В переводе с латинского «classicus» означает — «образцовый». Простыми словами, классицизм на самой заре своего становления считался идеальным с точки зрения живописи. Художественный стиль развился в XVII веке и стал постепенно исчезать в XIX веке, уступая таким направлениям, как романтизм, академизм (сочетание классицизма и романтизма) и реализм.

Стиль живописи и скульптуры классицизма появился в то время, когда художники и скульпторы обратились к искусству античности и стали копировать многие его черты. Античное искусство Греции и Рима в эпоху Возрождения произвело настоящий всплеск интереса к произведениям искусства и творчества. Авторы Возрождения, которые сегодня считаются одними из самых величайших творцов в истории, обратились к античным мотивам, сюжетам, а главное — формам изображения человеческих фигур, животных, окружения, композиции и так далее. Классицизм выражает точное изображение, однако фигуры на картинах художников выглядят довольно скульптурно, можно даже сказать — преувеличенно-неестественно. Люди на таких полотнах могут показаться застывшими скульптурами в «говорящих» позах. Позы людей в классицизме сами за себя говорят, что происходит в данный момент и какие эмоции испытывает тот или иной персонаж — героизм, поражение, горе и так далее. Всё это представлено в преувеличенно-показной манере.

Классицизм, который был построен на основах античного изображения мужчин и женщин идеализированно атлетического или преувеличенно женственного телосложения, требовал от художников Эпохи Возрождения и художников последующих периодов изображать людей и животных на своих картинах именно в такой форме. Поэтому в классицизме невозможно найти мужчину или даже старика с дряблой кожей или женщину с бесформенной фигурой. Классицизм — это идеализированное изображение всего, что присутствует на картине. Так как в античном мире изображать человека было принято, как идеальное творение богов, которое не имеет изъянов, то художники и скульпторы, которые стали копировать данную манеру в полной мере стали соответствовать этому представлению.

Также классицизм нередко прибегал к античной мифологии. При помощи древнегреческой и древнеримской мифологии могли изображаться, как, непосредственно сами сюжеты из мифов, так и современные для художников сюжеты с элементами античной мифологии (античная архитектура, боги войны, любви, музы, амуры и так далее). Мифологические мотивы в картинах художников-классицистов впоследствии приняли форму символизма, то есть через античные символы художники выражали тот или иной посыл, смысл, эмоцию, настроение.

Картины в стиле классицизм

Гро Антуан Жан — Наполеон Бонапарт на Аркольском мосту

Джованни Тьеполо — Пир Клеопатры

Жак-Луи Давид — Клятва Горациев

Грёз Жан Батист — Избалованное дитя

В то время как в других странах Западной Европы господствовало барокко, во Франции большую роль играл классицизм - направление, представители которого обратились к искусству античности и Возрождения.

В начале XVII в. Франция, истощенная гражданскими войнами, вступила в эпоху укрепления абсолютизма. Абсолютная монархия, достигшая своего расцвета при Людовике XIV, стала решающей силой в борьбе с феодализмом и главным двигателем торговли и промышленности. В середине XVII в. Франция являлась едва ли не самой крупной торговой державой.

Относительная стабильность на политической арене и развитие экономики сопровождались подъемом в культурной жизни страны. Значительный шаг на пути прогресса сделала французская наука, в частности физика, математика и философия. Большой успех имело учение Декарта, утверждавшего, что разум - главное средство познания истины. Отсюда идет свойственный французской литературе и изобразительному искусству рационализм, особенно характерный для классицизма.

В первой четверти XVII в. самыми крупными мастерами во Франции были иностранцы (главным образом фламандцы).
Лишь в начале второй четверти XVII столетия Франция выдвинула собственных замечательных представителей изобразительного искусства.

Главой придворного искусства и ведущим представителем французского барокко в первой половине XVII в. был Симон Вуэ. Живописному мастерству Вуэ учился в Италии, поэтому в его живописи прослеживается влияние Караваджо и болонских мастеров. Вернувшись из Италии на родину, Вуэ стал придворным художником. Для своих нарядных и эффектных полотен он использовал мифологические и библейские сюжеты («Геракл среди богов Олимпа», «Мучение св. Евстафия»). Картинам свойственны излишняя усложненность композиции, чрезмерная яркость колорита, идеализированность образов. Полотна и декоративные росписи Вуэ пользовались в то время огромной популярностью. Живописцу подражали многие французские художники, его учениками были такие известные в дальнейшем мастера, как П. Миньяр, Ш. Лебрен и Э. Лесюер.

Наряду с барочным искусством, процветавшим в столице, французские провинции выдвинули художников, главным методом которых был реализм. Одним из крупнейших реалистов первой половины XVII в. стал Жак Калло, прославившийся как талантливый рисовальщик и гравер. Хотя у него много произведений с религиозной тематикой, основное место в творчестве мастера занимают картины на бытовые сюжеты. Таковы его графические серии «Каприччи», «Горбуны», «Нищие».

Многие французские художники первой половины XVII в. обратились к караваджизму. Среди них Жан Валантен, Жорж де Латур.

Большую роль в развитии реализма в первой половине XVII в. сыграли братья Ленен - Антуан, Луи и Матье. Центральное место в их творчестве занимала жанровая тематика. Старший Антуан писал главным образом групповые портреты и сцены из жизни мелких буржуа и крестьян. Младший Матье начал свой творческий путь с картин, изображающих быт крестьянства. Надолго переживший своих братьев Матье Ленен позднее стал одним из самых популярных портретистов.

Средний брат, Луи Ленен, по праву входит в число самых знаменитых французских живописцев XVII в. Именно он стал основоположником крестьянского жанра во французском искусстве.

Луи Ленен

Родился Луи Ленен в 1593 г. в городе Лане (Пикардия) в семье мелкого буржуа. Вместе с братьями Луи переехал в Париж. Здесь Луи, Антуан и Матье открыли собственную мастерскую. Вероятно, вместе с Матье Луи Ленен посетил Италию. В его ранних работах заметны черты караваджизма. К 1640 г. художник выработал свой собственный, неповторимый стиль.

Многие французские художники XVII в. обращались к крестьянской тематике, но только у Луи Ленена она получает совершенно новую трактовку. Просто и правдиво изображает художник жизнь народа. Его герои, скромные и простые, но полные внутреннего достоинства люди, вызывают чувство глубокого уважения.

Самые лучшие работы Луи Ленена выполнены в 1640-е гг. При первом взгляде персонажи его полотен кажутся не связанными между собой действием. Но на самом деле это далеко не так: их объединяет созвучный душевный настрой и общее восприятие жизни. Невидимые нити связывают членов бедной крестьянской семьи, слушающей играющего на скрипке мальчика на картине «Крестьянская трапеза». Поэтическим чувством отмечена сдержанная и простая «Молитва перед обедом», лишенная сентиментальности, но в то же время трогательная композиция «Посещение бабушки».

К 1640-м гг. относится замечательная картина Луи Ленена «Семейство молочницы». С чувством большой симпатии художник изобразил рано постаревшую от забот молочницу, ее задумавшегося мужа-крестьянина, крепкого, толстощекого сына и хрупкую, болезненную дочь. С замечательным мастерством исполнен пейзаж, на фоне которого представлены фигуры и предметы крестьянского быта. Кажутся удивительно реальными медный бидон за спиной молочницы, деревянная бочка и бадья, стоящие у ног ослика.

Шедевром Луи Ленена стала написанная в это же время «Кузница». Если раньше художник изображал крестьян во время отдыха или трапезы, то теперь он обратился к сценам человеческого труда. Картина представляет кузнеца, окруженного членами семьи, за работой. Ощущение движения и яркая выразительность образов создаются быстрым, энергичным мазком, контрастами света и тени.

Умер Луи Ленен в 1648 г. Его реалистичная живопись, лишенная театральности и эффектности барокко, почти на сто лет опередила свою эпоху. Во многом именно благодаря Луи Ленену мировую известность получили и его братья.

Черты реалистического искусства в первой половине XVII в. нашли отражение и в портретной живописи, ярким представителем которой был Филипп де Шампень, фламандец по происхождению. Создатель религиозных композиций и декоративных росписей, Шампень тем не менее прославился как талантливый портретист, создавший реалистичные и строгие портреты кардинала Ришелье и Арно д’Андильи.

Зародившийся в начале XVII в. классицизм становится ведущим направлением уже во второй четверти этого столетия. Художникам-классицистам так же, как и реалистам, близки передовые идеи этой эпохи. В их живописи отразилось ясное мировосприятие и представление о человеке как личности, достойной уважения и восхищения. В то же время классицисты не стремились передать в своих картинах окружающую их реальную действительность. Жизнь представала в их картинах облагороженной, а люди - идеальными и героизированными. Главными темами произведений художников-классицистов стали эпизоды из античной истории, мифологии, а также библейские сюжеты. Большинство живописных приемов заимствовалось из античного искусства. Не приветствовалось все индивидуальное и обыденное: живописцы стремились к созданию обобщенных и типичных образов. Классицизм первой половины XVII в. выражал стремления наиболее просвещенных слоев французского общества, считающих разум высшим критерием всего прекрасного в реальной жизни и в искусстве.

Крупнейшим мастером классицизма в живописи стал Никола Пуссен.

Николя Пуссен

Николя Пуссен родился в 1594 г. в Нормандии в семье военного, выходца из небогатого дворянского рода. Первые уроки живописи Пуссен получил у провинциального мастера Кантена Варена. Обстановка маленького нормандского городка не способствовала развитию способностей начинающего художника, и в начале 1610-х гг. Пуссен тайно от родителей уехал в Париж.

В столице художник получил возможность близко познакомиться с искусством известных итальянских мастеров. Большое впечатление произвели на него работы Рафаэля. В Париже Пуссен познакомился с популярным в то время итальянским поэтом Дж. Марино и исполнил иллюстрации к его поэме «Адонис».

В 1624 г. живописец покинул Францию и уехал в Италию, где поселился в Риме. Здесь Пуссен неустанно трудился: зарисовывал античные статуи, занимался литературой и наукой, изучал труды Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера.

Хотя в работах Пуссена, выполненных в 1620-х гг., уже появились черты классицизма, многие его произведения этого периода выходят за рамки данного направления. Сниженность образов и излишний драматизм в таких полотнах, как «Мученичество св. Эразма» и «Избиение младенцев», сближают живопись Пуссена с караваджизмом и искусством барокко. Даже в более поздней картине «Снятие с креста» (ок. 1630) еще заметна острая экспрессивность в изображении человеческой скорби.

Значительную роль в живописи Пуссена-классициста играет рациональное начало, поэтому в его полотнах видны ясная логика и четкая идея. Эти качества свойственны его картине «Смерть Германика» (1626-1627). Черты классицизма выразились уже в выборе главного персонажа - мужественного и смелого полководца, отравленного подлым и завистливым римским императором Тиберием.

Во второй половине 1620-х гг. Пуссен увлекся творчеством Тициана, чье искусство оказало большое влияние на французского мастера и помогло его дарованию раскрыться в полной мере.

В этот период Пуссен создает картину «Ринальдо и Армида» (1625-1627), навеянную поэмой Т. Тассо «Освобожденный Иерусалим». Средневековую легенду о рыцаре-крестоносце Ринальдо, увезенном волшебницей Армидой в свои чудесные сады, живописец представил как сюжет из античного мифа: кони Армиды, везущие колесницу, напоминают коней греческого бога солнца Гелиоса. Позднее этот мотив не раз будет встречаться в произведениях Пуссена.

Следуя идеалам классицизма, Пуссен показывает героев, живущих в полном согласии с природой. Таковы его сатиры, амуры и нимфы, чья веселая и счастливая жизнь протекает в полной гармонии с величественной и прекрасной природой («Аполлон и Дафна», «Вакханалия», «Царство Флоры» - все 1620-1630-е).

Одной из самых лучших работ живописца стала картина «Спящая Венера». Как и в произведениях великих мастеров итальянского Возрождения, Венера Пуссена, окруженная восхитительной природой, полна юной силы. Кажется, что эта стройная богиня, погруженная в безмятежный сон, - просто прекрасная девушка, как видно выхваченная мастером из обыденной жизни.

Из поэмы Тассо взят сюжет картины «Танкред и Эрминия».

Пуссен изобразил раненого Танкреда, распростертого на бесплодной каменистой земле. Героя поддерживает его друг Вафрин.

Эрминия, сошедшая с коня, устремляется к возлюбленному, что- бы перевязать ему раны прядью своих длинных волос, отсеченной острым мечом. Эмоциональную приподнятость картине придает звучный колорит картины, особенно цветовые контрасты серо-стальных и насыщенных синих оттенков одежды Эрминии; драматизм ситуации подчеркивает пейзаж, озаренный ярким отблеском уходящего солнца.

Со временем произведения Пуссена становятся менее эмоциональными и драматичными, чувство и разум в них
уравновешиваются. Примером могут служить два варианта картины «Аркадские пастухи». В первом, исполненном между 1632 и 1635 гг., художник запечатлел пастухов, жителей счастливой страны Аркадии, внезапно обнаруживших среди густых зарослей гробницу, на которой можно разобрать надпись: «И я был в Аркадии». Эта надпись на могильной плите повергла пастухов в глубокое смятение и заставила задуматься о неотвратимости смерти.

Менее эмоционален и драматичен второй вариант «Аркадских пастухов», написанный в начале 1650-х гг. Лица пастухов также омрачены печалью, но они более спокойны. Воспринимать смерть по-философски, как неизбежную закономерность, призывает их прекрасная женщина, олицетворяющая стоическую мудрость.

В конце 1630-х гг. слава Пуссена выходит за пределы Италии и достигает Парижа. Художника приглашают во Францию, но он пытается отложить поездку. И лишь личное письмо Людовика XIII заставляет его собраться в дорогу.

Осенью 1640 г. Пуссен вернулся в Париж, но эта поездка не принесла ему радости. Придворные художники во главе с С. Вуэ оказали Пуссену неласковый прием. «Эти животные», как называл их художник в своих письмах, окружили его сетью своих интриг. Задыхаясь в душной атмосфере придворной жизни, Пуссен вынашивает план бегства. В 1642 г. под предлогом болезни жены художник возвращается в Италию.

Парижская живопись Пуссена носит явные барочные черты. Работы этого периода отличаются холодной официальностью и театральной эффектностью («Время спасает Истину от Зависти и Раздора», 1642; «Чудо св. Франциска Ксаверия», 1642). И в более поздних своих работах Пуссен уже не поднялся до прежней выразительности и жизненности образов. В этих произведениях рационализм и отвлеченная идея взяли верх над чувством («Великодушие Сципиона», 1643).

В конце 1640-х гг. Пуссен пишет главным образом пейзажи. Теперь его привлекает не человек, а природа, в которой он видит воплощение истинной гармонии жизни. Художник внимательно изучает ландшафты в окрестностях Рима и делает зарисовки с натуры. Позднее по этим живым и свежим рисункам он пишет т. н. героические пейзажи, получившие широкое распространение в живописи XVII в. Скалистые громады, большие деревья с пыш¬ыми кронами, прозрачные озера и ручьи, протекающие среди камней, - все в этих ландшафтах Пуссена подчеркивает торжественное величие и совершенную красоту природы («Пейзаж с Геркулесом и Какусом», 1649; «Пейзаж с Полифемом», 1649).

В последние годы жизни в произведениях Пуссена все громче начинают звучать трагические ноты. Это особенно заметно в его картине «Зима» из цикла «Четыре времени года» (1660-1664). Другое название полотна - «Потоп». Художник изобразил страшную картину гибели всего живого: вода заливает землю, не оставляя человечеству шансов на спасение; в черном небе сверкают молнии; весь мир кажется застывшим и неподвижным, как будто погруженным в глубокое отчаяние.

«Зима» стала последней картиной Пуссена. В ноябре 1665 г. художник умер. К искусству замечательного французского мастера не раз обращались живописцы XVIII, XIX и XX вв.

Крупнейшим художником-классицистом, наряду с Пуссеном, был Клод Лоррен, работавший в пейзажном жанре.

Клод Лоррен

Клод Желле родился в 1600 г. в Лотарингии в семье крестьянина. Свое прозвище - Лоррен - он получил по месту рождения (Лотарингия по-французски Lorraine). Рано оставшийся без родителей, мальчик уехал в Италию, где работал слугой у художника А. Тасси. Вскоре Лоррен стал его учеником.

В начале 1630-х гг. Лоррен - довольно известный живописец. Он выполняет заказные работы, пишет картины для Папы Урбана VIII и кардинала Бентивольо. Почти всю свою жизнь художник провел в Риме, но был знаменит не только в Италии, но и на своей родине - во Франции.

Лоррен стал основоположником классицистического пейзажа. Хотя в Италии пейзажи появлялись в творчестве таких художников, как Доменикино и Аннибале Карраччи, именно Лоррен сделал пейзаж самостоятельным жанром.

Очаровательные итальянские ландшафты в произведениях Лоррена превращались в идеальный, классический образ природы. В отличие от героических пуссеновских пейзажей, картины Лоррена глубоко лиричны и пронизаны чувством личного переживания автора. Излюбленными мотивами его живописи были морские гавани, далекие горизонты, озаренные рассветом или погруженные в сумерки, бурные водопады, таинственные ущелья и мрачные башни на высоких скалистых берегах.

Ранние пейзажи Лоррена выполнены в коричневатой цветовой гамме, они несколько перегружены архитектурными элементами («Кампо Ваччино», 1635) .

Самые лучшие произведения Лоррена, уже зрелого художника, созданы в 1650-е гг. В 1655 г. живописец исполнил свою замечательную картину «Похищение Европы», изображающую чудесный морской залив, на берегу которого растут деревья. Ощущение тишины и покоя пронизывает природу, и даже мифологические образы девушки Европы и Зевса, превратившегося в быка, не выпадают из общего настроя картины. Человеческие фигуры в пейзажах Лоррена не играют большой роли, художник не писал их сам, поручая эту работу другим мастерам. Но люди в его картинах не выглядят лишними, они кажутся маленькой частичкой прекрасного мира. Это свойственно и известному полотну «Ацис и Галатея» (1657).

Со временем пейзажи Лоррена становятся более эмоциональными и выразительными. Художника привлекают изменчивые состояния природы, он пишет ландшафты в различное время суток. Главными изобразительными средствами в его живописи становятся цвет и свет. В 1660-х гг. Лоррен создает удивительно поэтичные полотна «Утро», «Полдень», «Вечер» и «Ночь».

Лоррен известен и как талантливый рисовальщик и гравер. Замечательны его рисунки, выполненные с натуры, - в этих свежих и живых набросках чувствуется тонкая наблюдательность художника и его умение с помощью простых средств передать красоту окружающего мира. С большим мастерством исполнены офорты Лоррена, в которых так же, как и в живописных работах, художник стремится передать эффекты света.

Лоррен прожил долгую жизнь - он умер в 1682 г. в возрасте 82 лет. Его искусство вплоть до XIX в. оставалось образцом для подражания в кругу итальянских и французских пейзажистов.

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

ИСТОРИКО - ЛИТЕРАТУРНЫЙ ПРОЦЕСС XVII ВЕКА.

4. Классицизм - ведущее направление литературы XVII в.

Этапы его развития

Провозгласив культ разума, классицизм требовал разумной регламентации художественного творчества. Отсюда в нем четкость, простота и убедительность во всем: в идеях, жизненных ситуациях, человеческих характерах. Идеал прекрасного, который классицизм видел в античности, он пытался соединить с умным.

В своих поисках разумных правил творчества классицизм обращался к античных теоретиков литературы - Аристотеля, Горация, брал за образец их взгляды на литературу. На базе «Поэтики» Аристотеля и «Послание к Пізонів» Горация француз Никола Буало разработал подробную регламентацию писательского творчества в книге «поэтическое Искусство» (1674), которая стала эстетической программой классицизма.

Классицизм (от лат. classicus - «образцовый», «совершенный») - литературное направление, возникшее в XVII веке во Франции и распространился в странах Европы в начале XIX века.

Следовательно, формирование сильных монархических государств на территории Европы, в частности во Франции, способствовал утверждению классицизма как литературного направления. Во многих странах, и прежде всего во Франции, классицизм стал первым официальным художественным методом, который признал правительство. Идея национального единства в политике монархов нашла воплощение в произведениях класицистів. Короли и цари приближали к себе писателей, а они, в свою очередь, прославляли их в своих произведениях, провозглашали необходимость общественного служения государственным интересам. Принципы государственности и дисциплины, которые утверждались в эпоху абсолютизма, повлияли и на регламентацию в искусстве. Произведения становятся более четкими, уравновешенными, цельными, подчиняются общепринятым канонам классицизма.

Классицизм

Философская основа		труды Рене Декарта
Гаспо		ум
Эстетический принцип		порядок и регламентация
Герой		деятель
	Главный принцип		подражание природе
Назначение произведений		укрепление власти короля

Само название «классицизм» подчеркивала тот факт, что представители направления последовали античную «классику». Однако, не следует забывать, что во времена Возрождения тоже почитали античность. Отличие в поддержании и возрождении античного искусства заключалась в том, что во времена Ренессанса ценилось чувство, а классицисты, наоборот, предпочитали ума.

В соответствии с доктриной классицизма литература должна ориентироваться на готовые высокохудожественные образцы, за которые правила, прежде всего, римская литература. Брали сюжеты из античной мифологии и в основном из римской истории, реже - из Ветхого Завета.

«Древние авторы для новых писателей - это «школа поэтического мастерства», - отмечал представитель немецкого классицизма Мартин Опиц. Античное наследие для художников-классиков - это также определенное мерило и образец. «Мы должны, - отмечает Ж. Расин, - постоянно спрашивать себя: что сказали бы Гомер и Вергилий, если бы про-читали эти стихи? Что сказал бы Софокл, если бы увидел презентованной эту сцену?»

Становление и развитие классицистического направления проходила в постоянной борьбе и полемике с литературой барокко.

Если в барочных литературных произведениях были возможны самые капризные сочетания и сплавы, теория классицизма регламентировала авторское воображение. Классицизм создал целый ряд канонов и правил, которых должен был придерживаться писатель.

Основные правила классицизма:

1. Классицисты утверждали вечность идеала прекрасного, что побудило их следовать традиции античных мастеров. Они считали, если одни эпохи создают образцы прекрасного, то задача художников последующих времен заключается в том, чтобы приблизиться к ним. Отсюда - установление общих правил, необходимых для художественного творчества.

2. В литературе прослеживался четкий распределение по определенным жанрам:

- высокие (ода, эпопея, трагедия, героическая поэма);

- средние (научные произведения, элегии, сатиры);

- низкие (комедия, песни, письма в прозе, эпиграммы).

Темами для произведений высоких жанров были события общенационального и исторического значения, в них принимали участие цари, выдающиеся деятели, придворные и т.д. Высокие жанры были написаны величавым, торжественным языком. Темами для средних и низких жанров были наука, природа, человеческие пороки, социальные пороки. В них действовали представители средних и низших классов, речь приближалась к разговорного стиля. Если в высоких жанрах прославлялись идеи монархии и общественного служения, то в средних и низких жанрах утверждались идеи познания мира и человеческой природы, вы-кривалися пороки общества и характеров.

Устанавливались міжжанрові границы, а любые міжжанрові сплавы (например, трагикомедия) считались недопустимыми.

Для каждого жанра регламентировались язык и герои. Так, трагедии классицизма присуща была возвышенная, патетическая речь, такие же высокие чувства, обрисовывались героические личности.

В комедиях использовалась простая речь, обязательным был сатирический струя, действовали бытовые персонажи. Жанровые формы новой литературы класицистами игнорировались, особенно это касалось прозаических жанров, которые, несмотря на их большую популярность в современной литературе, были отодвинуты в классицизме на второй план. Жанровыми доминантами классицистической литературы были ода и трагедия.

3. Важным элементом в эстетике классицизма были учения о разуме как главный критерий художественной правды и прекрасного в искусстве. Классицисты считали, что античные мастера творили по законам разума. Писателям нового времени тоже следует придерживаться этих законов. Отсюда происходили почти математическая точность правил искусства классицизма (иерархия жанров, единство драматургии и т.д.). Это накладывало отпечаток холодного бесстрастия, чрезмерной логичности произведения класицистів.

4. С учением о абсолютность идеала прекрасного и с рационализмом было связано утверждение об универсальности типов человеческих характеров. Опираясь на «Характеры» Теофраста, классицисты утверждали неизменность человеческих характеров. Поэтому созданные ими образы отличались абстрактністю и универсальностью, воплощением только общих черт, а не индивидуальных признаков. Персонажи в основном были схематичны, - строили вокруг изображения какой-то ведущей черты характера (честь, долг, храбрость, лицемерие, жадность и т.д.).

5. Характеры четко делились на положительные и отрицательные.

6. Драматические произведения (трагедия, комедия) подчинялись правилу трех единств - времени, места и действия. Пьеса воспроизводила события, которые происходили в течение одного дня и в одном месте.

7. Четкая композиция должна подчеркивать логику замысла автора и определенные черты персонажей.

8. Для классицизма в целом характерны аристократизм, ориентация на требования, вкусы высшего общественного слоя, хотя некоторые представители классицизма нарушали это правило (например, Мольер)

9. Эстетическую ценность для класицистів мало лишь вечное, неподвластное времени, как произведения античности. Следуя древних авторов, классицисты сами создавали «вечные» образы, которые навсегда вошли в сокровищницу мировой литературы (Тартюф, Сид, Гораций, Федра, Андромаха, мещанин - шляхтич, скряга и т.д.).

Классицисты настаивали на воспитательной функции литературы и искусства. Причем средством воспитания «хорошего вкуса» есть ни дидактизм, ни морализаторство. Воспитывать человека имеет наслаждение, которое должно давать искусство.

Этапы развития классицизма

В историческом плане классицизм прошел два этапа. Первый этап связан с расцветом монархических государств, когда абсолютизм способствовал развитию всех сфер общества (экономики, политики, науки, культуры). Главной задачей класицистів на этом этапе было прославление монархии, национального единства государства под властью короля. Например, Франсуа Малерб (1555 - 1628), Пьер Корнель утверждали идеал мудрого монарха и преданных ему подданных. Особенно известными стали образы Корнеля - Сид («Сид» - 1673), Август («Цинна, или Милосердие Августа») и др.

На втором этапе исторического развития монархия обнаружила свои недостатки, что обусловило изменение направленности классицизма. Писатели уже не только прославляли монархов и времена их правления, но и критиковали социальные пороки, обличали людские пороки, хотя и не отрицали абсолютизм в целом. Если на первом этапе доминировали ода, эпопея, героическая поэма, а художественные образы были величественными и возвышенными, то на втором этапе характеры героев более похожими на реальных людей, на первый план вышли комедии, сатиры, эпиграммы и т.п.

Вывод. Таким в общих чертах поставь классицизм - не только как направление в литературе и искусстве XVII-XVIII веков, но и тип художественного творчества со специфическими принципами, чувством и пониманием формы, как одна из констант европейской художественной культуры. В Украине этот тип художественного творчества появился с засну-ем Киево-Могилянской академии (1632) и широкое распространение получил в конце XVII - начале XVIII века.

Классицизм - направление в европейском искусстве, основанное на канонизации античной классики как наилучшего образца для подражания. Отличительными чертами архитектуры классицизма является:
использование структурных и художественно-декоративных возможностей античной ордерной системы, её закономерностей, пропорциональности и соразмерности объёмов и деталей здания. Основанная на античной модульной системе архитектура классицизма была пропорциональна и соразмерна человеку, гармонично соотнесена с ним;
основой архитектуры классицизма являются строгие симметрично-осевые композиции и уравновешенность в построении планов, объёмов и внутреннего пространства сооружений. Вся архитектурная композиция тяготеет к главной оси, соотнесена с ней;
сдержанность декоративных украшений, где каждый архитектурный элемент - законченное целое, занимающее своё определённое положение в иерархической системе, основанной на последовательном подчинении второстепенных частей главным, менее значительных - более значительным.
Основанные на математических расчётах сооружения классицизма с одной стороны подчёркивали светское начало во французской архитектуре, освобождали искусство от церковности, с другой - служили доказательством прогрессивности просвещённого феодально-абсолютистского режима.
В развитии типа французского замка с этого времени различимы два направления: официальное, предназначенное для защиты идеи абсолютизма (создание огромных дворцово-парковых ансамблей) и более интимное направление, основанное на интересах человеческой личности (проявилось в создании небольших загородных резиденций и замков, в которых можно было отдохнуть от придворного шума и пышной придворной жизни).
Во 2/пол. 17 в. особое место занимает строительство королевской резиденции Версаля. Версаль - это огромный цельный архитектурный ансамбль из дворца, парка и города, представляющий собой синтез искусств - архитектуры, живописи, скульптуры и садово-паркового искусства французского классицизма 17 в. Строительство началось по приказу Людовика 14 (Король-солнце) с перестройки в 1661 г. архитектор Лево небольшого дворца Людовика 13. Обновлялось декоративное убранство дворца, строились Оранжерея, Зверинец. Но со временем и этот дворец посчитали не достаточно величественным и маленьким, поэтому в 1678 г. арх. Мансар увеличил дворец, пристроил церковь.
Дворец Версаля неотделим от его парка. Этот парк создан архитектором-садовником Ленотром (1613-1700). В своих садах и парках Ленотр проводит принцип классицизма - регулярность, строгая симметрия, ясность композиции, чёткость соподчинения главного и второстепенного. По мнению Ленотра, дворец должен быть хорошо обозреваем и окружён воздухом, от центра дворца должна идти главная аллея - ось симметрии парка. Весь парк должен быть хорошо просматриваемым. «Хороший сад не может быть похожим на лес с его неорганизованностью и произволом».
Версальский дворец имел восточно-западную ориентацию, благодаря чему он выглядит особенно блистательным в лучах заходящего солнца. Особенностью Версаля является аллегорический смысл его скульптур, мифология которых подчёркнуто условна. Центральная фигура Версальского парка - фонтан Апполона, бога солнца.
Чтобы в таком огромном дворце и парке было удобно и приятно жить, в глубине свободной части парка арх. Лево был построен в 1670 г. так называемый Фарфоровый Трианон - живописное сооружение, декорированное разноцветным фарфором. Но позже, оно перестало соответствовать требованиям стиля и в 1687 г. было сломано, а на его месте архитекто Мансар возвёл новый, Большой Трианон - одноэтажное здание с плоской крышей, выполненное из драгоценных сортов мрамора. Несколько позднее был построен дворец Малый Трианон.
Таким образом в Версале чётко разграничились 2 основные функции: одна - официально-представительная, государственная, и другая - интимная, связанная с личной жизнью короля и его приближённых. В соотношении с дворцом и парком был размещён и город, рассчитанный на 30 000 человек.

Муниципальная школа №8

Среднего (полного) образования

Реферат на тему:

Классицизм (Франция. XVII век)

Выполнил: ученик 11 “Б” класса

Мальцев Н.В.

Воронеж-1999/2000 учебный годСОДЕРЖАНИЕ

Введение ………………………………………………………….3

Что такое классицизм?…………………………………………...4

Первая половина XVII века ……………………………………..6

Вторая половина XVII века …………………………………….11

Список литературы ……………………………………………..16

ВВЕДЕНИЕ

XVII столетие – одно из ярчайших эпох в развитии западноевропейской
художественной культуры. Это время наиболее блестящего расцвета ряда
крупнейших национальных школ, множества творческих направлений и
поистине необычайного для одного столетия созвездия великих имен и
прославленных мастеров. Самое значительное и ценное, что было создано
этой эпохой связано в первую очередь с искусством пяти европейских стран
– Италии, Испании, Фландрии, Голландии, Франции.

Мы же остановимся на Франции.

ЧТО ТАКОЕ КЛАССИЦИЗМ?

Классицизм - Стилистическое направление в европейском искусстве,
важнейшей чертой которого было обращение к античному искусству как
эталону и опора на традиции Высокого Возрождения. В изобразительном
искусстве и архитектуре проявились общие эстетические принципы –
использование форм и образцов античного искусства для выражения
современных общественно эстетических взглядов, тяготение к возвышенным
темам и жанрам, к логичности и ясности образов, провозглашение
гармоничного идеала человеческой личности. Предпосылки возникновения
классицизма проявились во второй половине 16 века, в эпоху позднего
Возрождения в Италии в работах архитектора и теоретика А.Палладио, а
теоритических сочинениях архитектора Виньолы, С.Серлио и др. Все эти
авторы стремились привести художественное наследие античности и высокого
Возрождения в единую строгую систему. И утвердить в искусстве ряд норм и
правил античной эстетики.

Как последовательная система классицизм складывается в первой половине
17 века во Франции. Его характеризует провозглашение идей гражданского
долга, подчинение интересов личности интересам общества, торжество
разумной закономерности. В это время широко используется темы, образы и
мотивы античного и ренессансного искусства. Классицисты стремились к
скульптурной четкости форм, пластической завершенности рисунка, к
ясности и уравновешенности композиции. При этом для классицизма
свойственно тяготение к отвлеченной идеализации, отрыв от конкретных
образов современности, к установлению норм и канонов, регламентирующих
художественное творчество. Крупнейшей фигурой классицизма был художник и
теоретик Н.Пуссен. Для архитектуры французского классицизма 17 века были
характерны логичность и уравновешенность композиций, четкость прямых
линий, геометрическая правильность планов и строгость пропорций.

Классицизм формировался как антагонистическое направление по отношению к
пышному и виртуозному искусству барокко. Но, когда во второй половине 17
века классицизм стал официальным искусством абсолютистской монархии, он
вобрал в себя элементы барокко. Это проявилось в архитектуре Версаля, в
творчестве живописца Ш.Лебрена, скульптуров Ф.Жирардона, и А.Куазевокса.

Во главе направления становится парижская Академия художеств, которой
принадлежит создание свода искусственных догматических правил и якобы
непоколебимых законов композиции рисунка. Эта Академия установила также
рационалистические принципы изображения эмоций (“страстей”) и разделение
жанров на “высокие” и “низкие”. К “высоким” жанрам относились
исторический, религиозный и мифологический жанры, к “низким” - портрет,
пейзаж, бытовой жанр, натюрморт. Со временем это направление выродилось
в холодный официальный академизм.

В середине 18 века на фоне просветительского движения, накануне
французской революции возникло новое направление классицизма
противопоставляющее себя искусству рококо и творчеству эпигонов –
академистов. Особенностью этого направления стало проявление черт
реализма, стремление к ясности и простоте, отражение просветительского
идеала “естественной человечности”.

Скульптура эпохи классицизма отличается строгостью и сдержанностью,
слаженностью форм, спокойностью поз, когда даже движение не нарушает
формальной замкнутости (Э.Фальконе, Ж.Гудон).

Период позднего классицизма – ампир - приходится на первую треть 19
века. Отличается парадностью и пышностью, выразившимися в архитектуре и
прикладном искусстве. Этот период выделяют как самостоятельный.

ПЕРВАЯ ПОЛОВИНА XVII ВЕКА

В первой половине и середине XVII столетия во французкой архитектуре
складываются и постепенно укореняются принципы классицизма. Этому
способствует и государственная система абсолютизма.

Строительство и контроль над ним сосредоточиваются в руках
государства. Вводится новая должность " архитектора короля " и " первого
архитектора ". На строительство затрачиваются огромные средства.
Государственные учреждения контролируют строительство не только в
Париже, но и в провинциях.

По всей стране широко развертываются градостроительные работы. Новые
города возникают как военные форпосты или посе-ления близ дворцов и
замков королей и правителей Франции. В большинстве случаев новые города
проектируются в виде квадрата или прямоугольника в плане либо в виде
более сложных полигональных форм - пяти, шести, восьми и т. д.
угольников, образованных оборонительными стенами, рвами, бастионами и
башнями. Внутри них планируется строго регулярная прямоугольная или
радиальнокольцевая система улиц с городской площадью в центре. В
качестве примеров можно указать города Витри-ле-Франсуа, Саарлуи,
Анришмон, Марль, Ришелье и т. д.

Ведется перестройка старых средневековых городов на основе новых
принципов регулярной планировки. Прокладываются прямые магистрали,
возводятся городские ансамбли и геометрически правильные площади на
месте беспорядочной сети средневековых улиц.

В градостроительстве эпохи классицизма главной проблемой становится
крупный городской ансамбль с застройкой, осуществляемой по единому
плану. В 1615 г. в Париже ведутся первые планировочные работы в
северо-западной части города, застраиваются острова Нотр-Дам и Сен-Луи.
Воздвигаются новые мосты и расширяются границы города.

На левом и правом берегу Сены строятся крупные дворцовые комплексы -
Люксембургский дворец и дворец Пале-Ро-яль (1624, арх. Ж. Лемерсье).
Дальнейшее развитие градостроительных работ в Париже выразилось в
создании двух правильных по форме - квадратной и треугольной - площадей,
включенных в средневековую застройку города, - Королевской площади
(1606-12, арх. Л. Метезо) и площади Дофина (начата в 1605 г.) на
западной части острова Ситэ.

Принципы классицизма, почва для которых была подготовлена зодчими
французского и итальянского Возрождения, в первой половине ХVII века еще
не отличались целостностью и однородностью. Они нередко смешивались с
традициями итальянского барокко, для сооружений которого характерны
раскрепованные карнизы, усложненная форма треугольных и криволинейных
фронтонов, обилие скульптурного декора и картушей, особенно в отделке
итерьеров.

Средневековые традиции были настолько сильны, что даже классические
ордеры приобрели в постройках первой половины века своеобразное
истолкование. Композиция ордера - его расположение на поверхности стены,
пропорции и детали - подчиняется структуре стены, сложившейся в
готической архитектуре, с ее четко выделенными вертикальными элементами
несущего каркаса здания (простенками) и расположенными между ними
большими оконными проемами. Полуколонны и пилястры, заполняя простенки,
группируются попарно или пучками. Этот мотив в сочетании с
подразделением фасадов при помощи угловых и центральных ризалитов на
отдельные башнеобразные объемы, перекрытые высокими пирамидальными
кровлями, придает зданию вертикальную устремленность, не свойственную
классической системе ордерных композиций и четкому спокойному силуэту
объема.

Приемы барокко сочетаются с традициями французской готики и новыми
классицистическими принципами понимания красоты. Многие культовые
сооружения, построенные по установившемуся в итальянском барокко типу
базиликальной церкви, получили пышные главные фасады, декорированные
ордерами колонн и пилястров, с многочисленными раскреповками,
скульптурными вставки и волютами. Примером может служить церковь
Сорбонны (1629-1656, архитектор Ж. Лемерсье) - первое культовое здание
Парижа, увенчанное куполом.

Преобладание классицистических тенденций сказалось в таких
сооружениях, как церковь де ла Визатасьон (1632-1634) и церковь
монастыря Минимов (начата в 1632г.), созданных Ф. Мансаром. Для этих
построек типична простота композиции и сдержанность форм, отход от
барочных образцов базиликального плана и трактовки фасадов как пышной
архитектурной декорации.

Одним из ранних дворцовых сооружений был уже упомянутый Люксембургский
дворец (1615-1620/21), построенный Соломоном де БИОСом (после 1562-1626)
для Марии Медичи. Около дворца был разбит великолепный парк, считавшийся
в начале XVII века одним из лучших.

Композиция дворца характеризуется размещением основного и более низких
служебных корпусов-флигелей вокруг большого парадного дворца
(курдонера). Одна сторона главного корпуса обращена в парадный
внутренний двор, другая - к парку. В объемной композиции дворца четко
проявились характерные для французской дворцовой архитектуры первой
половины XVII века традиционные черты, например выделение в главном
трехэтажном корпусе дворца угловых и центрального бешнеобразных объемов,
увенчанных высокими кровлями, а также расчленение внутреннего
пространства угловых башен на совершенно одинаковые жилые секции.

Облик дворца, в некоторых чертах которого еще сохраняется сходство с
замками предшествующего столетия, благодаря закономерному и ясному
композиционному построению, а также четкому ритмическому строю
двухъяросных ордеров, расчленяющих фасады, отличается монументальностью
и представительностью.

Массивность стен подчеркивается горизонтальным рустом, сплошь
покрывающим стены и ордерные элементы. Прием этот, заимствованный у
мастеров итальянского барокко, в творчестве де Броса получил
своеобразное звучание, сообщающее облику дворца особое богатство и
великолепие.

Среди других произведений де Броса видное место занимает церковь
Сен-Жерве (начата в 1616 г.) в Париже. В этой церкви, построенной по
плану церквей итальянского барокко, традиционные элементы церковных
барочных фасадов сочетаются с готической вытянутостью пропорций.

К первой половине XVII столетия относятся ранние образцы крупных
ансамблевых композиций. Создателем первого в архитектуре французского
классицизма ансамбля дворца, парка и города Ришелье (начат в 1627 г.)
был Жак Лемерсье.

Планировка ныне не сохранившегося ансамбля была основана на
пересечении под углом двух композиционных осей. Одна из них совпадает с
главной улицей города и парковой аллеей, соединяющей город с площадью
перед дворцом, другая является главной осью дворца и парка. Планировка
парка построена на строго регулярной системе пересекающихся под прямым
углом или расходящихся из одного центра аллей.

Расположенный в стороне от дворца г. Решелье был окружен стеной и
рвом, образующими прямоугольник в плане. Планировка улиц и кварталов
города подчинена той же строгой системе прямоугольных координат, как и
ансамбль в целом, что свидетельствует о сложении в первой половине XVII
века новых градостроительных принципов и преодолении средневековых
приемов застройки города с кривыми узкими улочками, скученными
строениями и маленькими тесными площадями.

Дворец Ришелье, как и его регулярный парк с глубокими перспективами
аллей, обширным партером и скульптурой, создавался как величественный
памятник, призванный прославить всесильного правителя Франции. Интерьеры
дворца были богато украшены лепниной и живописью, в которых
возвеличивались личность Ришелье и его деяния.

Ансамбль дворца и города Ришелье был еще недостаточно проникнут
единством, однако в целом Лемерсье удалось создать новый тип сложной и
строгой пространственной композиции, неизвестной архитектуре
итальянского Возрождения и барокко.

Наряду с Лемерсье крупнейшим зодчим первой половины столетия был
Франсуа Мансар (1598-1666). Его крупным произведением является церковь
женского монастыря Валь де Грас (1645-1665), построенная уже после его
смерти. В основу композиции плана положена традиционная схема купольной
базилики с широким центральным нефом, перекрытым цилиндрическим сводом,
трансептом и куполом на средокрестии. Как и во многих других
французских культовых сооружений XVII века, фасад здания восходит к
традиционному решению церковного фасада архитектурой итальянского
барокко. Приподнятый на высоком барабане купол церкви - один из трех
наиболее высоких куполов Парижа.

В 1630 г. Франсуа Мансар ввел в практику строительства городского жилища
высокую изломанную форму крыши с использованием чердака под желье
(устройство, получившее по имени автора название "мансарды").

В отделке интерьеров замков и городских отелей в первой половине XVII
века широко применялись резное дерево, бронза, лепнина, скульптура,
живопись.

Таким образом, в первой половине XVII века как в области
градостроительства, так и в формировании самих типов зданий идет процесс
вызревания нового стиля, и создаются условия для его расцвета во второй
половине столетия.

ВТОРАЯ ПОЛОВИНА XVII ВЕКА

Вторая половина XVII века - время наивысшего расцвета архитектуры
французского классицизма.

Одна из причин ведущего значения архитектуры среди других видов
искусства во второй половине XVII века коренилась в ее специфических
особенностях. Именно архитектура с монументальным характером ее форм и
долговечностью могла с наибольшей силой выразить идеи централизованной
национальной монархии в период ее зрелости. В эту эпоху особенно ярко
проявилась социальная роль архитектуры, ее идеологическое значение и
организующая роль в художественном синтезе всех видов изобразительного,
прикладного и садово-паркового искусств.

Большое влияние на развитие архитектуры оказала организация Академии
архитектуры, директором которой был назначен видный архитектор и
теоретик Франсуа Блондель (1617-1686). Ее членами были выдающиеся
французские архитекторы Л. Бриан, Ж. Гиттар, А. Ленотр, Л. Лево, П.
Мииьян и другие. Задача Академии заключалась в выработке основных
эстетических норм и критериев архитектуры классицизма, которыми должны
были руководствоваться зодчие.

Особенности архитектуры середины и второй половины XVII века
сказываются как в огромном объеме строительства крупных парадных
ансамблей, призванных возвеличить и прославить господствующие классы
эпохи абсолютизма и могущественного монарха - короля-солнце Людовика
XIV, так и в совершенствовании и развитии художественных принципов
классицизма.

Во второй половине XVII века наблюдается более последовательное
применение классической ордерной системы: горизонтальные членения
преобладают над вертикальными; постоянно исчезают высокие раздельные
кровли и заменяются единой кровлей, нередко маскируемой балюстрадой;
объемная композиция здания становится более простой, компактной,
соответствующей расположению и величине внутренних помещений.

Наряду с влиянием архитектуры античного Рима усиливается воздействие
архитектуры итальянского Возрождения и барокко. Это последнее
сказывается в заимствовании некоторых барочных форм (кривые разорванные
фронтоны, пышные картуши, волюты), в принципах решения внутреннего
пространства (анфилада), а также в повышенной усложненности и
помпезности архитектурных форм, особенно в итерьерах, где их синтез со
скульптурой и живописью нередко несет в себе в большей мере черты
барокко, чем классицизма.

Одним из произведений архитектуры второй половины XVII века, в котором
уже ясно ощущается преобладание зрелых художественных принципов
классицизма, является загородный ансамбль дворца и парка Во-ле-Виконт
близ Мелена (1655-1661).

Создателями этого выдающегося произведения, построенного для
генерального контролера финансов Фуке, были архитектор Луи Лево (ок.
1612-1670), мастер садово-паркового искусства Андре Ленотр,
распланировавший парк дворца, и живописец Шарль Лебрен, принявший
участие в отделке интерьеров дворца и росписи плафонов.

В структуре и облике здания, так же как и в композиции ансамбля в
целом, несомненно, более последовательное применение классицистических
архитектурных принципов.

Это проявляется прежде всего в логичном и строго расчитанном
планировочном решении дворца и парка как единого целого. Большой
овальной формы салон, составляющий центральное звено анфилады парадных
помещений, стал композиционным центром не только дворца, но и ансамбля в
целом, поскольку его положение на пересечении основных планировочных
осей ансамбля (главной парковой аллеи, идущей от дворца, и поперечных,
совпадающих с продольной осью здания) делает его "фокусом" всего
комплекса.

Таким образом, здание дворца и парк подчинены строго централизованному
композиционному принципу, позволяющему привести разнообразные элементы
ансамбля к художественному единству и выделить дворец как главную
составную часть ансамбля.

Для композиции дворца типично единство внутреннего пространства и
объема здания, отличающее произведения зрелой классицистической
архитектуры. Большой овальный салон выделен в объеме здания
криволинейным ризалитом, увенчанным мощной купольной кровлей, создающей
статичность и спокойствие силуэта здания. Введением большого ордера
пилястр, охватывающих два этажа над цоколем, и мощной горизонтали
гладкого, строгого по профилям классического антаблемента достигается
преобладание в фасадах горизонтальных членений над вертикальными,
целостность ордерных фасадов и объемной композиции, не свойственная
замкам более раннего пеиода. Все это придает облику дворца
монументальную представительность и парадность.

Важный вклад в теорию и практику французского классицизма внес Франсуа
Блондель (1617-1686). В числе его лучших произведений следует отметить
триумфальную арку, называемую обычно воротами Сен-Дени в Париже. Большая
заслуга Блонделя заключается в глубокой творческой переработке типа
римской триумфальной арки и создании своеобразной композиции, оказавшей
сильное влияние на архитектуру подобных сооружений в XVIII-XIX веках.

Проблема архитектурного ансамбля, стоявшая почти на протяжении всего
столетия в центре внимания мастеров классицизма XVII века, нашла свое
выражение во французском градостроительстве. Выдающимся новатором в этой
области выступает крупнейший французский архитектор XVII столетия - Жюль
Ардуэн-Мансар (1646-1708; с 1668 г. он носил фамилию Ардуэн-Мансар).
Площадь Людовика Великого (впоследствии Вандомская; 1685-1701) и площадь
Побед (1648-1687) в Париже были возведены по его проектам.

Полное и всестороннее развитие прогрессивные тенденции в архитектуре
классицизма XVII столетия получают в грандиозном по масштабам, смелости
и широте художественного замысла ансамбле Версале (1668-1689). Главными
создателями этого самого значительного памятника французского
классицизма XVII века были архитекторы Луи Лево и Ардуэн-Мансар, мастер
садово-паркового искусства Андре Ленотр (1613-1700) и художник Лебрен,
участвовавший в создании интерьеров дворца.

Первоначальный замысел ансамбля Версаля, состоявшего из города, дворца
и парка, принадлежит Лево и Ленотру. Оба мастера начали работать над
сооружением Версаля с 1668 г. В процессе осуществления ансамбля их
замысел подвергся многочисленным изменеием. Окончательное завершение
ансамбля Версаля принадлежит Ардуэну-Мансару.

Версаль в качестве главной резиденции короля должен был возвеличивать
и прославлять безграничную мощь французского абсолютизма. Однако этим не
исчерпывается содержание идейного и художественного замысла ансамбля
Версаля, а также его выдающееся значение в истории мировой архитектуры.
Скованные официальной регламентацией, вынужденные подчиниться
деспотическим требованиям короля и его приближенных, строители Версаля -
огромная армия архитекторов, художников, мастеров прикладного и
садово-паркового искусства - сумели воплотить в нем громадные творческие
силы французского народа.

Особенности построения ансамбля как строго упорядоченной
централизованной системы, основанной на абсолютном композиционном
господстве дворца над всем окружающим, обусловлены его общим идейным
замыслом.

К Версальскому дворцу, расположенному на высокой террасе,
сходятся три широких прямых лучевых проспекта города, образующих
трезубец. Средний проспект трезубца ведет в Париж, два других - в
королевские дворцы Сен-Клу и Со, как бы связывая главную загородную
резиденцую короля с различными областями страны.

Помещения дворца отличались роскошью и разнообразием отделки. В них
широко использованы мотивы барокко (круглые и овальные медальоны,
сложные картуши, орнаментальные заполнения над дверями и в простенках) и
дорогие отделочные материалы (зеркала, чеканная бронза, ценные породы
дерева), широкое применение декоративной живописи и скульптуры - все это
рассчитано на впечатление ошеломляющей парадности.

Дух официальной торжественности царил в версальских покоях. Помещения
были роскошно обставлены. В Зеркальной галерее в сияющих серебряных
люстрах зажигались тысячи свечей и шумная красочная толпа проидворных
наполняла дворцовые анфилады, отражаясь в высоких зеркалах.

Парковая скульптура Версаля активно участвует в формировании ансамбля.
Скульптурные группы, статуи, гермы и вазы с рельефами, многие из которых
были созданы выдающимися скульптурами своего времени, замыкают
перспективы зеленых улиц, обрамляют площади и аллеи, образуют сложные и
красивые сочетания с разнообразными фонтанами и бассейнми.

Как дворец, так особенно парк Версаля с его широкими променадами,
обилием воды, легкой обозримостью и пространственным размахом служили
своего рода великолепной "сценической площадкой" для самых
разнообразных, необычайно красочных и пышных зрелищ - фейерверков,
иллюминаций, балов, балетных дивертисментов, спектаклей, маскарадных
шествий, а каналы - для прогулок и празднеств увеселительного флота.
Когда Версаль строился и еще не стал официальным центром государства,
его "развлекательная" функция преобладала. Весной 1664 г. молодой монарх
в честь своей фаворитки Луизы де Лавальер учредил серию празднеств под
романтическим названием "Наслаждения очарованного острова". Вначале в
этих своеобразных восьмидневных фестивалях, в которых участвовали почти
все виды искусств, было еще много непосредственности и импровизации. С
годами празднества приняли все более грандиозный характер, достигнув
своего апогея в 1670-е годы, когда в Версале царила новая фаворитка -
расточительная и блистательная маркиза де Монтеспан. В рассказах
очевидцев, во множестве гравюр слава о Версале и его праздниках
расходилась по другим европейским странам.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Искусство Франции XVII века. Москва, 1969 г.

Советский энциклопедический словарь. Москва, 1988 г.