кузнецова £2,37 млн ($3,97 млн).

36. $3,82 млн. Александр Дейнека. Герои первой пятилетки (1936)

37. $3,72 млн. Борис Григорьев. Пастух с холмов (1920)

Борис Дмитриевич Григорьев (1886–1939) эмигрировал из России в 1919 году. За рубежом он стал одним из самых известных русских художников, но при этом на родине его забыли на долгие десятилетия, и первые его выставки в СССР состоялись только в конце 1980-х. Зато сегодня это один из самых востребованных и высоко оцененных авторов на рынке русского искусства, его работы, как живописные, так и графические, продаются за сотни тысяч и миллионы долларов.

Художник был чрезвычайно работоспособен, в 1926 году он писал поэту Каменскому: «Сейчас я первый мастер на свете. <…> Я не извиняюсь за эти фразы. Надо знать самому, кто ты, иначе не будешь знать, что и делать. Да и жизнь моя святая от труда сверх и чувства сверх, и 40 лет моих это доказывают. Я не боюсь любого конкурса, любого заказа, любой темы, любой величины и любой скорости».

Вероятно, наиболее известны его циклы «Расея» и «Лики России» - очень близкие по духу и отличающиеся лишь тем, что первый был создан до эмиграции, а второй уже в Париже. В этих циклах перед нами предстает галерея типажей («ликов») русского крестьянства: угрюмо глядят прямо на зрителя старики, бабы, дети, они притягивают взгляд и одновременно отталкивают его. Григорьев отнюдь не склонен был идеализировать или приукрашивать тех, кого он писал, напротив, иногда он доводит образы до гротеска. В числе «ликов», написанных уже в эмиграции, к крестьянским портретам прибавляются портреты современников Григорьева - поэтов, актеров Художественного театра, а также автопортреты. Образ крестьянской «Расеи» расширился до обобщающего образа покинутой, но не забытой Родины.

Один из таких портретов - поэта Николая Клюева в образе пастуха - стал самой дорогой картиной Бориса Григорьева. На торгах Sotheby’s 3 ноября 2008 года работа «Пастух с холмов» 1920 года была продана за $3,72 млн при эстимейте $2,5–3,5 млн. Портрет является авторской копией с утерянного портрета 1918 года.

Редакция сайт

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.