Прищепа Наталья Александровна

Колледж Луганского государственного института культуры и искусств

Роль ансамблевой игры в младших и средних классах на уроках фортепиано

Ансамблевая игра представляет собой форму деятельности, открывающую самые благоприятные возможности для всестороннего и широкого ознакомления с музыкальной литературой. Перед музыкантом проходят произведения различных художественных стилей, авторов, различные переложения оперной и симфонической музыки. Накопление запаса ярких многочисленных слуховых представлений стимулирует художественное воображение.

Игра в ансамбле способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха (звуковысотного, гармонического, полифонического, тембро-динамического,внутреннего).

Касаясь немного истории фортепианного ансамбля нужно отметить, что этот жанр начал стремительно развиваться во второй половине ХVIII века с появлением молоточкового фортепиано и его новыми возможностями: расширенный диапазон, способность постепенного увеличения и уменьшения звучности, добавочный резонатор педали. Значительно возрастала полнота и сила его звучания, открывались неведомые регистровые краски.К началу Х I Х века фортепианный ансамбль утвердился как полноправная самостоятельная форма музицирования. Возникла богатая и разнообразная литература. Для фортепиано в четыре руки писали почти все композиторы Х I Х и ХХ столетия .

Существует два вида фортепианного ансамбля - на одном или на двух роялях. Фортепианный дуэт на двух роялях получил наибольшее распространение в профессиональной концертной практике. Два инструмента дают исполнителям большую свободу, независимость в использовании регистров, педалей и прочее. Возможности фортепиано, благодаря наличию двух исполнителей и двух инструментов еще более расширяются.

Игра в четыре руки на одном фортепиано практикуется главным образом в сфере домашнего музицирования, музыкального самообразования и учебных занятий. Близкое соседство пианистов за одной клавиатурой способствует внутреннему единству и их сопереживанию. Именно благодаря ансамблю, учебный и концертный репертуар пополняется яркими, интересными произведениями, созданными композиторами разных эпох.

Каждому педагогу известна любовь детей к игре в четыре руки. Учащиеся проявляют большой интерес к этому виду музыцирования, который является важным компонентом учебного процесса, и приносит им огромное удовольствие.

Играя в ансамбле, учащийся впервые сталкивается с такими понятиями, как синхронность, тождественный штрих, динамическое равновесие. Знакомится с такими понятиями, как ауфтакт и внутредолевая пульсация. Владения этими навыками необходимо ансамблисту для точного совместного начала игры, для вступления между разделами произведения, а также для достижения синхронности исполнения в медленных темпах и на паузах.

Навыки ансамблевой игры ребенок приобретает уже на первых уроках по фортепиано. Здесь можно вспомнить слова Г.Нейгауза, который говорил: «С самого первого занятия ученик вовлекается в активное музицирование. Совместно с учителем он играет простые, но уже имеющие художественное значение пьесы. Дети сразу ощущают радость восприятия хотя и крупицы, но искусства. То, что ученики играют музыку, которая у них на слуху, будет побуждать их как можно лучше выполнять свои первые музыкальные обязанности. А это и есть начало работы надхудожественным образом, которая должна начинаться одновременно с первоначальным обучениемигре на фортепиано» .

Итак,в начале обучения когда ребенок только учится извлекать на инструменте отдельные звуки, или маленькие попевки, в партии педагога звучат различные музыкальные отрывки: позывные к музыкальным передачам по радио, или имитация музыкальной шкатулки, перезвон бубенчиков и т.д. Тем самым у ребенка сразуразвивается звуковое воображение: они легко имитируют звуки башенных часов, призывы кукушки, эффекты эхо и многое другое. Например, Д.Шостакович «Родина слышит», Э.Захаров «Эхо в горах», «Вечерние сумерки», «Часы на башне»,А.Александров «Звездочка», В.Овчинников «Звенят бубенчики» в сборнике И.Рябова «Шаг за шагом».

Также учащийся может исполнять и несколько ритмически оформленных звуков, как бы аккомпанируя, поддерживая мелодию, которая звучит в партии педагога. Например,аккомпанементы к русским народным песням «Калинка» и Во поле березка стояла», Е.крылатов « Крылатые качели» в сборнике Л.А. Баренбойма « Путь к музыке». За счет насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения, исполнение становится красочным и живым.

В течение некоторого времени, когда ребенок учится исполнять простейшие мелодии, педагог придумывает и подыгрывает ему несложные аккомпанементы. Также материалом для ансамбля могут быть накопленные сознанием м слухом детей отрывки из мультфильмов или популярных песен. Ведь мелодия, связанная с текстом, ярче воспринимается и лучше запоминается. Например, «Песенка Львенка и черепахи» Г.Гладкова, «Спят усталые игрушки» по А. Островскому или «Шумелка Вини-Пуха», Р. Борисова, Е. Крылатов «Колыбельная медведицы».

Сначала ученик может просто спеть мелодию под аккомпанемент преподавателя. Здесь важен и воспитательный момент: дети участвуют в творческом процессе вместе с педагогом.

Нужно отметить, что игра в ансамбле на данном этапе можетспособствовать закреплению нотной грамматики и полученных навыков артикуляции – легато, стаккато, нон легато.Например,Д.Уотт «Три поросенка»- закрепляется штрих стаккато, а также знак репризы и знак переноса на октаву вверх. Благодаря стихотворному тексту, хорошо слышны музыкальные предложения, ударные звуки. Вансамблях «Деде Мороз»и «Кошечка» В. Витлина – закрепляем штрих легато.

Если на начальном этапе обучения, ребенок, играя в ансамбле,вслушивается в звучание новогодля него гармонического фона в партии педагога, в выразительно-изобразительные краски сопровождения, то в последующем этапе обучения, в средних классах, внимание ученика направляется на слушание элементов полифонии, острой и колористической ритмики, на ладо- гармонические звучания, характеризующие различные жанровые зарисовки. Например, М.Глинка « Камаринская», Н. Смирнова « Болеро», М.Мусоргский « Гопак» из оперы «Сорочинская ярморка», К.Вебер « Марш».

По мере усложнения художественных задач, расширяются и технические задачи совместной игры. Учащиеся, играя в ансамбле, должны осваивать более сложный ритм, учится выделять из общего звучания главное, передавать мелодическую линию из одной партии в другую, правильно педализировать и т.д.

Итак, ансамблевая техника выдвигает перед исполнителями особые требования. Главная трудность- это умение слушать не только то, что играешь сам, а одновременно общее звучание обеих партий, сливающихся в органически единое целое. При исполнении ансамблевого сочинения, так же как и сольной пьесы, необходимо вдумчивое, детальное изучение авторского текста.

Какие же задачи, умения и навыки включает в себя ансамблевая игра на уроках фортепиано? Какие способы и методы существуют при работе над слаженностью в фортепианном дуэте?

Определение «хороший ансамбль» означает слаженность исполнения и единство творческих устремлений участников в ансамбле.

В первую очередь нужно сказать о посадке за инструментом. В отличие от сольного исполнительства, пианист имеет в своем распоряжении только половину клавиатуры. Партнеры должны уметь «поделить» клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу, особенно при сближающемся или перекрещивающемся голосоведении.

Вопрос педализации не менее важен в ансамблевой игре. Часто учащиесяне знают этого. Надо объяснить, что педализирует исполнитель второй партии, т.к. она обычно служит фундаментом мелодии. При этом нужно очень внимательно слушать, что происходит в мелодии. Педальный эффект должен быть очень четко разработан, так как из-за неумелого применения педали фактура басовой партии, часто достаточно плотная, может приобрести ещё большую тяжеловатость. Если учащийся исполняет вторую партию, ему полезно предложить ничего не играть, а только педализировать во время исполнения педагогом или другим учащимся первой партии. При этом сразу выясняется, что это не просто и требует особого внимания и навыка.

Также важным качествомансамблевой игры является синхронность исполнения, т.е. единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса. Казалось, самая простая вещь – начать играть вместе. Но точно одновременно взять два звука – не так легко, это требует большой тренировки и взаимопонимания. Преподаватель должен объяснить учащемуся, что для одновременное вступление ансамблистов может быть применен незаметный жест одного из ансамблистов, так называемый дирижерский замах илиауфтакт. С этим жестом полезно посоветовать исполнителям одновременно взять дыхание. Это сделает начало исполнения естественным иорганичным. Не вместе снятый аккорд производит такое же неприятное впечатление, как и не вместе взятый.

Сразу нужно сказать о паузах, которые имеют огромное выразительное значение. И недооценка его – распространенный недостаток у учащихся. Паузы - это дыхание в музыке, которое бывает коротким и более длинным, но обязательно длится определенное время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления- это проиграть звучащую у партнерамузыку. Тогда пауза перестанет быть томительным ожиданием и заполняется живым музыкальным чувством. С первых тактов исполнения в ансамбле, требует от участников полной договоренности о приемах извлечения звука.

Также нужно отметить такой ансамблевый навык, как передача партнерами друг другу «из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента и т.д. Ансамблист должен научиться «подхватывать» незаконченную фразу, передавать ее партнеру, не разрывая музыкальной ткани. Для этого учащийся должен уметь распределять свое внимание: концентрировать его, разделять или переключать его в нужный момент.

В работе над ансамблем важное место занимают вопросы, связанные с ритмом. Формирование чувства ритма – важнейшая задача педагога. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ансамбль требует от учащихсяуверенного безупречного ритма, который обладает особым качеством: он должен быть коллективным, но при этом естественным и органичным. Наиболее распространенными недостатками учащихся являются отсутствие четкости ритма и его устойчивости. Искажение ритмического рисунка чаще всего встречается в пунктирном ритме, при смене длительностей, при изменении темпа. Отсутствие ритмической устойчивости часто связано с тенденцией к ускорениям. Обычно это происходит при нарастании силы звучности или в стремительных пассажах.

Играя с педагогом, ученик находится в определенных метроритмических рамках. Ансамблевая игра не только дает педагогу возможность диктовать правильный темп, но и формировать у ученика верное темпоощущение. Необходимо добиваться точности и четкости ритмического рисунка.

Следует сказать одинамике исполнения. Динамический диапазон четырехручного исполнения должен быть ни как не уже, а шире, чем при сольной игре, т.к. наличие двух пианистов позволяет полнее использовать клавиатуру, создать более полное насыщенное звучание инструмента.

Репертуар для фортепианных ансамблей можно подразделить на специально созданные оригинальные сочинения и переложения симфонической музыки. В учебном процессе могут быть использованы оба вида. Оркестровые произведения – отличный материал для чтения с листа, занятий для развития навыков быстрой ориентации в нотном тексте. Оригинальные дуэтные пьесы требуют тщательной и завершенной шлифовки исполнения.

Современные пособия для начинающих учащихся- пианистов включают разнообразный материал для игры в четыре руки. В педагогической практике широко используются такие сборники: В. Игнатьев, Л. Игнатьева « Я музыкантом стать хочу», М. Соколов « Маленький пианист», Л.Баренбойм, Н.Перунова « Путь к музыке» и т.д

В средних классах, когда учащиеся уже овладел основными навыками игры на инструменте, можно добавить в репертуар джазовые пьесы. Они очень нравятся детям, развивают учащихся в ритмическом отношении, обогащают их слуховые впечатления новым музыкальным языком и джазовыми гармониями. Например, М. Шмитц« Оранжевые буги», С.Джоплин « Артист эстрады», Н. Смирнова «Под дождем» и «Регтайм».

Джазовая манера игры отличается особой активностью звукоизвлечения и требует от исполнителя особого специфического туше.

Таким образом, роль ансамблевой игры при обученииигре на фортепиано очень велика. Она учит всему: ритму, быстрому освоению нотной грамоты, пониманию строения музыкальной формы, сознательному отношению к делу, ответственности. Это искусство вести диалог с партнером, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подать и вовремя уступить. Если это искусство в процессе обучения постигается ребенком, то можно надеяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Литература

1. Алексеев А.Д. Методика обучения игре на фортепиано /А.Д. Алексеев -М.:Музыка,

1978. – 289с.

2. Нейгауз Г.Г. Об искусстве фортепианной игры / Г.Г. Нейгауз – М.: Музыка, 1982. – 299с

3. Сорокина Е.Г. Фортепианный дуэт: История жанра / Е.Г. Сорокина. – М.: Музыка,

1988. - 319с

4. Готлиб А.Д. Первые уроки фортепианного ансамбля / А.Д. Готлиб// Вопросы фортепианной педагогики [под общей редакцией В. Натансона.] – Вып.3. – М.: Музыка,1971. –С. 91-98.

Методическая разработка на тему: Роль ансамблевого музицирования в музыкальном развитии и воспитании учащихся ДМШ

Данная разработка будет полезна для преподавателей ДМШ, ДШИ. Также материал будет интересен студентам педагогических колледжей и высших учебных заведений, которым интересны вопросы методики музыкального воспитания детей.
Цель: раскрытие понимания того, что роль коллективного инструментального музицирования в учебном процессе ДМШ является наиболее значимой в учебном процессе, как с творческой, так и с воспитательной стороны.
Задача : воспитание интереса к игре в ансамбле.

В последнее время возрос интерес к ансамблевой игре. Ансамбль - это не просто умение "играть вместе". Гораздо важнее здесь другое - чувствовать и творить вместе, одинаково ощущая идею и замысел музыкального произведения.

Приступать к формированию навыков ансамблевой игры можно и нужно на раннем этапе обучения. Игра в ансамбле развивает слух ребенка, расширяет музыкальный кругозор, а так же вызывает интерес к занятиям музыкой. Музицируя в ансамбле, ученик активно знакомится с новыми произведениями, быстро и качественно разучивает их, пополняя тем самым свой репертуар и овладевая различными музыкальными стилями. Игра в ансамбле, рождая дух соревнования, благоприятно воздействует на развитие творческих способностей и технических навыков учащихся. Важно и то, что более сильный партнер способен повлиять на музыкальное и техническое развитие менее подвинутого.
Начинать ансамблевое обучение лучше с дуэта "учитель - ученик". Юный исполнитель, ощущая поддержку педагога, охотно включается в процесс совместного музицирования и осознает свою равноправную роль в ансамбле. В данной ситуации учитель выступает чутким партнером и внимательным наставником, который стремится выработать у своего подопечного важнейшие навыки ансамблевой игры. Совместное музицирование способствует преодолению различных психологических напряжений - зажимов, которые возникают у ребенка в ходе сольного исполнения. Ансамблевая игра помогает ученику закрепить умения и навыки, приобретенные на уроках по специальности, хорошо развивает чувство ритма, гармонический слух, способствует освоению средств музыкальной выразительности. Разнообразный ансамблевый репертуар обогащает творческое мышление и музыкальный вкус юного музыканта.
Совместные ансамблевые выступления ученика с педагогом позволяют ребенку уже на раннем этапе обучения почувствовать себя артистом, надолго остаются в памяти, стимулируют дальнейшие занятия на инструменте, а у родителей вызывают уважение и доверие к наставнику.
Детям нравится играть в ансамбле с педагогом, но большей внимательности, концентрации внимания, ответственности, умению слушать себя и другого, дети учатся при игре в ансамбле друг с другом, то есть в ансамбле "ученик - ученик". Выбираются дети одного возраста, равные по музыкальной подготовке и владению инструментом. В начале участники ансамбля учатся слушать мелодию, второй голос, аккомпанемент. Нужно научится слушать не только то, что играешь сам, а одновременно и то, что играет твой партнер, то есть общее звучание партий.
Большой тренировки и взаимопонимания требует синхронность исполнения музыкального произведения. Важным является достижение синхронности не только в начале произведения, но и в процессе звучания пьесы, и в окончании.

Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, одно из главных мест занимает метроритм . Поэтому формирование чувства ритма - важная задача в музыкальной педагогике.
В процессе работы с ансамблем не следует забывать о динамике исполнения. Умелое ее использование помогает раскрыть общий характер музыки, эмоциональное содержание, особенности построения произведения. Участники ансамбля должны точно и ясно представлять общий динамический план произведения. Нужно определить его кульминацию, постепенное усиление или уменьшение громкости. Создание единой динамики - обязательное условие совместной игры.
С первых же тактов исполнение в ансамбле требует от участников одинаковых приемов звукоизвлечения, которые зависят от стилевых особенностей исполняемого произведения, от музыкального содержания и характера исполняемой музыки.
Приступая к работе над музыкальным произведением, преподаватель должен дать общее представление о характере его музыкального содержания. Для этого нужно проиграть пьесу целиком или прослушать ее в записи. Затем необходимо рассказать о значении и функции каждой из партий. Так же следует познакомить учащихся с автором, эпохой, содержанием, формой и стилем изучаемого произведения.
Немаловажное значение в учебной практике имеет репертуар, и педагоги всегда стремились его разнообразить. Цель - повысить интерес учащихся к музицированию в ансамбле, совместному творчеству. Одним из решений этой задачи является привлечение в репертуар ансамбля современных произведений. Это могут быть песни из кинофильмов, песни, исполняемые современными музыкальными коллективами, при условии, разумеется, что эти произведения имеют известную художественную ценность. Исполнение знакомого и популярного музыкального материала способно вызвать живейший интерес участников ансамбля.
Ансамблевая игра - это постоянная смена новых восприятий, впечатлений, открытий, интенсивный приток богатой и разнохарактерной музыкальной информации.

Роль ансамблевой игры в формировании музыкального вкуса учащихся на примере ансамбля народных инструментов

Бессольцев В. А.,

педагог дополнительного образования

ГБОУ ЦДТ «Царицыно» г. Москвы

по классу баяна, гитары,

руководитель ансамбля народных инструментов.

Большое значение в становлении личности имеет формирование музыкального вкуса через восприятие различных стилей музыки, жанров. Ещё Аристотель заметил, что «Музыка способна оказывать известное воздействие на этическую сторону души, и раз музыка обладает такими свойствами, то очевидно, она должна быть включена с число предметов воспитания молодёжи».

В настоящее время всё чаще искусствоведы отмечают огромное влияние музыкального искусства на формирование музыкальной культуры и духовно-нравственной культуры человека. И это не случайно, отношение к музыке различных жанров является показателем духовной сферы и нравственно-эстетической установки обучающихся. Несомненно, для развития музыкального вкуса учащихся необходимо участие их в музыкальной жизни образовательного учреждения, в том числе, игра в ансамбле народных инструментов.

Вот уже более ста лет в России развиваются оркестровое и ансамблиевое музицирование на русских народных инструментах. С появлением Великорусского оркестра под руководством В. В. Андреева началась эпоха становления жанра народно-инструментальной музыки. Народные инструменты выходят на новый уровень – академического исполнительства.

В последнее десятилетия особенно активно развивается исполнительство на русских народных инструментах. Выдающийся вклад в развитие оркестров и ансамблей русских народных инструментов внёс народный артист России Н. Н. Калинин. Благодаря его неутомимой деятельности в стране появилось более 60 профессиональных оркестров и ансамблей, многие из которых ранее были любительскими.

В Российской Федерации проживает более 100 национальностей со своей уникальной музыкальной культурой, многообразием инструментария. Необходимо ставить вопрос о внедрении национальных инструментов в образовательный процесс, с тем, чтобы каждый народ, проживающий в России, мог профессионально развивать свой национальный инструментарий.

Во многих образовательных учреждениях стали создаваться ансамбли русских народных инструментов в школах искусств, в педагогических образовательных учреждениях разного уровня. Такие коллективы способствуют приобщению учащихся к национальной культуре. Так, в 1992 году, образовался ансамбль русских народных инструментов под моим руководством в гимназии № 1 города Ульяновска. Для меня, как для преподавателя народных инструментов, было крайне важно создать коллектив из учащихся гимназии, которые увлечены игрой на народных инструментах. Ансамбль народных инструментов имеет огромный потенциал, так как способен привлечь к музыке детей разного возраста, которые ещё находятся в поиске творческой реализации. Конечно, основой репертуара являлась и является народная мелодия. В программу ансамбля входили такие известные народные песни как: «Коробейники», «Ах, вы сени, мои сени», «Степь, да степь кругом» и другие. Учащиеся могли исполнять не сложные партии на балалайке, домре, балалайке-контрбасе или на ударных инструментах (коробочке, маракасе, бубне, ложках и др.). Но также в программу ансамбля были включены и популярная классика, эстрадные произведения, джазовые композиции, музыка из кинофильмов. Участники ансамбля делали оригинальные аранжировки исполняемых произведений. Народные музыкальные инструменты помогают образовывать через исполнительские формы связь традиционности и современного восприятия действительности. Коллективный характер деятельности, общие цели и задачи, формируют сознательное отношение к делу и чувство ответственности перед своими товарищами. В процессе исполнительства на народных инструментах создаётся благоприятный психологический климат, способствующий раскрытию детских индивидуальных и коллективных качеств, учитываются природные особенности детей разного возраста, создаётся механизм обратной связи между детьми и педагогом, образовывается развивающая среда для проявления творческой активности детей. Эта деятельность продолжается, но уже в стенах детских центров творчества Москвы.

Следует отметить, что в ансамбль народных инструментов приходят дети с разной музыкальной подготовкой. Для тех детей, которые не получили начального музыкального образования, на первом этапе преподаётся элементарная нотная грамота, идёт освоение простейших упражнений и музыкальных произведений. А затем, постепенно, осуществляется переход к более сложному техническому уровню игры на инструменте. При такой разной подготовке учащихся тщательно подбирается репертуар ансамбля, чтобы каждый участник мог исполнить партию уже с первого года обучения. Например, для баяна берутся простейшие народные мелодии и учащийся исполняет только гармоническое сопровождение темы.

Что касается произведений, то сейчас многие композиторы обращаются к народной музыке, пишут произведения, представлявшие собой стилизацию народных песен. Наряду с освоением народного репертуара, учащимся предлагается ознакомиться с другими стилевыми направлениями - классика, джаз, эстрада («Неудачное свидание», «Тико-тико», «Поезд на Чутанугу»). Таким образом, приобщение учащихся к различным музыкальным стилям способствует формированию разностороннего музыкального вкуса, мелодико-гармонического слуха, чувство ансамбля.

Для развития музыкального вкуса, важно слушать исполнение выдающихся музыкантов и, поэтому всегда планируем посещение концертов, делая акцент на ансамблиевом исполнении. Совместное посещение концертов не только расширяет музыкальный кругозор, но и помогает детям эмоционально сблизиться друг с другом. Культурная жизнь Москвы позволяет сделать выбор и составить свой план посещения концертов, разнообразных конкурсов и фестивалей. Музыка развивает духовный потенциал учащихся, так как именно музыка, являясь одним из специфических видов искусства, отражает действительность посредством музыкальных образов и системы музыкальных выразительных средств, которая ненавязчиво и исподволь оказывает глубинное воздействие на духовный мир индивида, его внутреннюю культуру. Научить учащихся отличать подлинно художественные произведения от примитивных сочинений- основная задача при формировании эстетических и общечеловеческих ценностей.

Также наш ансамбль принимает участие в детских конкурсах и фестивалях данной направленности на разных уровнях. Каждая возможность участия в творческом конкурсе ещё больше приобщает детей к музыке, развивает музыкальный вкус, воспитывает необходимые качества личности для конкурсной борьбы и здоровой конкуренции, воспитывает в детях трудолюбие, сплоченность, помогает обрести уверенность в свои силы и способности.

Мой многолетний опыт позволяет с уверенностью сказать, что обучаясь в коллективе народных инструментов, дети приобщаются ко всему богатству форм и жанров музыки, к духовной культуре общества, музыкальному искусству, которое, несомненно, оказывает глубокое воздействие на развитие хорошего музыкального вкуса и духовно-творческого потенциала ребёнка. Результаты и эффективность музыкального воспитания определяются не столько тем, как люди умеют понимать и воспринимать музыку, сколько готовностью и подготовленностью членов общества к сознательной и самостоятельной творческой деятельности.

Литература:

1. Должанский А.Н. Краткий музыкальный словаръ. СПБ, 2000 г.
2. Готлиб А. Основы ансамблевой техники. М.,1989.
3. Имханитский М.Ц. У истоков русской народной оркестровой культуры. М., 1984 г.

Крымское республиканское

Учебное заведение

«Центр повышения

квалификации работников культуры»

Методический доклад на тему:

РОЛЬ

АНСАМБЛЕВОЙ ИГРЫ

В РАЗВИТИИ

УЧЕНИКА-ПИАНИСТА

Слушателя

Центра повышения квалификации

работников культуры

и искусства,

заведующей филиалом

Молодежненский СР ДМШ,

преподавателя по классу

фортепиано

Баженовой Юлии Алексеевны

Симферополь

План доклада:

Особенности ансамблевой игры

Воспитание ритма

Заключение

Библиография

Цели и задачи обучения в музыкальной школе

Основной задачей музыкальной школы является всестороннее музыкальное развитие ребенка, приучение его к труду и привитие любви к музыке. Выявить музыкальные задатки ребенка, развить его способности и естественным путем пробудить интерес к музыке – все эти задачи преподавания музыкальной дисциплины встают перед каждым педагогом.

Главная цель обучения в ДМШ – подготовка музыкантов-любителей, которые обладают навыками музыкального творчества, могут самостоятельно разобрать и выучить произведение.

Очевидно, что проблемы обучения и творческого развития должны быть тесно связаны между собой. Процесс творчества, сама обстановка поиска и открытий на каждом уроке вызывают у детей желание действовать самостоятельно, искренне; «зажечь» ребенка – главная из первоначальных задач педагога.

А. Гольденвейзер писал : «Почти каждый человек, за исключением глухих от рождения, обладают в той или иной мере музыкальностью и способностью ее развивать. Поэтому, чем шире сеть музыкальных школ и чем распространеннее учение музыки, тем лучше, но я думаю, что в построении педагогического процесса в музыкальных школах мы недостаточно различаем понятия – общее музыкальное воспитание и обучение музыке. Музыку нужно учить всем в той или иной форме и степени, а воспитывать профессионалами-музыкантами не только не всех, но и лишь очень немногих».

Нередко можно встретить 6-7 или 8-летнего ребенка, который пришел на первый урок музыки с горящими глазами, с любовью к миру звуков. И только от нас, преподавателей, зависит то, как мы сможем распорядиться этим запасом детского восторга.

Золтан Кодай говорил: «Давайте вложим детям в руки воспроимчивость к музыке, тот ключик, при помощи котрого они смогу вступить в волшебный сад музыки, чтобы приумножить смысл всей их жизни».

Особенности ансамблевой игры

Огромными развивающими возможностями обладает ансамблевое музицирование, которое занимало во все времена важное место. Игра в ансамбле как нельзя лучше дисциплинирует ритм, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки, а также доставляет бо льшую радость, чем сольное исполнение.

Ансамблевое музицирование учит слушать партнера, учит музыкальному мышлению, это искусство вести диалог с партнером, т.е. понимать друг друга, уметь вовремя подавать реплики и вовремя уступать.

Если это искусство в процессе обучения постигается ребенком, то можно надяться, что он успешно освоит специфику игры на фортепиано.

Игра на фортепиано в 4 руки - это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена. В этом жанре писали сочинения почти все выдающиеся мастера.

Некоторые моменты из истории возникновения и развития жанра

Жанр фортепианного дуэта возник в Европе. Самые ранние из дуэтов известны относятся к эпохе Возрождения; Англия – родина первой самостоятельной клавирной школы: представители этой школы Томкинс и Карлтон обрабатывали хоральные прелюдии. В них преобладает изысканный инструментальный стиль, орнаментика.

В 17-18 веках существовало уже много скрипичных и виолончельных сонат, в основном для солирующего инструмента с сопровождением. Но наиболее совершенные и законченные произведения появились во второй половине 18 века: мелодическое богатство, близость к народным истокам, мажорный колорит – все это появляется в сонатах для 2-х исполнителей (в 4 руки).

Примером ыдающиегося дуэтного произведения может служить Концерт Фа мажор Баха.

В Чехии жанр фортепианного дуэта представлен поизведениями Леопольда Кожелуха, Франтишека Душека, Карла Станица.

Наметились основные типы фактуры фортепианного изложения: в виде диалога и полифоническое; в нее активно проникают элементы оркестрового письма.

Музыку для фортепиано в 4 руки писали почти все композиторы 19 века.

Такой бурный рост популярности жанра прозошел по целому ряду причин:

появление нового инструментафортепиано (расширенный диапозон, способность к увеличению или уменьшению громкости звука, педаль.) Этот инструмент таил в себе особые возможности при игре двух пианистов. Значительно выросла полнота и сила его звучання;

большая популярность домашнего музицирования: 4-х ручные переложения носили в себе черты оркестрового начала, передавали насыщенность, звучание «тутти», разнообразие приемов звукоизвлечения;

музыкально-просветительская функция. Особой по пулярностью стали пользоваться оперные отрывки, их переложение для фортепианного ансамбля;

переложение симфоний, инструментальных ансамблей Гайдна, Моцарта, Бетховена, Брамса, Мендельсона, Верди, Вагнера, Шумана, Чайковского, симфонических поэм Листа, опер Верди, Вагнера были нередко единственным источником ознакомления с ними.Так случилось, например, с «Венгерскими танцами» Брамса, «Славянскими танцами » Дворжака, «Маленькой сюитой » Дебюсси.

Расцвет фортепианного ансамбля достигается в творчестве Шуберта. Его жанровые миниатюры: полонезы, марши, вальсы, лендлеры, фантазии – яркий пример оркестровости. Никто из музыкантов не оставил такое количество дуэтов. Явивишись одной из величайших вершин в истории фортепианного дуэта, ансамбли Шуберта представляют собой бесценный вклад в историю всей мировой музыки.

Во второй половине 19 века жанр фортепианного ансамбля развивался в условиях национальных композиторских школ. Важные истоки были заложены в Чехии.

В русской музыке к жанру фортепианного дуэта обращались все выдающиеся композиторы: Глинка, Балакирев, Даргомыжский, Мусоргский, Бородин, Рубинштейн. Здесь присутствуют черты картинности, концертности на основе известной народной музыки.

С.В. Рахманинов создал сюиту для 2 фортепиано, 6 музыкальных моментов, 6 пьес для фортепиано в 4 руки.

В русской музыке композиторы уделяли большое внимание произведенимя для детей. Это связано с такми именами, как Дюбюк – его сборник из 18 пьес «Детский музыкальный цветочник» пользовался особой попуярностью.

Для детей писали Аренский, Чайковский, композиторы «Могучей кучки» – их произведения подготавливали слух ребенка к восприятию образного мира русской классической музики. Известными и популярными являются сочинения: «5 легких пьес для 4 рук» Стравинского; «Детские игры» Бизе; сюита «Сказки Матушки-гусыни» Равеля.

Вплоть до 20 века музыкально-просветительская функция фортепианного дуэта сохраняла свое значение, переоценить которое невозможно.

После Первой мировой войны 4-х ручная музыка «выпала» из круга художественных интересов по нескольким причинам:

стремительная урбанизация привела к тому, что в моду вошли коцерты на небольших площадках, где камерный жанр был не совсем уместен;

в 20 веке наблюдается неокторый уход от романтизма;

появление электроаппаратуры.

Однако домашние фонотеки не дали окончательно вытеснить традиции домашнего музицирования, потому что в человеке всегда присутсвует желание сделать что-то самому.

Роль фортепианного ансамбля в музыкальном воспитании детей

Основной целью музыкальной школы является всестороннее развитие ребенка, где подразумеваются приучение к труду и привитие любви к музыке.

Выявить задатки ребенка, развить его способности и естественным путем пробудить интерес к музыке – все эти задачи преподавания музыкальной дисциплины встают перед каждым педагогом.

Более быстрому раскрытию индивидуальных способностей детей способствует совместная игра – игра в ансамбле.

Она является неотъемлемой частью музыкального воспитания.

Несомненно, ансамблевая игра развивает чувство ритма, слуховое внимание, но более ценным является то, что именно коллективные переживания воспитывают личную ответственность в общей работе и способствуют созданию уверенности в себе во время выступлений.

Исполнение музыкальных произведений в четыре руки является самым быстрым способом решить несколько задач обучения игре на инструменте: помочь «подружиться» с инструментом и выработать естественность исполнительских движений.

Часто увлечению учебным процессом препятствуют плохое или недостаточное развитие детей, педагогическая запущенность. Но урок будет всегда плодотворным, если он учитывает индивидуальность ребенка (его интересы и способности), если он творчески выстроен. К успехам и достижениям приведет увлекательный процесс, который обязательно пробудит самостоятельную мысль

Плохое чтение нотного текста на начальном этапе обучения замедляет темп учебной работы, что может угнетающе действовать на ученика. Ансамблевая же игра, при которой педагог принимает на себя исполнение трудных элементов текста, а ученик исполняет легкую партию, заставляет играть ритмично, в определенном темпе. Нетрудные пьесы в исполнении ансамбля звучат насыщенно, и ладовая гармоническая окраска помогут ученику быстро выучить нотный текст. В результате ученик получает полное представление о музыке в целом и чувствует себя полноправным участником исполнения, получает моральное удовлетворение от процесса игры.

Совместное исполнение пьес способствуют расширению кругозора ребенка, знакомит с симфоническими произведениями и лучшими образцами мировой музыкальной культуры.

Систематическое исполнение лучших образцов музыкальной культуры помогут развивать вкус и силу воображения, привьют культуру слышания, воспитают творческую инициативу.

Начальные уроки обучения должны быть разнообразными, так как дети этого возраста впечатлительны и быстро устают от однообразия. Задача педагога состоит в умении поставить себя на место ученика – почувствовать его неудобства и предугадать намерения исполнения, помочь ему выразить отношение к исполняемому произведению. Такая атмосфера урока поможет маленькому музыканту поверить в свои силы.

Совместная игра придает структуре урока эмоциональный характер. Эмоциональное состояние ребенка может мешать восприятию общего звучания. Начальный период обучения непременно должен подчиняться принципу постепенности и доступности.

Формирование пианистических навыков

Процесс формирования пианистических навыковдолжно происходить не только через показ педагогом нужного действия, но и через самостоятельный поиск, при котором поясняется необходимость выполнения такого действия. При выработке навыков полезно изменять штрихи, темпы, акцентируя исполнение на художественную сторону – интонирование и образность.

Очень важно научить ребенка слушать себя, партнера и играть с полным вниманием и самоконтролем. От этого зависит качество звука.

Отношение к звуку определяет формирование всех пианистических навыков, а именно его прикосновение к клавиатуре фортепиано. Идеальным звучанием считается певучий звук.

Воспитание полифонического мышления

Добиться хороших результатов исполнения можно только при активном участии слуха и музыкальном осмыслении изучаемого материала, осознанном отношении к работе. Умение слушать себя с первых шагов поможет в воспитании полифонического мышления.

Исполнение народных песен, где предложена полнозвучная фактура, но партия несложна и доступна, помогут быстрому продвижению и успешности формирования полифонического слышания.

Воспитание ритма

Работа над воспитанием ритмадолжна вестись от музыки, а не от высчитывания длительностей. Образное содержание пьесы нужно воспринимать через ритм, мысленный танец или марш. Понимание учеником поставленной музыкальной задачи исполнения вызовет технику, необходимую для ее решения.

В процессе усвоения материала меняются способы работы, что приводит к новому восприятию и новому вниманию, что облегчит в дальнейшем работу над полиритмией.

Особенности работы над мелодией и сопровождением

На занятиях первого года обучения нужно четко объяснить ученику, где мелодия и где сопровождение. Такие задания как «выделить» мелодию, «спрятать» аккомпанемент приучают слушать и слышать себя и партнера. Звук в исполнении первой партии не должен быть форсированным. Эту работу нужно проводить при осознанном понимании мелодии, акцентируя внимание при этом на слуховое восприятие.

Хорошее звучание второй партии является необходимостью для качественного звучания первой партии. При одинаковых аккордах в левой и правой руке нужно приучить ученика ориентироваться по левой руке. Как только ребенок освоит басовый ключ нужно меняться партиями с педагогом, если это позволяет сделать сложность нотного текста. Играя партию учителя, учащийся приобретает навык исполнения аккомпанемента.

Освоение навыков аккомпанемента можно осуществлять на любом материале, связанном с сопровождением фортепиано.

При неуказанной аппликатуре в переложениях педагог должен помочь выработать умение подобрать ее на основе строения музыкальной фразы.

Способность различать звуки, составляющие аккорды связана не только с полифоническим мышлением, но и развитием гармонического слуха.

Работа по овладению навыком пользования педалью

Фортепианный ансамбль значительно обогащается при правильном пользовании педалью. И часто, чтобы развить навык пользования педалью,педагоги прибегают к исполнению ансамблевых пьес.

При исполнении фортепианного ансамбля необходимо научить учащегося бережно относиться к паузам – внимательно, бережно, сознательно и точно их выдерживать.

При наличии пауз ученик может задерживать бас, что создает излишнюю вязкость звучания. Нужно научить снимать педаль точно с окончанием фраз. Левую педаль применять в редких случаях, при «пианиссимо».

Нередко такая работа лучше проходит именно при совместном исполнении, при правильном подборе репертуара.

Основные принципы выбора программы

Программу педагог должен подбирать с учетом педагогической целенаправленности: яркие произведения давать не очень эмоциональным детям и наоборот. Пьесы с кантиленным характером использовать для работы над звуком.

Усложнение репертуара может привести к его неполноценному исполнению. Разнообразный репертуар, напротив, приведет к смене художественных впечатлений и определит успешность работы. Степень трудности пьес определяет продвижение учащегося.

Заключение

Итак, основными задачами обучения игре в ансамбле являются:

Воспитание навыков совместной игры

Развитие навыков совместной игры

Развитие навыков ориентирования в музыкальном тексте

Развитие навыков чтения с листа

При формировании детского ансамбля работа педагога заключается в правильном подборе не только музыкального материала, но и детей, которые будут вместе музицировать. Учитывать взаимную симпатию, уровень их подготовленности, эмоциональность, характер, так как в своем развитии и воспитании дети не равны.

Совместная игра способствует преодолению застоя в работе учащихся, так как участник, который играет сознательно, осмысливает логику текста, испытывает эстетическое и моральное удовлетворение от исполнения, будет стремиться к технической уверенности.

Индивидуальный подход к каждому - это залог успешной работы. Воспитать человека искусства - деятельного члена общества, способного к дальнейшему развитию культуры - вот что составляет основу работы музыкального обучения в музыкальной школе.

Библиография

А. Готлиб. «Основы ансамблевой техники». М., «Музыка», 1971.

А. Готлиб. «Заметки о фортепианном ансамбле». «Музыкальное исполнительство», вып. 8. М., 1973.

Е. Тимакин. «Воспитание пианиста». М., «Музыка», 1987.

А. Алексеев. «Методика обучения игры на фортепиано». Л., «Советский композитор», 1967.

Б. Асафьев. «Русская музыка19 - начало 20 века». Л., «Советский композитор», 1968.

Д. Благой. «Искусство камерного ансамбля и музыкально-педагогического процесса». М., «Музыка», 1981.

Г. Нейгауз. «Об искусстве фортепианной игры». М., «Музыка», 1956.

Методический доклад

«Основные направления в работе с ансамблем»

Трошина Вера Тимофеевна,

преподаватель Детской школы искусств по классу гитары

г.Ртищево Саратовской области

Ансамбль – группа исполнителей, выступающих совместно. Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль с индивидуальностью исполнения партнера. Ансамбль – это коллективная форма игры, в процессе которой несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают художественное содержание произведения. Исполнения в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе, здесь важно другое – чувствовать и творить вместе. Работа в коллективе несомненно сопряжена с определенными трудностями: не так легко научиться ощущать себя частью целого. В тоже время игра в ансамбле воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств – она дисциплинирует в отношении ритма, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении. Так известно, когда в сольной игре ученик выступает неуверенно, заикаясь, поиграв в ансамбле – он уже увереннее начинает играть. Более слабые учащиеся начинают подтягиваться до уровня более сильных, от продолжительного общения друг с другом каждый становится лучше как человек, как личность, поскольку воспитываются такие качества, как взаимопонимание, взаимоуважение, чувство коллективизма. Из сказанного можно сделать вывод – инструменталист, никогда не игравший в ансамбле, многого лишает себя, ибо польза от этого рода занятий очевидна. Одно из важнейших условий успешной работы является способность критически относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только практиковать, но и не скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновлять. Давно уже замечено, что похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей. Ребенку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».

Ритм как фактор ансамблевого единства

Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, метро-ритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Это ощущение метро-ритма. Он, по существу, выполняет функции дирижера в ансамбле, ощущение каждым участником сильных долей есть тот «скрытый дирижер», «жест» которого способствует объединению ансамблистов, а, значит, и их действий в одно целое. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий. Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения. Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении. К тому же, ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения. Как же добиться того, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых по разному развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более сильным в ритмическом отношении.

Динамика как средство выразительности

Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит силу звучания свой партии относительно других. В том случае, когда исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.

Как практически работать над динамикой в ансамбле. Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно. Например, можно предложить сыграть всем участникам одну ноту или гамму на ровном P (пиано), затем на ровном mf, и так следует пройти все динамические ступени. Безусловно, сила звука – понятие не столь определенное, как высота звука mf на гитаре не равно mf на фортепиано, f на балалайке – не одно и то же, что f на баяне. Исполнитель должен воспитывать у себя развитый слух (микрослух), дополнив динамику понятием микродинамики, означающим способность регистрировать малейшие отклонения в сторону увеличение или уменьшения силы звука.

Темп как средство выразительности

Определение темпа произведения – важный момент в исполнительском искусстве. Верно выбранный темп способствует правильной передаче характера музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и существуют авторские указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному, темп «заложен» в самой музыке. Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться. «Нет такого медленного темпа, в котором бы не встречались места, требующие ускорения…и наоборот. Для определения этого в музыке нет соответствующих терминов, обозначения эти должны быть заложены в душе» (В. Тольба).

Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания

Под синхронностью ансамблевого звучания следует понимать точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля. При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижера, он обязан иногда показывать вступления, снятия, замедления. Сигнал к вступлению - небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта. На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «Внимание, приготовиться, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза (как бы вдох). В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта».

Вряд ли есть необходимость подчеркивать, насколько важно закончить произведение вместе, одновременно:

а) последний аккорд – имеет определенную длительность, - каждый из ансамблистов отсчитывает «про себя» метрические доли и снимает аккорд точно во время.

б) аккорд – над которым стоит фермата, продолжительность которого необходимо обусловить. Все это отрабатывается в процессе репетиции. Ориентиром снятия может также быть и движение – кивок головы.

Если синхронность исполнителя – качество, необходимое в любом ансамбле, то в еще большей степени оно необходимо в такой его разновидности как унисон. Ведь в унисоне партии не дополняют друг друга, а дублируют, правда, иногда в разных октавах, что не меняет сути дела.

Поэтому недостатки ансамбля в нем еще более заметны. Исполнение в унисон требует абсолютного единства – метроритме, динамике, штрихах, фразировке. С этой точки зрения унисон является самой сложной формой ансамбля. Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими учащимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная. К сожалению, этой форме ансамблевой игры уделяется мало внимания в учебной практике. Между тем в унисоне формируются прочные навыки ансамбля, к тому же унисон интересен зрительно и в сценическом отношении.

Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки – можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть это исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать педагога, все можно выправить дальнейшей работой. Ценно другое, преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.

Список использованной литературы

1. Н.Ризоль. Очерки о работе в ансамбле. – 1986. – Москва.

2. А.Готлиб. Первые уроки ансамбля.

3. П.Агафонин. Школа игры на шестиструнной гитаре. – Москва. – 1983.