История искусства: азиатское искусство

История

Современное искусство здесь появилось в конце 70-х вместе с новым курсом реформ Дэн Сяопина. Особой приметой нового искусства стала критика правительства и радикальные высказывания, помогающие изжить травмы прошлого. С тех пор выросло не одно поколение художников, которые успешно совмещают китайский традиционализм с западными художественными приемами. Чжан Хуань, например, наносит на свое тело иероглифы, Юэ Миньцзюнь рисует страшные картины с многократно повторяющимся оскаленным автопортретом. Безусловно, источником рефлексии для китайского искусства в 90-е годы по большей части являлась «культурная революция», теперь темы куда шире - от экологии до рождаемости. Причем многое из того, что можно было делать в 90-е, сегодня нельзя.

Самый известный художник

Ай Вэйвэй. В юности учился за границей и вернулся в Китай в 1993 году, где был обласкан властью, которая стремилась продвигать современное искусство как коммерчески успешное. Официально превратился в диссидента, после того как заинтересовался подробностями Сычуаньского землетрясения в 2008 году и стал интерпретировать эту тему в своих работах. В 2011 году его арестовали, но потом освободили, и сейчас ему нельзя выезжать из Китая. Что, впрочем, не мешает художнику делать иностранные выставки.

Специфика

В Китае запрещены Twitter, Facebook и YouTube, а на ТВ не показывают фильмы, искажающие официальную версию истории, но тем не менее в стране нет художественной цензуры. Местный Минкульт никогда не стал бы критиковать работы только потому, что они не нравятся министру. Зато есть официальная цензура и четкие правила: нельзя оскорблять лидеров зарубежных стран и членов компартии или говорить о Сычуаньском землетрясении.

Южная Корея

История

Первая выставка современного искусства прошла в Сеуле во дворце Кёнбок в 1969 году, в том же году был основан Национальный музей современного искусства. Восприняв западные ценности, Корея едва ли не в первую очередь стала развивать собственное искусство. Важная черта корейского искусства - художники, живущие за границей или по крайней мере получившие зарубежное образование. Художница Никки С.Ли, которая в 1994 году уехала в Америку учиться фэшн-фотографии, прославилась серией снимков, в которых она примеряет на себя различные ролевые модели распространенных американских субкультур - от панков и скейтеров до преппи и яппи. Ли Ен Бэк, работы которого представляли Корею на Венецианской биеннале 2011 года, использует яркие цвета и знакомые повседневные образы, чтобы говорить о войне, саморазрушении и подсознательных страхах.

Самый известный художник

Нам Джун Пайк - он одним из первых начал использовать в работе аналоговое телевидение как средство художественного выражения. Несмотря на то что Пайк начал свою карьеру с музыкальных экспериментов в духе Джона Кейджа и вообще кажется крайне далеким от местной политической повестки дня, его можно назвать первым международным корейским художником.

Специфика

Корейское искусство очень высокотехнологично, что неудивительно, учитывая, сколько электронных приборов, автомобилей и телефонов производят в Корее. Одновременно в этом искусстве нет какой-то магистральной линии, специально узнаваемых образов, вроде Мао в Китае. Как и корейская популярная музыка, современное искусство здесь очень разнообразно, оно максимально космополитично и использует национальные мотивы так же непринужденно, как современные европейские художники - элементы готического стиля.

Сингапур

История

Экономика небольшого островного государства с 60-х годов строилась на привлечении международных инвестиций и поддержании торговли. Современное искусство стало выгодным рыночным товаром в 90-е годы, и вот уже в 1996 году здесь открывается музей современного искусства. Сингапур - это своеобразная Швейцария Юго-Восточной Азии. Здесь нет какой-то примечательной художественной сцены, зато есть филиалы крупнейших мировых аукционных домов, в которых постоянно проводятся торги на большие суммы денег. Местные художники избегают политических высказываний - это видно по работам Мин Вана, который представлял Сингапур на Венецианской биеннале в 2009 году. Он переснял шедевры кинематографа вроде «Имитации жизни» или «Любовного настроения», заменяя не только актеров, но и подспудные смыслы фильмов: так, фильм Дугласа Сирка в его интерпретации становится не картиной об отношениях между людьми разных национальностей, а размышлением о сути пола как такового. Пусть отнюдь не самый свежий прием, но жюри его поощрило.

Самый известный художник

Мэттью Нгуй - первый сингапурский художник-перформансист, приглашенный на выставку «Документа» в Касселе (в 1997 году). Он до сих пор один из самых главных художников в Сингапуре, а в 2011 году стал первым местным куратором Сингапурской биеннале. Показательно, что он долгое время прожил в Австралии, ставшей его вторым домом.

Специфика

Цензура в Сингапуре не легче, чем в Китае. Здесь нельзя критиковать в произведениях искусства деятельность правительства, а также стран, с которыми дружит Сингапур, нельзя оскорблять по религиозному и национальному признаку, да, в общем, здесь нельзя почти все, что может не понравиться чиновникам.

Япония

История

В 1989 году в Хиросиме был создан первый музей современного искусства. Японцы после войны с удовольствием воспринимали западные ценности, в число которых попало и современное искусство. Однако собственные традиции здесь до сих пор остаются сильнее модных заимствований, поэтому и современное искусство вышло немного не таким, как у всех. Классический японский эстетический принцип «моно-но аварэ» («печальное очарование вещей») до сих пор движет многими японскими художниками, поэтому они создают работы, которые обязательно требуют созерцания.

Самый известный художник

Такаси Мураками тоже по-своему развивает традиционное японское искусство, а именно комиксы манга. По сути он японский Джефф Кунс, но его гигантские скульптуры мультперсонажей - это не просто увлечение монументальной формой, а социальное высказывание. Мураками, поднимая на пьедестал героев низовой культуры, таким образом иллюстрирует свой художественный манифест 2000 года, в котором он критиковал японское общество как двухмерное, «мультяшное» пространство, где сглаживается все между высоким и низким. Его работа «Мой одинокий ковбой» (изображающая эякулирующего персонажа аниме) была продана в 2008 году на аукционе Sotheby’s за рекордные $13,5 млн.

Специфика

Самый серьезный запрет в японском искусстве касается порнографии. Показательным является недавний случай, когда японская художница Мэгуми Игараси работала над проектами каяка и других объектов в форме собственной вагины. Тем, кто пожертвовал деньги на этот проект, она высылала цифровую 3D-модель своих половых органов - и впоследствии была задержана полицией за распространение порнографии.

Малайзия

История

Современное искусство в Малайзии развивалось, с тех пор как страна обрела независимость в 1957 году. Однако долгое время местные художники никак не могли отойти от абстракции, которая как нельзя лучше соответствовала прогрессивному исламскому обществу. В 1998 году вместе с экономическим кризисом малайзийские художники открыли для себя возможности перформанса, социальной и политической критики в произведениях. Разумеется, помимо этого художники разбираются со своим прошлым и обращаются к повседневности в фотографии и инсталляциях. Например, Лю Кун Ю путешествует по стране и снимает на пленку разнообразные памятники в городах, деревнях и на природе. Или просто делает композиции из фотографий различных домов по цветам и типу. А Вон Хой Чеон рассказывает историю оккупации Малайзии Японией во время Второй мировой войны в своем фильме «Doghole».

Самый известный художник

Ахмад Заки Анвар отдает предпочтение фотореализму, в который добавляет мистики и восточных аллегорий. Любит писать портреты обнаженных молодых людей и девушек в национальной одежде. А вообще он - уважаемый человек и сын известного политика.

Специфика

Цензура и здесь свирепствует вовсю - подчас самые невинные выставки вроде «Proposal for My Country» («Предложение моей стране»), в которой Лю Кун Ю составил коллаж из открыточных видов Малайзии, оказывались причиной крупных разбирательств и отставок. Здесь как минимум нельзя смеяться над государственными деятелями - в 2009 году работу художника Фахми Реза, изображающую премьер-министра Наджиба Разака с залепленным скотчем ртом, удалили из галереи по требованию оскорбленного гражданина, но художника все-таки не посадили.

Индонезия

История

В Индонезии богатая история художественного сопротивления политике. При режиме Сухарто с 70-х по 90-е сменилось несколько арт-групп и художников, которые противопоставляли себя правительству. В Индонезии невероятно богатый культурный ландшафт и развита художественная критика. Здесь, например, не очень рады всплеску интереса к современному искусству на торгах, потому что это отвлекает от творчества. Но этот процесс не остановить, и чем больше индонезийских художников участвует в биеннале и триеннале по всему миру, тем больше денег вкладывают коллекционеры. Соотношение традиционного и современного в индонезийском искусстве сложно оценить, но все же местные художники отдают предпочтение традиционным техникам.

Самый известный художник

Ниоман Масриади пишет картины в гротескно экспрессивном стиле, передавая свои впечатления от наблюдений за жизнью соотечественников. Он является одним из самых коммерчески успешных художников в Азии, в 2008 году его триптих «Man from Bantul (The Final Round)» был продан на торгах Sotheby’s за $1,1 млн, установив рекорд для произведения азиатского современного художника. К сожалению, в России в основном известны малайзийские художники, использующие нестандартные способы нанесения краски на холст (например, при помощи футбольного мяча) или заменяющие эту краску едой, косметикой или пролитым кофе, но сами работы при этом не далеко ушли от уличного искусства в районе Арбата.

Специфика

Тайвань

История

Многие местные художники находятся в тени своих более громких и многочисленных коллег из Китая, которые уже успели занять нишу в мировом культурном процессе. Тайваньское искусство так же разнообразно, как и китайское, но не имеет таких четких художественных ориентиров и столпов. Более взрослые художники вроде Чен Та Ю и Чень Чи Чана посвящают свои работы мировой интеграции Тайваня, будь то языковые сложности или договорные браки между вьетнамскими женщинами и уроженцами Тайваня, развивая мировую тенденцию на современное искусство как продвинутую гражданскую журналистику. Другой ракурс деятельности местных художников - чистейшей воды фикшн: например, тот же Чен Та Ю фантазирует о том, как в результате хитрого заговора правительства остров взорвут на маленькие части, а саму катастрофу покажут в прямом эфире. Хотя и это тоже не чистой воды выдумка, а едкий комментарий к роли медиа в новом мировом порядке.

Самый известный художник

Несомненной звезды нет, но есть ветеран тайваньского искусства Ву Хао, который прославился как мастер печатной орнаментальной графики, в которой он удачно соединил достижения западной технологии и восточную любовь к деталям и нюансам. Его искусство можно назвать фольклорным, но оторваться от него невозможно, ведь именно таким представляет себе человек с Запада идеальное азиатское искусство.

Специфика

В Тайбэе проводится одна из самых влиятельных биеннале в Азии, а искусство тайваньских художников скупают коллекционеры из Китая и других близлежащих стран. Главной проблемой местных художников остается поиск собственных отличительных черт, которые позволят им выделиться на фоне китайских, малайзийских и индонезийских соседей.

В марте 2006 года первые нью-йоркские торги Sotheby’s, посвященные работам актуальных художников азиатского региона, легализовали японский, южнокорейский и китайский арт-рынок. Выручка аукциона составила $13 млн.

С этого момента, что называется, понеслось: ценники на работы отдельных художников взлетели за пару лет с $50 000 до $1 млн и выше. Если в 2003 году семейный портрет кисти Чжан Сяогана из серии «Родословная» продавался за $76 000, то к 2006 году он стоил $2,3 млн, а в 2008-м - $6,1 млн.

Япония

После окончания Второй мировой войны в Японии возникли такие радикальные художественные явления, как объединение «Моно-ха» и группа «Гутай». Начиная с 1980-х годов стали рушиться привычные границы между изобразительным искусством и музыкой, анимацией, фотографией, технологией. Благодаря таким гигантам, как Мураками, в Японии появилось поколение художников, совмещающих кавайную (трогательную) форму с серьезным содержанием.

Такаси Мураками умело балансирует на грани искусства и коммерции. Он одинаково успешен как в создании масштабных картин и скульптур, вдохновленных культурой манги и аниме, так и в коллаборациях с крупными международными брендами. В 2008 году его скандально известная скульптура «Мой одинокий ковбой» была продана на Sotheby’s за $15,2 млн.

Ёситомо Нара , как и Мураками, работает на пересечении массового и традиционного, высоколобого и доступного. Только в отличие от героев Мураками, дети и мультяшные собаки в творчестве Нары остаются такими же угрюмыми и враждебными, как и 20 лет назад, что не мешает произведениям художника продаваться за десятки и сотни тысяч, иной раз даже миллионы долларов. Сам художник оправдывается тем, что ножи и прочее оружие в руках его персонажей - лишь средство защиты от враждебного мира.

Карьера художницы Яёй Кусамы охватывает семь десятилетий. Благодаря фирменному гороху, которым она украшает свои произведения, ее много лет назад прозвали Дотти. Галлюцинации, преследовавшие художницу с раннего детства, стали опытом, которым она делится со зрителем, размывая границы искусства и реальности. Помимо собственно творчества Кусама славится своим эпатажным образом, главной деталью которого является ярко-багровый парик. В 2014 году ее работа «Белый No28» была продана на нью-йоркских торгах Christie’s за $7,1 млн.

Хироси Сугимото - фотохудожник-минималист, в объектив которого чаще всего попадают заброшенные американские кинотеатры и морские пейзажи, напоминающие черно-белые версии картин Марка Ротко. Одна из самых интересных серий Сугимото - цикл портретных снимков восковых фигур знаменитостей.

В основе высокотехнологичных скульптур и инсталляций Тацуо Миядзимы лежат базовые принципы буддистской философии. Исследуя тему бесконечности, художник выстраивает завораживающие композиции из светодиодных лампочек, которые зачастую принимают форму натуральных чисел от 1 до 9. В мае этого года одна из его работ ушла с молотка в ходе дневных торгов Christie’s за $37 500.

Ясумаса Моримура - это тот редкий случай, когда для российского ценителя современного искусства отечественная аналогия будет понятнее, чем американская. Не зря в каждой второй публикации о проекте художника «История автопортрета», проходившего этой зимой в ГМИИ им. А. С. Пушкина, Моримуру сравнивали не с Синди Шерман, а с Владом Мамышевым-Монро. Пере- воплощениями художник занимается давно, начиная с 1980-х годов, с легкостью вживаясь в образы как высокой, так и популярной культуры.

Китай

После смерти Мао и вслед за окончанием «культурной революции» появилось поколение китайских художников, призывавших бороться с социальной несправедливостью и просвещать массы. Однако уже в 1989 году, после расстрела акции протеста на площади Тяньаньмэнь, гуманистический пафос заметно угас, а ему на смену пришли циничный реализм и политический поп-арт.

Главной фигурой современного китайского искусства стал Ай Вэйвэй , которого, впрочем, уже сложно назвать сугубо китайским автором. Проявив себя ярым критиком власти, в начале 1980-х годов он переехал в Нью-Йорк. Вернувшись в Пекин спустя 12 лет, Вэйвэй с успехом применял американский опыт, «прививая» его к китайским реалиям. Плоды подобной селекции на мировых торгах оцениваются в среднем в $700 000.

Слава Цзэна Фаньчжи , возможно, не такая громкая, как у Вэйвэя, но именно его «Тайная вечеря» в 2008 году ушла с молотка в рамках гонконгских торгов Sotheby’s за рекордную по тем временам для произведений современного азиатского художника сумму в $23,3 млн. Демонстрируя явное влияние немецкого экспрессионизма на свое творчество, Фаньчжи уже не первый год остается одним из самых коммерчески успешных представителей своего поколения.

Если на выставке современного китайского искусства вы видите изображение лысых людей, с очень высокой долей вероятности можно утверждать, что это работа Фан Лицзюня , одного из самых ярких представителей так называемого циничного реализма. Это направление зародилось в Пекине в конце 1980-х годов как реакция на разгон выставки авангардного искусства в пекинской Национальной галерее. Образ лысых и зачастую агрессивно настроенных людей на картинах Лицзюня - это критика политики обезличивания народных масс. Средняя стоимость работ на торгах - $250 000.

Еще один представитель циничного реализма - Юэ Миньцзюнь , «визитной карточкой» которого вместо лысых людей стали люди улыбающиеся при любых обстоятельствах. Этот образ является отсылкой к фигуре улыбающегося Будды, а также к богатой традиции пропагандистского плаката. Средняя цена работ - $90 000.

Одна из главных знаменитостей современного китайского искусства - Цай Гоцян , чья посвященная юбилею русской революции выставка «Октябрь» этой осенью прошла в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Несмотря на то что Гоцян неоднократно проявлял себя в графике, инсталляции и перформансах, в первую очередь он известен своей работой с порохом. Сам художник не устает рассказывать в интервью о том, что непредсказуемость и чувство опасности - это два столпа, на которых держится новаторское искусство. Взрывоопасные работы небольшого размера продаются на аукционах от $100 000 до $300 000, а масштабные легко преодолевают планку в несколько миллионов.

Южная Корея

Многие критики (в первую очередь, разумеется, корейские) говорят о корейском искусстве как о «новом китайском», противопоставляя тем самым демократичную пока еще стоимость первого раздутым ценникам на второе. Так это или нет, покажет время, но в том, что сегодня существует множество ярких южнокорейских художников, сомневаться не приходится. Яркость, кстати, одна из главных отличительных черт современного искусства Кореи наряду с не сильно перегруженным концептуальными построениями содержанием. Что касается цен, то они, действительно, крайне привлекательны. Рядовые работы художников, имена которых сегодня уже на слуху, продаются в ценовом диапазоне от $5000 до $30 000.

Хам Джин привлек внимание публики уже своей первой персональной выставкой, прошедшей в 1999 году. Его миниатюрные (чаще не больше наперстка) скульптуры выполнены с таким вниманием к деталям, что их хочется рассматривать бесконечно. Созданы они преимущественно из полимерной глины с включением найденных объектов типа мертвых насекомых, которые делают работы художника одновременно отталкивающими и притягательными.

Одним из самых громких имен в современном корейском искусстве является До Хо Су , попеременно живущий то в Сеуле, то в Лос-Анджелесе. В этой связи одной из центральных тем его зачастую автобиографических работ стала тема культурной идентичности. Его воздушные дома из яркой прозрачной ткани входят в собрания Музея американского искусства Уитни, Музея Гуггенхайма и MoMA.

Джи Янг Ли в своих фотоработах намеренно отказывается от любой цифровой обработки. Каждая композиция, включающая в себя множество объектов, тщательно выстраивается в течение нескольких недель в крошечном пространстве камерной студии. Результатом этого кропотливого труда становятся предельно яркие работы сюрреалистического содержания, отражающие внутренний мир художницы.

Сеульский художник Ли Донги появился на корейской арт-сцене в 1993 году и с тех пор неразрывно ассоциируется в сознании публики с созданным им персонажем по имени Атомаус, составное имя которого одновременно отсылает к японскому мальчику-андроиду Атому и к диснеевскому Микки-Маусу. Сегодня Донги общепризнанно считается одним из пионеров корейского поп-арта.

История азиатского искусства или восточного искусства включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. События в азиатском искусстве исторически параллельны событиям в западном искусстве, в целом несколько веков назад. Китайское искусство, индийское искусство, корейское искусство, японское искусство, каждое из которых оказало значительное влияние на западное искусство, и наоборот. Ближневосточное искусство также оказало значительное влияние на западное искусство. Исключая доисторическое искусство, искусство Месопотамии представляет собой старейшие формы азиатского искусства.

Буддийское искусство
Буддийское искусство возникло на индийском субконтиненте в течение столетий после жизни исторического Будды Гаутамы в VI-V вв. До н. Э., Прежде чем развиваться через его контакт с другими культурами и его распространение через остальную часть Азии и всего мира. Буддийское искусство путешествовало с верующими как распространение дхармы, адаптировалось и развивалось в каждой новой принимающей стране. Он развивался на севере через Среднюю Азию и в Восточную Азию, чтобы сформировать северную ветвь буддийского искусства, а на востоке до Юго-Восточной Азии сформировать южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже влияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии около 10 века н.э., отчасти благодаря энергичному расширению ислама наряду с индуизмом.

Обычным визуальным устройством в буддийском искусстве является мандала. С точки зрения зрителя, это схематично представляет собой идеальную вселенную. В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для фокусирования внимания аспирантов и адептов, духовного инструмента обучения, на установление священного пространства и на помощь медитации и индукции транса. Его символический характер может помочь «получить доступ к более глубоким уровням бессознательного, в конечном счете помочь медитатору испытать мистическое чувство единства с конечным единством, из которого возникает космос во всех его многообразных формах». Психоаналитик Карл Юнг считал мандалу «представлением центра бессознательного», и считал, что его картины мандал позволяют ему идентифицировать эмоциональные расстройства и работать в направлении целостности личности.

Бутанское искусство
Бутанское искусство похоже на искусство Тибета. Оба основаны на буддизме Ваджраяны, с его пантеоном божественных существ.

Основными порядками буддизма в Бутане являются Друкпа Кагью и Ньингма. Первая является филиалом школы Кагью и известна картинами, документирующими родословную буддийских мастеров и 70 Je Khenpo (лидеры бутанского монашеского зала). Приказ Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы, которому приписывается введение буддизма в Бутан в VII веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпы, чтобы найти. Поиски сокровищ (tertön) также являются частыми предметами искусства Ньингма.

Камбоджийское искусство
Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имели богатую и разнообразную историю, датируемую многими столетиями, и на нее оказала сильное влияние Индия. В свою очередь, Камбоджа оказала большое влияние на Таиланд, Лаос и наоборот. На протяжении всей истории Камбоджи основным источником вдохновения была религия. На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы разработали уникальную кхмерскую веру из синкретизма коренных анимистических убеждений и индийских религий буддизма и индуизма. Индийская культура и цивилизация, включая ее язык и искусство, достигли континентальной Юго-Восточной Азии в 1 веке н.э. Как правило, считается, что торговцы мореплаванием принесли индийские обычаи и культуру в порты вдоль залива Таиланд и Тихий океан, торгуя с Китаем. Первым государством было выгодно воспользоваться Фунаном. В разное время культура Камбоджи также поглощала элементы яванской, китайской, лаосской и тайской культур.

Китайское искусство
Китайское искусство (китайский язык: 中國藝術 / 中国艺术) варьировалось по всей своей древней истории, разделенной на периоды правящими династиями Китая и меняющимися технологиями. На различные формы искусства влияли великие философы, учителя, религиозные деятели и даже политические лидеры. Китайское искусство включает в себя изобразительное искусство, народное искусство и исполнительское искусство. Китайское искусство – это искусство, будь то современное или древнее, возникшее или практикуемое в Китае или китайскими художниками или исполнителями.
В династии Сун поэзия была отмечена лирической поэзией, известной как Си (詞), которая выражала чувство желания, часто в усыновленном лице. Также в династии Сун появились картины более тонкого выражения пейзажей с размытыми очертаниями и контурами гор, которые передавали расстояние через импрессионистское отношение к явлениям природы. Именно в этот период в живописи акцент делался на духовные, а не эмоциональные элементы, как и в предыдущий период. Кунк, старейшая сохранившаяся форма китайской оперы, созданная во время династии Сун в Куньшане, недалеко от современного Шанхая. В династии Юань картина китайского живописца Чжао Менгху (趙孟頫) сильно повлияла на последующую китайскую пейзажную живопись, а опера династии Юань стала вариантом китайской оперы, которая продолжается сегодня как кантонская опера.

Индийское искусство
Индийское искусство можно классифицировать в определенные периоды, каждый из которых отражает определенные религиозные, политические и культурные события. Самые ранние примеры – это петроглифы, например, найденные в Бхимбетке, некоторые из которых датируются до 5500 года до нашей эры. Производство таких произведений продолжалось несколько тысячелетий. Более поздние примеры включают резные столбы Эллоры, штат Махараштра. Другими примерами являются фрески пещер Аджанты и Эллоры.

Конкретные периоды:

Индуизм и буддизм древнего периода (3500 г. до н.э. – настоящее время)
Исламское господство (712-1757 гг. Н.э.)
Колониальный период (1757-1947)
Независимость и постколониальный период (после 1947 г.)
Современное и постмодернистское искусство в Индии
Одна из самых популярных форм искусства в Индии называется Ранголи. Это форма украшения для песочных работ, в которой используется мелко измельченный белый порошок и цвета, и обычно используется вне дома в Индии.

Изобразительное искусство (скульптура, живопись и архитектура) тесно взаимосвязаны с визуальными искусствами. По словам Капилы Вацяяна, «классическая индийская архитектура, скульптура, живопись, литература (kaavya), музыка и танцы развивали свои собственные правила, обусловленные их соответствующими средствами массовой информации, но они делили друг с другом не только лежащие в основе духовные убеждения индийского религиозно-философского а также процедуры, с помощью которых отношения символа и духовных состояний были разработаны в деталях ».

Понимание уникальных качеств индийского искусства лучше всего достигается за счет понимания философской мысли, широкой культурной истории, социального, религиозного и политического фона произведений искусства.

Индонезийское искусство
Индонезийское искусство и культура были сформированы длительным взаимодействием между оригинальными традициями коренных народов и многочисленными иностранными влияниями. Индонезия занимает центральное место на древних торговых путях между Дальним Востоком и Ближним Востоком, в результате чего многие культурные практики сильно зависят от множества религий, включая индуизм, буддизм, конфуцианство и ислам, все сильные в крупных торговых городах. Результатом является сложная культурная смесь, очень отличная от оригинальных культур коренных народов. Индонезия, как правило, не известна картинами, помимо замысловатых и выразительных балийских картин, которые часто выражают естественные сцены и темы из традиционных танцев.

Балийское искусство
Балийское искусство – это искусство индусско-яванского происхождения, которое выросло из творчества ремесленников Королевства Маджапахит с их расширением на Бали в конце 13 века. С 16 по 20 век деревня Камасан, Клонгкунг (Восточный Бали), была центром классического балийского искусства. В первой половине XX века появились новые разновидности балийского искусства. С конца двадцатого века Убуд и его соседние деревни создали репутацию центра балийского искусства. Убуд и Батуан известны своими картинами, Мас для их резьбы по дереву, Селук для золота и серебра, и Батубулан за их резьбу по камню. Коваррубиас описывает балийское искусство как «высокоразвитое, хотя и неформальное барочное народное искусство, которое сочетает в себе крестьянскую живость с изысканностью классицизма индуистской Явы, но без консервативных предрассудков и новой жизненной силы, вызванной изобилием демонический дух тропического примитива ». Эйсман правильно указал, что балийское искусство на самом деле вырезано, нарисовано, сплетено и приготовлено в предметы, предназначенные для повседневного использования, а не как предметы искусства.

Японское искусство
искусство и архитектура апании – это произведения искусства, созданные в Японии с начала человеческого обитания, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до настоящего времени. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, краску на шелке и бумаге и множество других произведений искусства; с древних времен до современного 21 века.

Художественная форма приобрела большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине XVII века, возникшей благодаря одноцветным произведениям Хишикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовались только индийские чернила, затем некоторые отпечатки были вручную окрашены кистью, но в 18 веке Suzuki Harunobu разработала технику полихромной печати для производства nishiki-e.

Японская живопись (絵画 Kaiga) – одна из старейших и самых утонченных японских искусств, охватывающая широкий спектр жанров и стилей. Как и в истории японского искусства в целом, история японской живописи – это долгая история синтеза и конкуренции между местной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей.

Истоки живописи в Японии относятся к доисторическому периоду Японии. Простые фигуры и геометрические рисунки можно найти на керамической плите Jōmon и период Yayoi (300 г. до н.э. – 300 н.э.) бронзовые колокола dōtaku. Настенные росписи с геометрическими и образными рисунками были найдены в многочисленных курганах периода Кофун (300-700 гг. Н.э.).

Древняя японская скульптура была в основном получена от культа идолов в буддизме или анимистических обрядов синтоистского божества. В частности, скульптура среди всех искусств стала наиболее прочно сосредоточена вокруг буддизма. Материалами, традиционно используемыми, были металлы – особенно бронзовые – и чаще – древесина, часто лакированная, позолоченная или ярко окрашенная. К концу периода Токугавы такая традиционная скульптура, за исключением миниатюрных работ, в значительной степени исчезла из-за потери покровительства буддийскими храмами и дворянством.

Укие, что означает «плавающий мир», относится к стремительной молодой культуре, которая расцветала в городских центрах Эдо (современный Токио), Осака и Киото, которые были миром для самих себя. Это иронический намек на омофоновый термин «Скорбный мир» (憂き世), земной план смерти и возрождения, из которого буддисты искали освобождения.

Корейское искусство
Корейское искусство отличается своими традициями в гончарстве, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, часто обозначаемых использованием смелого цвета, естественных форм, точной формы и масштаба, а также украшения поверхности.

Хотя существуют четкие и разграничивающие различия между тремя независимыми культурами, существуют значительные исторические сходства и взаимодействия между искусством Кореи, Китая и Японии.

Современное искусство в Корее: первый пример картины маслом в западном стиле в корейском искусстве был в автопортретах корейского художника Ко Ху Ху-дона (1886-1965). Только три из этих работ по-прежнему остаются сегодня. эти автопортреты придают понимание среды, которая выходит далеко за рамки стилистических и культурных различий. к началу двадцатого века решение о краске с использованием нефти и холста в Корее имело две разные интерпретации. Один из них – чувство просветления из-за западных идей и стилей искусства. Это просветление произошло от интеллектуального движения семнадцатого и восемнадцатого веков. Ко рисовал этот метод в период аннексии Японии в Корее. За это время многие утверждали, что его искусство могло быть политическим, однако он сам заявил, что он художник, а не политик. Ко сказал: «Пока я был в Токио, произошло очень любопытное событие. В то время в Токио было менее ста корейских студентов. Все мы пили новый воздух и приступали к новым исследованиям, но были некоторые, которые насмехались над моим выбор для изучения искусства. Близкий друг сказал, что мне нечему заниматься живописью в такое время, как это ».

Корейская керамика была признана еще в 6000 году до нашей эры. Эта керамика также упоминалась как гребнеобразная керамика из-за декоративных линий, вырезанных снаружи. ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства. Так, они использовали керамику для хранения рыбы и других вещей, собранных из океана, таких как моллюски. Керамика имела два основных региональных различия. Те из восточного побережья, как правило, имеют плоскую основу, в то время как керамика на южном побережье имела круглую базу.

Лаосское искусство
Лаосское искусство включает керамику, лаосскую буддийскую скульптуру и лаосскую музыку.

Лаосские буддийские скульптуры были созданы в большом разнообразии материалов, включая золото, серебро и чаще всего бронзу. Кирпич-и-миномет также был средой, используемой для колоссальных образов, известным из них является образ Пья-Вата (XVI век) во Вьентьяне, хотя ремонт полностью изменил внешний вид скульптуры и больше не похож на Лаосского Будды, Древесина популярна для маленьких, обворожительных буддийских образов, которые часто оставляют в пещерах. Древесина также очень распространена для больших, постоянного образа жизни Будды. Наиболее известными двумя скульптурами, вырезанными из полудрагоценных камней, являются Phra Keo (Изумрудный Будда) и Phra Phuttha Butsavarat. Phra Keo, который, вероятно, имеет происхождение Xieng Sen (Chiang Saen), вырезано из твердого блока нефрита. Он отдыхал во Вьентьяне в течение двухсот лет, прежде чем сиамцы унесли его в качестве добычи в конце 18 века. Сегодня он служит палладием Королевства Таиланд и находится в Большом дворце в Бангкоке. Phra Phuttha Butsavarat, как и Phra Keo, также закреплена в собственной часовне в Большом дворце в Бангкоке. До того, как сиамцы захватили его в начале 19 века, этот кристальный образ был палладием лаосского королевства Champassack.

Многие красивые лаосские буддийские скульптуры вырезаны прямо в пещеры Пак Оу. Рядом с Пак Оу (устье реки Оу) Тэм Тин (нижняя пещера) и Тхам Теунг (верхняя пещера) находятся недалеко от Луангпрабанга, Лаос. Они – великолепная группа пещер, которые доступны только на лодке, примерно в двух часах езды от центра Луангпрабанга, и в последнее время стали более известными и посещаемыми туристами. Пещеры отмечены своими впечатляющими скульптурами из буддизма и лаосского стиля в стены пещеры и сотни отброшенных буддийских фигур, выложенных над полами и настенными полками. Они были помещены туда, так как их владельцы не хотели их уничтожать, поэтому в пещеры отправляется трудное путешествие, чтобы разместить там свою нежелательную статую.

Непальское искусство
Древняя и утонченная традиционная культура Катманду, если на то пошло во всем Непале, является непрерывной и исключительной встречей индуистского и буддийского этоса, которую практикуют ее высоко религиозные люди. Он также принял во внимание культурное разнообразие, предоставляемое другими религиями, такими как джайнизм, ислам и христианство.

Тайское искусство
Тайское искусство и изобразительное искусство традиционно были в основном буддийским и королевским искусством. Скульптура была почти исключительно изображений Будды, а живопись была ограничена иллюстрацией книг и украшений зданий, прежде всего дворцов и храмов. Изображения тайского Будды из разных периодов имеют ряд отличительных стилей. Современное тайское искусство часто сочетает в себе традиционные тайские элементы с современными технологиями.

Традиционные тайские картины показали предметы в двух измерениях без перспективы. Размер каждого элемента изображения отражает его значимость. Основной способ составления состоит в распределении областей: основные элементы изолированы друг от друга космическими трансформаторами. Это устранило промежуточное основание, которое в противном случае подразумевало бы перспективу. Перспектива была введена только в результате влияния Запада в середине XIX века.

Наиболее частыми сюжетами для картин были или были: истории Джатаки, эпизоды из жизни Будды, буддийские небеса и ады и сцены повседневной жизни.

Сукхотайский период начался в 14 веке в Сукхотайском королевстве. Образы Будды периода Сукхотай элегантны, извилистые тела и стройные овальные лица. Этот стиль подчеркивал духовный аспект Будды, опуская множество мелких анатомических деталей. Эффект был усилен обычной практикой литья изображений в металле, а не их резьбой. В этот период началось представление «ходячего Будды».

Художники Сукхотаи пытались следовать каноническим определяющим признакам Будды, поскольку они изложены в древних текстах Пали:

Кожа настолько гладкая, что пыль не может прилипать к ней;
Ноги, как олень;
Бедра как баньяновое дерево;
Плечи столь же массивны, как голова слона;
Руки вокруг, как сундук слона, и достаточно долго, чтобы коснуться коленей;
Руки, как лотосы, которые будут цвести;
Пальцы вернулись, как лепестки;
голова как яйцо;
Волосы, похожие на скорпионы;
Чин как камень манго;
Нос, как клюв попугая;
Earlobes удлиняются серьгами королевской власти;
Ресницы как корова;
Брови, как нарисованные луки.
Сукхотай также произвел большое количество глазурованной керамики в стиле Саванхалок, которые продавались по всей Юго-Восточной Азии.

Тибетское искусство
Тибетское искусство относится к искусству Тибета и других нынешних и бывших гималайских королевств (Бутан, Ладакх, Непал и Сикким). Тибетское искусство – это прежде всего форма священного искусства, отражающая чрезмерное влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала (Tib: kilkhor) – это тибетская буддийская традиция, которая символизирует преходящий характер вещей. Как часть буддийского канона, все материальные вещи воспринимаются как преходящие. Песчаная мандала является примером этого, поскольку после того, как он был построен, а его сопровождающие церемонии и просмотр закончены, он систематически разрушается.

Поскольку буддизм Махаяны стал отдельной школой в IV веке до нашей эры, он подчеркнул роль бодхисаттв, сострадательных существ, которые отказываются от своего личного побега в Нирвану, чтобы помочь другим. С самого начала различные бодхисаттвы были также субъектами скульптурного искусства. Тибетский буддизм, будучи потомком буддизма Махаяны, унаследовал эту традицию. Но дополнительное доминирующее присутствие Ваджраяны (или буддийской тантры), возможно, имело первостепенное значение в художественной культуре. Общей бодхисаттвой, изображенной в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), которое часто изображается как тысячный вооруженный святой с глазом посередине каждой руки, представляя всевидящего сострадательного, который слышит наши просьбы. Это божество можно также понимать как Йидам, или «Будду медитации» для практики Ваджраяны.

Тибетский буддизм содержит тантрический буддизм, также известный как буддизм Ваджраяны за его общий символизм ваджры, алмазный громовой удар (известный на тибетском языке как дорье). Большинство типичных тибетских буддийских искусств можно рассматривать как часть практики тантры. Методы Ваджраяны включают в себя множество визуализаций / фантазий во время медитации, и большая часть тщательно продуманного тантрического искусства может рассматриваться как средство для этих визуализаций; от представлений медитативных божеств (йидамов) до мандал и всех видов ритуальных орудий.

Визуальный аспект тантрического буддизма является общим представлением гневных божеств, часто изображаемых сердитыми лицами, кругами пламени или черепами мертвых. Эти образы представляют Защитников (Skt. Dharmapala), и их страшное отношение противоречит их истинной сострадательной природе. Фактически, их гнев представляет собой преданность защите преподавания дхармы, а также защиту конкретных тантрических практик для предотвращения коррупции или нарушения практики. Они наиболее важны как гневные психологические аспекты, которые могут быть использованы для преодоления негативных установок практикующего.

Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с 14-го и 15-го столетий, тибетская живопись включала в себя множество элементов от китайцев, а в XVIII веке китайская живопись имела глубокое и глубокое воздействие на тибетское изобразительное искусство. По словам Джузеппе Туччи, к моменту династии Цин, «тогда было развито новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным отголоском главенской изысканной прелести китайского XVIII века».

Вьетнамское искусство
Вьетнамское искусство является одним из старейших из таких культур в регионе Юго-Восточной Азии. Богатое художественное наследие, которое относится к доисторическим временам, включает в себя: шелковую живопись, скульптуру, керамику, керамику, отпечатки на дереве, архитектуру, музыку, танцы и театр.

Традиционное вьетнамское искусство практикуется во Вьетнаме или вьетнамскими художниками с древних времен (в том числе тщательно продуманные барабаны Đông Sơn) до посткитайского искусства господства, на которое сильно повлияло китайское буддийское искусство, среди других философий, таких как даосизм и конфуцианство. Искусство Чампы и французского искусства также сыграло меньшую роль позже.

Китайское влияние на вьетнамское искусство распространяется на вьетнамскую керамику, керамику, каллиграфию и традиционную архитектуру. В настоящее время вьетнамские лаковые картины оказались довольно популярными.

Династия Нгуен, последняя правящая династия Вьетнама (около 1802-1945), вновь заинтересовалась керамикой и фарфоровым искусством. Императорские суды по всей Азии импортировали вьетнамскую керамику.

Несмотря на то, что высокоразвитые исполнительские искусства (такие как музыка и танцы императорского двора) стали во время династии Нгуен, некоторые считают, что другие области искусства начинают снижаться во время последней части династии Нгуен.

Начиная с XIX века, современное искусство и французские художественные влияния распространились во Вьетнам. В начале 20-го века была создана Школа Высшего Искусства Индокита (Индокитайский Колледж Искусств), чтобы преподавать европейские методы и оказывать влияние главным образом в более крупных городах, таких как Ханой и Хошимин.

Ограничения на поездки, введенные вьетнамцам во время 80-летнего правления Франции во Вьетнаме и длительный период войны за национальную независимость, означали, что очень немногие вьетнамские художники могли обучаться или работать за пределами Вьетнама. Небольшое количество художников из состоятельных слоев населения имели возможность отправиться во Францию и сделать свою карьеру там по большей части. Примеры включают Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang и Pham Tang.

Современные вьетнамские художники начали использовать французские техники со многими традиционными средами, такими как шелк, лак и т. Д., Создавая тем самым уникальную смесь восточных и западных элементов.

Вьетнамская каллиграфия
Каллиграфия имеет долгую историю во Вьетнаме, ранее использовав китайских иероглифов наряду с chữnôm. Тем не менее, большинство современных вьетнамских каллиграфии вместо этого использует основанный на римском языке Quốc Ngữ, который оказался очень популярен.

В прошлом, когда грамотность в старых персональных системах письма Вьетнама ограничивалась учеными и элитами, каллиграфия все же играла важную роль во вьетнамской жизни. В особых случаях, таких как Лунный Новый год, люди обратились к деревенскому учителю или ученому, чтобы они висели на каллиграфии (часто стихи, народные изречения или даже отдельные слова). Люди, которые не умели читать и писать, часто приглашали ученых писать молитвы, которые они сжигали в храмовых святынях.

Филиппинское искусство
Филиппинская идентичность родилась одновременно с ее созданием, главным образом, из ее доколониальных / до Филиппинских культур, которые слились с влиянием колонизаторов и китайских торговцев, которые растаяли и превратились в свою собственную уникальную классическую филиппинскую идентичность. До того, как родились Филиппины, это был разделенный набор наций, островов и племен, которыми управляли их собственные особые Цари, Вождя, Лакан, Датус, Раджи и Султаны. Каждая нация имеет свою собственную идентичность, и некоторые из них даже являются частью большей империи за пределами современной карты того, что сейчас является Филиппинами, например; Манила когда-то была частью Брунейской империи. Другой пример – многие части современного дня, которые, как предполагается, являются Минданао, являются частью империи Маджапахит, столица которой находится в Восточной Яве в современной Индонезии. Пришествие колониального прибытия на острова началось. Современный Филиппины, так как именно в это время было создано то, что сейчас является единым островом, ныне известным теперь как Филиппины. Китайское влияние ощущалось во всей Юго-Восточной Азии через торговлю, даже до колонизации региона, в частности династии Мин и других ранних династий еще в девятом веке. Но именно во время испанской колонизации была разработана современная китайская филиппинская подпись на том, что сейчас является Филиппинами. Эти культуры, растаявшие от доколониального внутреннего и внешнего влияния, очень очевидны в до-современных искусствах и традициях Филиппин. Живопись Хосе Онорато Лозано имеет четкое указание на влияние Востока и Запада.

Среднеазиатское искусство
Среднеазиатское искусство – это изобразительное искусство, созданное в Центральной Азии преимущественно тюркскими народами современного Кыргызстана, Казахстана, Узбекистана, Туркменистана, Азербайджана, Таджикистана, Монголии, Тибета, Афганистана, Пакистана и частей Китая и России. Искусство последних веков в основном зависит от исламского искусства, но на различные ранние культуры повлияли искусство Китая, Персии и Греции, а также животный стиль, который развивался среди кочевых народов степей. Передача искусства Шелкового пути, скифское искусство, греко-буддийское искусство, искусство Сериндиа и совсем недавно персидская культура – все это часть этой сложной истории.

Искусство Месопотамии
Искусство Месопотамии сохранилось в археологических записях ранних охотничье-собирательских обществ (10-е тысячелетие до н.э.) к культурам бронзового века шумерской, аккадской, вавилонской и ассирийской империй. Эти империи были позже заменены в Железном веке неоассирийскими и нео-вавилонскими империями. Широко признанная колыбелью цивилизации, Месопотамия принесла значительные культурные события, в том числе самые старые примеры написания. Искусство Месопотамии соперничало с Древним Египтом как величайшее, сложное и сложное в западной Евразии с 4-го тысячелетия до нашей эры, пока Персидская ахеменидская империя не завоевала регион в VI веке до нашей эры. Основной упор делался на различные, очень прочные формы скульптуры из камня и глины; но картина показывает, что, за некоторыми исключениями, живопись в основном использовалась для геометрических и растительных декоративных схем, хотя большинство скульптур были также окрашены. Уплотнения цилиндров сохранились в большом количестве, многие из них содержат сложные и детализированные сцены, несмотря на их небольшие размеры.

Еврейское искусство
По сравнению с музыкой или театром в изобразительном искусстве меньше еврейской традиции. Наиболее вероятной и общепринятой причиной является то, что, как ранее было показано с еврейской музыкой и литературой, до эмансипации в еврейской культуре доминировали религиозные традиции аниницизма. Поскольку большинство раввинских властей считали, что Вторая заповедь запрещает много визуального искусства, которое квалифицировалось бы как «иероглифы», еврейские художники были относительно редкими, пока они не жили в ассимилированных европейских сообществах, начиная с конца 18 века. Следует, однако, отметить, что, несмотря на опасения, что ранние религиозные общины искусства используются в идолопоклоннических целях, еврейское священное искусство записано в Танахе и распространяется по всей еврейской древности и средневековью. Скиния и два храма в Иерусалиме образуют первые известные примеры «еврейского искусства». В первые века общей эры еврейское религиозное искусство также создавалось в регионах, окружающих Средиземное море, таких как Сирия и Греция, включая фрески на стенах синагог, из которых единственная выжившая, а также еврейские катакомбы – синагога Дура Европас в Риме.

Исламское искусство
Исламское искусство включает в себя изобразительное искусство, созданное в VII веке, людьми, которые жили на территории, населенной или управляемой культурно-исламскими населенными пунктами. Таким образом, очень сложно определить искусство, поскольку оно охватывает многие земли и различные народы в течение примерно 1400 лет; это не искусство конкретно религии или времени, или места, или одного носителя, как живопись. Огромное поле исламской архитектуры является предметом отдельной статьи, оставляя поля такими разнообразными, как каллиграфия, живопись, стекло, керамика и текстильное искусство, такие как ковры и вышивка.

Иранское искусство
Персидское искусство или иранское искусство имеет одно из самых богатых художественных наследий в мировой истории и было сильным во многих средствах массовой информации, включая архитектуру, живопись, ткачество, керамику, каллиграфию, металлообработку и скульптуру. В разное время влияние искусства соседних цивилизаций было очень важным, и в последнее время персидское искусство давало и получало значительные влияния как часть более широких стилей исламского искусства. Эта статья охватывает искусство Персии до 1925 года и конец династии Каджар; для более позднего искусства см. иранское современное и современное искусство, а для традиционных ремесел – искусство Ирана. Сказочное искусство в Иране – это самое древнее сохранившееся искусство. В этой статье рассматривается иранская архитектура.

Набатейское искусство
Набатейское искусство – это искусство набатейцев Северной Аравии. Они известны мелкоцветной расписной керамикой, которая стала рассеянной среди греко-римского мира, а также вкладом в скульптуру и архитектуру набатейцев. Набатейское искусство наиболее известно археологическими памятниками в Петре, в частности такими памятниками, как Аль-Хазне и Ад Дейр.

Общепринятого международного понимания термина «Центральная Азия» до сих пор нет. Создавая постоянную экспозицию, сотрудники музея исходили из классического определения Центральной Азии, утвердившегося в российской географии с конца 19 в. Согласно этому определению, все огромное пространство Внутренней Азии может быть разделено на две части - Среднюю Азию (между Тянь-Шанем и Каспием) и Центральную Азию (восточнее Памира и Тянь-Шаня). Северной границей Центральной Азии являются Алтай, Саяны, озеро Байкал и Яблоновый хребет, южной - Гималаи, восточной - хребты Большой Хинган, Тайханшань и Сино-Тибетские горы.

Центральную Азию населяют различные народы алтайской и сино-тибетской языковых семей. Искусство далеко не всех этих народов представлено в нашем музее или вообще достойно изучено. Поэтому существующая сейчас постоянная экспозиция посвящена культуре трех народов, искусство которых представлено крупными коллекциями. Это - тибетцы, монголы и буряты. Важным признаком, объединяющим эти этносы, является буддизм, одна из мировых религий, принадлежность к которой сыграла существенную роль в формировании культурной самобытности этих трех этносов.

Тибет, занимающий обширную южную часть региона, принял первых буддийский миссионеров - индийцев уже в раннем средневековье, а в 7 в. н.э. буддизм стал здесь государственной религией. В течение последующих столетий на своей родине в Индии буддизм утрачивал свое влияние, тогда как Тибет превращался в религиозную метрополию Центральной Азии. Буддийские монастыри Тибета содержали огромные художественные мастерские, в которых ежегодно изготавливались тысячи скульптур, икон, ритуальных предметов, книг.

Зал, посвященный Тибету, занят произведениями северно-буддийского искусства. Почти вся тибетская коллекция датируется сравнительно поздним временем - 18 -началом 20 века.

Небольшое количество экспонатов дает возможность судить о своеобразии основных направлений тибетского искусства.

Иконы - «танка», представляют собой живописные свитки, написанные чистыми минеральными красками на холсте или шелке, обрамленные яркими узорными тканями. Скульптурные изображения буддийских божеств отлиты из медных сплавов в технике «исчезающей восковой модели» и покрыты сверкающей позолотой.

Шлем парадный.
Тибет, конец XVIII в.
Сталь, ткань, ковка, чеканка, просечка, гравировка, позолота, пайка, шитье.

Скульптура Цзонхавы.
Тибет, XIX в.
Дерево, резьба.

В 19 веке в Тибете была вырезана из дерева скульптура Цзонхавы (1357-1419) - крупнейшего реформатора северного буддизма и основателя господствующего направления «Гелугпа». Скульптура очень крупная - примерно соответствует натуральной величине человеческого тела (1). Поверхность изваяния хорошо отполирована и приятно удивляет цветом - ровным, светло-шоколадным, матово сияющим. Цзонхава сидит на троне в форме лотосового цветка. Исполнено внушительного обаяния лицо Цзонхавы - спокойно улыбающееся, с опущенными и полузакрытыми глазами. Тело его покрыто тонкими красивыми складками узорной одежды. На ладонях и ступнях прекрасно видны изображения «чакр».

Единственным произведением в экспозиции, не связанным с религиозной сферой, является парадный шлем военачальника XVIII века(2). Основная часть шлема - зеркально отполированная сталь, украшенная накладными чеканными и позолоченными элементами - буквами тибетского письма, лицами чудовищ - монстров, соединенных цепочками или шнурами со священными предметами. Верхняя фигурная часть шлема покрыта позолотой и тонкой просечной чеканкой, в которой угадываются очертания летящих драконов. Чеканные изображения драконов хорошо видны на козырьке и нижней кромке шлема. Отлично сохранилась тканевая часть предмета, прикрывавшая затылок, виски и шею. Тибетская армия по своему убранству и вооружению вплоть до начала 20 века была каким-то средневековым войском.

Тибет был страной, вероятно, давшей всей Центральной Азии церемонию цам, или чам - самобытное культурное явление, которое можно назвать ритуальным танцем, пантомимой или танцем с диалогами. Основная особенность цама - участие костюмированных персонажей в масках.

Стенная завеса.
Монголия, начало XX в.
Шелк, аппликация, вышивка.

Женский головной убор.
Монголия, XIX в.
Серебро, ткань, бирюза, коралл, чеканка, филигрань, инкрустация.

Этому ритуальному действу посвящен небольшой раздел экспозиции, примыкающий к тибетскому залу. Самое главное здесь - крупные выразительные маски, изготовленные из папье-маше, раскрашенные и дополненные кожаными и волосяными деталями. Пять масок изображают божеств северно-буддийского пантеона и изготовлены в Монголии в 19 -первой половине 20 века. Экспозиция дополнена танками - живописными свитками, музыкальными инструментами и деталями костюмов, которые надевали участники представлений цама.

Северным соседом Тибета является Монголия, часть которой образовала автономный район Внутренняя Монголия в составе Китая , а другая часть (Внешняя Монголия) стала в 20 веке независимым Монгольским государством. Тибетские буддисты поддерживали связи с правительством Монгольской империи еще в 13 веке, но лишь в конце 16-17 веке активная деятельность миссионеров «Гелугпа» привела к тому, что буддизм стал религией и массовой, и государственной.

Монгольская коллекция музея довольно велика, и лучшие ее предметы, созданные в 18-начале 20 века, заполнили отдельный зал. Иконы, написанные красками или выполненные вышивкой и аппликацией, храмовые скульптуры из металла, дерева, папье-маше, ритуальные атрибуты являются яркими образцами монгольского религиозного искусства. Гораздо более редкими изделиями этой группы являются несколько крупных панно или храмовых стенных завес, выполненных в технике аппликации и вышивки. Экспонируемая сейчас в зале стенная завеса сделана в начале 20 века из разнообразных шелковых тканей. В верхней трети завесы - три изображения буддийских милостивых божеств. Нижняя часть завесы заполнена вышитым и аппликативным узорочьем - изображениями стеблей с цветами и листьями, драгоценностей и алтарных украшений (3). Замечательные произведения народного искусства - комплект деталей женского головного убора(4), выполненных главным образом из серебра и украшенных позолотой, чеканкой, филигранью, обильными вставками из бирюзы, кораллов и стекла.

С севера соседями монголов являются буряты, живущие в Прибайкалье и Забайкалье. В 17 веке буряты вошли в состав Российской империи, а значительная часть их стала буддистами.

Бурятская колл екция музея создана в основном благодаря научно-собирательским экспедициям 1980-х годов. В бурятском зале расположены живописные иконы-свитки, металлические и керамические скульптуры, вырезанные из дерева и раскрашенные ритуальные предметы. О наиболее ценной части музейного собрания традиционного народного искусства бурят дает представление большая витрина с изделиями, изготовленными из серебра или украшенными серебром в различных техниках с применением эмали и вставок из полудрагоценных камней(5-7).

Ножи в ножнах «хутага».
Бурятия, XIX - первая половина XX в.
Сталь, серебро, дерево, кость, коралл, ковка, резьба, чеканка, гравировка, инкрустация.

Женское головное украшение «даруулга». Бурятия, XIX - начало XX в.
Серебро, шелк, коралл, янтарь, лазурит, шитье, ковка, литье, чеканка.

Подвески височные «хийхэ».
Бурятия, начало XX в.
Серебро, коралл, ковка, чеканка.

Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура древних народов Опубликовано 19.04.2016 19:22 Просмотров: 2469

Средневековое искусство Средней Азии изучено давно, а вот древнее искусство было известно недостаточно. В настоящее время в результате работы искусствоведов и археологов получены данные о местных культурах античности.

На территории современной Средней Азии существовали древние цивилизации, тесно связанные с цивилизаций Востока, прежде всего Передней Азии (географический регион, включающий в себя полуострова Малая Азия, Аравийский и прилегающие к ним территории восточные побережья Средиземного моря, Кавказа (Закавказье), Армянского и Иранского нагорий и Месопотамской низменности). А с политической точки зрения это три региона: Ближний Восток (без Африканской части), Средний Восток и частично Закавказье.

Джейтунская культура

Джейтунская неолитическая культура сложилась в VI тыс. до н.э. между хребтом Копетдаг и пустыней Каракумы (территория южной Туркмении и северо-восточного Ирана). Племена вели оседлый образ жизни, возделывали пшеницу и ячмень, занимались разведением домашнего скота. В поселках стояли глинобитные жилые дома, а в центре посёлка в самом крупном доме располагалось общинное святилище. Стены святилища были украшены живописью.

Женская фигура
На раскопках найдены каменные топоры, серпы с кремнёвыми вкладышами. Встречается глиняная посуда, глиняные статуэтки зверей и женщин, поделки из камня и глины в виде конусов, которые, возможно, служили игральными фишками. В быту земледельцы пользовались большими сосудами для хранения продуктов (хумы), иногда их окрашивали в кремовый или красный цвет и наносили коричневой краской расписной орнамент в виде вертикальных волнистых линий или полукружий.
Из оружия характерна праща (метательное холодное оружие, представляющее собой верёвку или ремень, один конец которого свёрнут в петлю, в которую продевается кисть пращника).

Праща
Из камня сделаны ступки, песты, зернотерки, мотыги и топорики.
Найдены погребения джейтунцев: одиночные скорченные останки, обсыпанные охрой.
Джейтунская культура VI тыс. до н. э. была типичной локальной раннеземледельческой культурой Передней Азии.
В V-IV тыс. до н.э. среднеазиатские земледельческо-скотоводческие общины осваивают выплавку меди, начинают разводить верблюдов. Для орошения полей проводят, ставшие началом ирригационного земледелия.

Браслет из Амударьинского клада (V век до н.э.)

Культура Алтын-Депе

Алтын-Депе – городище бронзового века (2300-1900 гг. до н. э.), обнаруженное на юго-западе Туркмении. Центрами цивилизации Алтын-Депе были два поселения городского типа: Алтын-Депе и Намазга-Депе. Они были обнесены крепостными стенами из сырцового кирпича.
В центре Алтын-Депе был сооружён монументальный культовый комплекс с четырехступенчатой башней (типа зиккурат). В него входили различные хранилища, дом главного жреца и гробница жреческой общины.

Золотая голова быка
При раскопках в гробнице была найдена золотая голова быка со вставкой на лбу из бирюзы в форме лунного диска. Храмовый комплекс был посвящен богу Луны, который в месопотамской мифологии часто представляется в образе быка огненного цвета. В богатых могилах были найдены ценные предметы, изделия из слоновой кости.
Жители поселения занимались поливным земледелием и скотоводством (в т.ч. и верблюдоводством), охотой. Ремесло отличалось высоким мастерством.
Новые поселения оседлых земледельцев образовываются по среднему течению Амударьи. Они укреплены стенами с башнями, распространяется боевое оружие из бронзы. Культуры новых поселений развивают достижения цивилизации Алтын-Депе, но вносят и новые явления.

Бактрийско-Маргианский археологический комплекс

Российский и греческий археолог В. И. Сариани́ди является автором тезиса о Бактрийско-Маргианском археологическом комплексе (БМАК), существовавшем в Бактрии и Маргиане – центральноазиатский очаг древней культуры эпохи бронзы. На территории современного Туркменистана он открыл культуру, в которой можно проследить корни зороастризма (одной из древнейших религий).
Самым ярким памятником БМАК является Гонур – большой храмовый город, где жили язычники, поклонявшиеся множеству богов, в том числе и огню, с храмовыми комплексами огнепоклонников.
Бактрийско-Маргианский археологический комплекс – одна из цивилизаций бронзового века, которая существовала на территории восточного Туркменистана, южного Узбекистана, северного Афганистана и западного Таджикистана с XXIII по XVIII вв. до н. э. Это время существования Древневавилонского царства в Месопотамии. Раскопки открыли грандиозные для своего времени сооружения в Намазга-Тепе, Алтын-Депе и др. местах.

Топор с двуглавым орлом (III-начало II тыс. до н.э.)
Найдены нерасписная гончарная посуда, двухъярусные гончарные горны, медные и бронзовые литые изделия (ножи, кинжалы, зеркала), глиняные модели повозок. Открыты остатки многокомнатных домов, разделённых узкими улочками. Высоко развитые керамика и ювелирное дело указывают на наличие в городах большого числа ремесленников. Пиктограммы на одной из печатей дают возможность предполагать наличие в поселениях Маргианской цивилизации особой системы письменности.

Женская голова (III-начало II тыс. до н.э.)

Бактрийская статуэтка женщины в каунакесе (одежда из длинношерстного меха)
В Афганистане, в городище Тилля-тепе, при раскопках кушанских царских захоронений I века до н. э. в 1978 г., были обнаружены золотые предметы (бактрийское золото). Всего было найдено около 20 тыс. золотых предметов: золотые украшения, золотое оружие.

«Короли с драконами»

Золотая фигурка барана

Средневековое искусство Средней Азии

Феодальный период в Средней Азии был очень длительным: примерно с VI в. н.э. до второй половины XIX в.
Феодальная эпоха – время формирования тех народностей, которые и сейчас населяют Среднюю Азию.

Афросиаб в Самарканде был местом древнего города Мараканда, разрушенного в 1220 г. Чингисханом
Афрасиа́б – древнее городище площадью более 200 га в виде скопления желто-серых лёссовых холмов, расположенное на северной окраине современного Самарканда. Считается, что Афрасиаб был древней согдийской столицей – знаменитой Маракандой. Древний город получил своё название в честь царя Турана Афрасиаба, одного из легендарных героев поэмы великого персидского поэта Фирдоуси «Шахнаме».

Фреска, найденная в одном из аристократических домов в Афрасиабе

Согдиана

В V в. Средняя Азия была захвачена кочевыми племенами эфталитов, а позже вошла в состав Тюркского каганата. В VI-VII вв. ведущее место в Средней Азии занял Согд (Согдиана) – своеобразный союз небольших царств, во главе которых стояла землевладельческая аристократия. Согд – историческая область в Средней Азии. В настоящее время разделена между Узбекистаном (центр Самарканд) и Таджикистаном (Согдийская область). Согд находился на пересечении важных караванных путей, осуществлявших международную торговлю с Ираном, Византией, Индией и странами Дальнего Востока. Культура Согда была высокоразвитой, здесь была распространена письменность. Искусство древнего Согда мало изучено. Об архитектуре некоторое представление дают сырцовые постройки и фортификационные сооружения. Изобразительное искусство ярче всего представлено мелкой терракотовой пластикой. Отдельные терракоты свидетельствуют о проникновении эллинистических художественных принципов. Формировался и локальный тип, который отличался точной передачей этнических черт.
Основной религией был зороастризм, но согдийцев отличала терпимость к другим религиозным направлениям (буддизм, манихеизм, несторианство).

Пенджикент

Крупным городом Согда, кроме Афрасиаба, был Пенджикент.

Большие руины
В этом городе были открыты замечательные настенные росписи согдийских мастеров эпохи раннего Средневековья.

Из Калаи-муг (начало VIII в.). Эрмитаж

Калаи-муг - замок (крепость) на горе Муг, археологический памятник VII-VIII вв. в Таджикистане, примерно в 60 км к востоку от Пенджикента.
Строение было расположено на крутой горе на высоте 120 м от места впадения реки Кум в Зеравшан и представляло собой двор и двухэтажное здание из камня и кирпича размером 18,5×19,5 м. Внутри здания располагалось пять сводчатых помещений, соединенных сквозным проходом.
В 1932 г. местным пастухом были случайно найдены документы, которые оказались письмами, хозяйственными записями, договорами. Они позволили установить, что в начале VIII в. н. э. замок являлся последним прибежищем согдийского правителя Пенджикента Деваштича, скрывавшегося там от арабских завоевателей.

Образцом раннефеодальной сельской усадьбы может служить Якке-Парсан в Хорезме.

Поселение Якке-Парсан (вид с воздуха)
В центре усадьбы возвышается укрепленное жилое здание, стены которого оформлены полуколоннами. Вокруг здания возведены стены, образующие три концентрически расположенных квадрата: ближайшая к зданию стена усилена башнями.
С развитием феодальных отношений изменяются старые и возникают города нового типа. Раннефеодальный город внутри огороженного оборонительной стеной пространства был застроен беспорядочно разбросанными массивными 2- и 3-этажными зданиями, где жили богатые семьи.
В развалинах согдийского города Пенджикента обнаружены храмы местного культа. Храм состоял из квадратного зала, открытого с восточной стороны. Плоское балочное перекрытие стояло на четырех деревянных колоннах. Перед залом возвышался портик на шести деревянных колоннах, выходивший на открытый прямоугольный двор.

В Пенджикенте расписывались залы н портики храмов, помещения в жилых домах знати. Пенджикентские росписи отличаются богатством сюжетного содержания. Наряду с религиозными церемониями изображены сцены из эпоса, торжественные пиршества согдийских феодалов, сражения воинов в боевых доспехах, игра в кости, выезд на конях знатных всадников. В них тесно переплетаются светские и культово-мифологические сюжеты.

Росписи из Пенджикента
Менее широко была развита в Пенджикенте скульптура. Но в одном из храмов найдены фрагменты выполненной в высоком рельефе глиняной панели.
К VII-VIII вв. относятся найденные при раскопках памятники резного дерева: архитектурный орнамент, фигурная рельефная резьба и почти круглая скульптура. Все эти предметы сохранились случайно, так как обуглились во время пожаров. Особый интерес представляют три крупных фрагмента однотипные женских фигур, достигающих приблизительно трех четвертей натуральной величины. Эти статуи изображают танцовщиц.

Обнаженная по пояс фигура стройна и гибка; ее пропорции вытянуты. Угадывается характерная и изящная поза танцовщицы.

Искусство Средней Азии VII-XIX вв.

Археологические памятники и письменные источники дают яркую картину высокого для своего времени развития изобразительного искусства Средней Азии в средние века.
В VII в. народы в Среднюю Азию вторглись арабы. Арабское нашествие принесло среднеазиатским народам огромные бедствия и затормозило их развитие. Арабское вторжение и распространение ислама поколебало древние культурные традиции среднеазиатских народов. В огне пожаров погибли многие бесценные согдийские росписи. Но в целом культура развивала дальше те принципы и традиции, которые стали складываться в раннефеодальной культуре Средней Азии до арабского нашествия.
От этого периода сохранилось мало памятников архитектуры, но они ярко свидетельствуют о высоком уровне среднеазиатского зодчества IX-X столетий. Совершенствуется строительная техника, основанная на использовании сырцового кирпича, а в X столетии обогащенная применением кирпича обожженного.
О развитии строительной техники этого времени свидетельствует архитектура загородного дворца или большого караван-сарая Кырк-кыз в древнем Термезе (приблизительно IX в.).

Исследователи предполагают, что уже в самые первые века ислама среднеазиатские зодчие создали свой особый тип культовых построек – купольную мечеть. О развитии местных архитектурных традиций свидетельствует и самый замечательный памятник зодчества IX-X вв. – мавзолей Саманидов, сохранившийся в Бухаре (тогда столичный город).

Здание мавзолея поражает простотой и ясностью структуры.

Искусство Средней Азии IX-XII вв.

Уровень художественной культуры Средней Азии IX-X вв. был довольно высок. Среди памятников декоративного и прикладного искусства выделяются резьба по дереву и керамика. Изображения живых существ, несмотря на распространение ислама, еще долго бытовали в искусстве Средней Азии. Из кипариса вырезали изображения лошадей, быков, верблюдов и диких коз.

Керамика VII в. Самарканд
Среднеазиатская расписная глазурованная керамика отличается большим художественным своеобразием, получившим мировую известность. Узор ее строг: геометрические фигуры, растительные побеги и надписи. Нередко в узор включено изображение птицы или фигура зверя.
Художественная керамика – лишь один из видов прикладного искусства Средней Азии IX-X вв. В это время славились и вывозились далеко за пределы страны шелковые ткани и другие изделия художественного ремесла.
Развитие зодчества в XI-XII вв. сопровождалось дальнейшим усовершенствованием конструкций сводов и куполов, для кладки которых уже повсеместно применялся обожженный кирпич. Выдающимся памятником XII в., сохранившимся в Туркменистане, является мавзолей сельджукского султана Санджара в старом Мерве.

Мавзолей
В Средней Азии получили распространение здания портально-купольного типа и применение резьбы по терракоте для украшения фасадов монументальных построек.
В XII в. наблюдается расцвет архитектурно-декоративного искусства, о чём свидетельствует орнаментальное убранство мечети Магоки Аттари в Бухаре. Открытый раскопками портал Магоки Аттари украшен узором из геометрических и растительных мотивов, а также надписей, исполненных на терракотовых плитках резьбой по ганчу и кладкой из кирпича.

Мечеть Магоки Аттари

Искусство Средней Азии XIV-XVIII вв.

Подъем архитектуры и искусства Средней Азии был прерван монгольским завоеванием. Но лишь на время. В XIV в. постепенно восстановились сожженные города, вновь стали развиваться ремесла и торговля. В 70-х гг. XIV в. Средняя Азия стала центром огромной империи Тимура. Самый жестокий завоеватель из всех, которых только знала до этого история, Тимур в отношении Средней Азии проводил политику, способствовавшую некоторому развитию ее экономики и культуры.
Хотя в идеологии XIV-XV вв. господствовали реакционные идеи, именно в эту развиваются наука, литература и искусство Средней Азии. В XV в., при внуке Тимура Улугбеке, в окрестностях Самарканда строится обсерватория, где были созданы звездные таблицы, занявшие важное место в истории науки о Вселенной.

Обсерватория Улугбека
В архитектуре XIV-XV вв. проявились значительные художественные достижения. Архитектура обогащалась цветным узором. В расцветке преобладали бирюзово-синие тона. Особенно выделяется мавзолей Тюрабек-хаш в Куня-Ургенче.

Дошедшие до нас монументальные здания Самарканда, воздвигнутые при Тимуре, мавзолеи и мечети образуют ансамбли, они еще и сейчас определяют силуэт «старого» города. Это комплекс усыпальниц самаркандской знати Шахи-Зинда.

Усыпальницы Шахи-Зинда
Грандиозным архитектурным сооружением, возведенным на рубеже XIV-XV вв., явилась соборная мечеть Самарканда, предназначенная для тысяч молящихся и получившая в народе имя Биби-Ханум. Ее начали строить в 1399 г., после обогатившего государство Тимура грабительского похода в Индию.

Соборная мечеть Биби-Ханум
В XIV-XV вв. в зодчестве Средней Азии были созданы наиболее совершенные на Среднем Востоке архитектурно-строительные и декоративные формы.
В начале XVI в. возникло феодальное узбекское государство во главе с династией Шейбанидов. В этот период завершилось формирование среднеазиатских народностей: узбеков, туркмен, казахов, киргизов, каракалпаков.
Наиболее значительные памятники зодчества сохранились в Бухаре. Город был окружен новой стеной, построены торговые ряды, купола на перекрестках, медресе и мечети. Особенно многочисленны кош-медресе – сдвоенные медресе. По этому принципу создан и центральный ансамбль Бухары, состоящий из большой соборной мечети Калян и медресе, между которыми высится минарет XII в.

Центральный ансамбль Бухары
Упадок среднеазиатских феодальных ханств в XVIII-XIX вв., экономическая их слабость и низкий культурный уровень господствовавших классов привели к тому, что монументальное зодчество, обслуживавшее нужды феодального государства и религии, стало быстро угасать.
Некоторый подъем пережило только зодчество Хивы – столицы узбекского Хивинского ханства в конце XVII-начале XIX в. Город украсили многочисленные медресе, мечети и минареты.