2.Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см
Музей изящных искусств, Бостон

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана на Таити, куда он сбежал из Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что считал: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, но что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее».

Летом в конце 80-х годов прошлого века многие французские художники съехались в Понт-Авен (Бретань, Франция). Съехались и почти сразу же разделились на две враждебные группировки. К одной относились художники, вставшие на путь искания и объединенные общим для всех названием "импрессионисты". По мнению второй группы, которую возглавлял Поль Гоген, это название было ругательным. П. Гогену в то время было уже под сорок. Окруженный таинственным ореолом путешественника, изведавшего чужие края, он имел большой жизненный опыт и поклонников, и подражателей его творчества.

Оба лагеря разделялись и по преимуществу своего положения. Если импрессионисты жили в мансардах или на чердаках, то другие художники занимали лучшие комнаты гостиницы "Глоанек", обедали в большом и самом хорошем зале ресторана, куда члены первой группы не допускались. Однако стычки между группировками не только не мешали П. Гогену работать, наоборот, - в какой-то мере помогали ему осознать те черты, которые вызывали у него бурный протест. Отказ от аналитического метода импрессионистов был проявлением полного переосмысления им задач живописи. Стремление импрессионистов запечатлевать все увиденное, сам их художественный принцип - придавать своим картинам видимость случайно подсмотренного - не соответствовали властной и энергичной натуре П. Гогена.

Еще меньше удовлетворяли его теоретические и художественные изыскания Ж. Сера, который стремился свести живопись к холодному, рассудочному использованию научных формул и рецептов. Пуантилистическая техника Ж. Сера, его методическое накладывание краски перекрестными ударами кисти и точками раздражали Поля Гогена своим однообразием.

Пребывание художника на Мартинике среди природы, показавшейся ему роскошным, сказочным ковром, окончательно убедило П. Гогена использовать в картинах только неразложенный цвет. Вместе с ним разделявшие его мысли художники провозгласили своим принципом "Синтез" - то есть синтетическое упрощение линий, формы и красок. Цель такого упрощения заключалась в том, чтобы передать впечатление максимальной интенсивности цвета и опустить все, что ослабляет такое впечатление. Такая техника составляла основу старой декоративной живописи фресок и витража.

Вопрос о соотношении цвета и красок очень занимал П. Гогена. Он и в живописи своей старался выразить не случайное и не поверхностное, а пребывающее и существенное. Для него законом была только творческая воля художника, и свою художественную задачу он видел в выражении внутренней гармонии, которую он понимал как синтез откровенности природы и настроения встревоженной этой откровенностью души художника. Сам П. Гоген говорил об этом так: "Я не считаюсь с правдой природы, видимой внешне... Исправляйте эту ложную перспективу, которая искажает предмет в силу своей правдивости... Следует избегать динамичности. Пусть у вас дышит все покоем и миром души, избегайте поз в движении... Каждый из персонажей должен быть в статичном положении". И он сокращал перспективу своих картин, приближал ее к плоскости, развертывая фигуры во фронтальном положении и избегая ракурсов. Потому и неподвижны на картинах изображенные П. Гогеном люди: они подобны статуям, изваянным крупным резцом без излишних деталей.

Период зрелого творчества Поля Гогена начался на Таити, именно здесь проблема художественного синтеза получила у него свое полное развитие. На Таити художник отрешился от многого, чего знал: в тропиках формы ясны и определенны, тени тяжелы и жарки, а контрасты особенно резки. Здесь все задачи, поставленные им в Понт-Авене, разрешились сами собой. Краски П. Гогена становятся чисты, без мазков. Его таитянские картины производят впечатление восточных ковров или фресок, настолько краски в них гармонично приведены к определенному тону.

Творчество П. Гогена этого периода (имеется в виду первый приезд художника на Таити) представляется чудесной сказкой, которую он пережил среди первобытной, экзотической природы далекой Полинезии. В районе Матайе он находит небольшую деревушку, покупает себе хижину, с одной стороны которой плещется океан, а с другой видна гора с огромной расщелиной. Европейцы сюда еще не добрались, и жизнь казалась П. Гогену настоящим земным раем. Он подчиняется медлительному ритму таитянской жизни, впитывает в себя яркие краски синего моря, изредка покрывающегося зелеными волнами, с шумом разбивающимися о коралловые рифы.

С таитянами у художника с первых дней установились простые, человеческие отношения. Работа начинает все больше и больше захватывать П. Гогена. Он делает многочисленные наброски и зарисовки с натуры, при любом случае старается запечатлеть на полотне, бумаге или дереве характерные лица таитян, их фигуры и позы - в процессе труда или во время отдыха. В этот период он создает ставшие всемирно известными картины "Дух мертвых бодрствует", "А, ты ревнуешь?", "Беседа", "Таитянские пасторали".

Но если в 1891 году путь на Таити казался ему лучезарным (он ехал сюда после некоторых художественных побед во Франции), то во второй раз он ехал на любимый остров больным человеком, утратившим большинство своих иллюзий. Все его в пути раздражало: вынужденные остановки, бесполезные траты, дорожные неудобства, таможенные придирки, навязчивые попутчики...

Всего два года не был он на Таити, а так много здесь изменилось. Европейский налет уничтожил самобытную жизнь туземцев, все кажется П. Гогену невыносимой мешаниной: и электрическое освещение в Папеэте - столице острова, и несносные карусели рядом с королевским замком, и нарушающие былую тишину звуки фонографа.

На этот раз художник останавливается в районе Пуноауйа, на западном побережье Таити, на арендованном участке земли строит дом с видом на море и горы. Рассчитывая прочно обосноваться на острове и создать условия для работы, он не жалеет средств на устройство своего жилища и вскоре, как это часто водится, остается без денег. П. Гоген рассчитывал на друзей, которые перед отъездом художника из Франции взяли у него в долг в общей сложности 4000 франков, но те не спешили возвращать их. Несмотря на то, что он слал им многочисленные напоминания о долге, жаловался на судьбу и крайне бедственное положение...

К весне 1896 года художник оказывается в тисках самой жестокой нужды. К этому присоединяется боль в сломанной ноге, которая покрывается язвами и причиняет ему невыносимые страдания, лишая сна и энергии. Мысль о бесплодности усилий в борьбе за существование, о провале всех художественных планов заставляет его все чаще и чаще думать о самоубийстве. Но стоит только П. Гогену почувствовать малейшее облегчение, как натура художника одерживает в нем верх, а пессимизм рассеивается перед радостью жизни и творчества.

Однако то были редкие моменты, а несчастия следовали одно за другим с катастрофической регулярностью. И самым страшным было для него известие из Франции о смерти его любимой дочери Алины. Не в силах пережить утрату, П. Гоген взял огромную дозу мышьяка и ушел в горы, чтобы никто не мог помешать ему. Попытка самоубийства привела к тому, что он провел ночь в страшных мучениях, без всякой помощи и в полном одиночестве.

Долгое время художник находился в полной прострации, не мог держать кисть в руках. Единственным его утешением было огромное полотно (450 х170 см), написанное им перед попыткой самоубийства. Он назвал картину "Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?" и в одном из писем писал: "Я вложил в нее, прежде чем умереть, всю мою энергию, такую скорбную страсть в моих ужасающих обстоятельствах, и видение настолько ясное, без исправлений, что следы спешки исчезли и в нем видна вся жизнь".

П. Гоген работал над картиной в страшном напряжении, хотя замысел ее в своем воображении он вынашивал уже давно, он и сам не мог точно сказать, когда же впервые зародилась мысль об этом полотне. Отдельные фрагменты этого монументального произведения писались им в разные годы и в других произведениях. Например, женская фигура из "Таитянских пасторалей" повторяется в этой картине рядом с идолом, центральная фигура сборщика фруктов встречалась в золотистом этюде "Мужчина, собирающий плоды с дерева"...

Мечтая расширить возможности живописи, Поль Гоген стремился придать своей картине характер фрески. С этой целью он оставляет два верхних угла (один - с названием картины, другой - с подписью художника) желтыми и не заполненными живописью - "подобно фреске, поврежденной по углам и наложенной на золотую стену".

Весной 1898 года он послал картину в Париж, а в письме критику А. Фонтена сообщал, что ставил своей целью "не создание сложной цепи хитроумных аллегорий, которые нужно было бы разгадывать. Напротив, аллегорическое содержание картины чрезвычайно просто - но не в смысле ответа на поставленные вопросы, а в смысле самой постановки этих вопросов". Поль Гоген и не собирался отвечать на вопросы, вынесенные им в название картины, ибо считал, что они есть и будут жуткой и самой сладкой загадкой для человеческого сознания. Поэтому суть аллегорий, изображенных на этом полотне, заключается в чисто живописном воплощении этой таящейся в природе загадки, священного ужаса перед бессмертием и перед тайной бытия.

В первый свой приезд на Таити П. Гоген взглянул на мир восторженными глазами большого ребенка-народа, для которого мир еще не утратил своей новизны и пышной самоцветности. Его детски экзальтированному взору открылись в природе незримые для других краски: изумрудные травы, сапфировое небо, аметистовая солнечная тень, рубиновые цветы и червонное золото кожи маори. Таитянские картины П. Гогена этого периода пламенеют благородным золотым заревом, как витражи готических соборов, отливают царственным великолепием византийских мозаик, благоухают сочными разливами красок.

Одиночество и глубокое отчаяние, владевшие им во второй приезд на Таити, заставили П. Гогена видеть все только в черном цвете. Однако природное чутье мастера и его глаз колориста не позволили художнику окончательно утратить вкус к жизни и ее краскам, хотя он и создал полотно мрачное, писал его в состоянии мистического ужаса.

Так что же все-таки таит в себе эта картина? Подобно восточным рукописям, которые следует читать справа налево, содержание картины разворачивается в том же направлении: шаг за шагом раскрывается течение человеческой жизни - от ее зарождения до смерти, несущей страх небытия.

Перед зрителем на большом, вытянутом по горизонтали холсте изображен берег лесного ручья, в темных водах которого отражаются таинственные, неопределенные тени. На другом берегу - густая, пышная тропическая растительность, изумрудные травы, густо-зеленые кусты, диковинные синие деревья, "растущие словно не на земле, но в раю".

Стволы деревьев странно извиваются, переплетаются, образуя кружевную сеть, сквозь которую вдалеке виднеется море с белыми гребнями прибрежных волн, темно-фиолетовая гора на соседнем острове, голубое небо - "зрелище девственной природы, которая могла бы быть раем".

На ближайшем плане картины на земле, свободной от всяких растений, расположилась вокруг каменного изваяния божества группа людей. Персонажи не объединены каким-либо одним событием или общим действием, каждый занят своим и погружен в себя. Покой спящего младенца охраняет большой черный пес; "три женщины, присевшие на корточки, будто прислушиваются к себе, замерев в ожидании какой-то нечаянной радости. Стоящий в центре юноша двумя руками срывает с дерева плод... Одна фигура, нарочито огромная вопреки законам перспективы... поднимает руку, с удивлением глядя на двух персонажей, осмеливающихся думать о своей судьбе".

Рядом со статуей одинокая женщина, будто машинально, идет в сторону, погруженная в состояние напряженного, сосредоточенного размышления. Навстречу ей по земле движется птица. В левой стороне холста сидящий на земле ребенок подносит ко рту плод, кошка лакает из миски... И зритель спрашивает себя: "Что все это значит?"

На первый взгляд, это как будто повседневная жизнь, но, помимо прямого смысла, каждый образ несет в себе поэтическое иносказание, намек на возможность переносного истолкования. Так, например, мотив лесного ручья или бьющей из земли ключевой воды - это любимая гогеновская метафора источника жизни, таинственного начала бытия. Спящий младенец олицетворяет целомудрие рассвета человеческой жизни. Срывающий с дерева плод юноша и сидящие на земле справа женщины воплощают идею органического единения человека с природой, естественности его существования в ней.

Человек с поднятой рукой, с удивлением глядящий на подруг, - это первый проблеск беспокойства, начальный порыв к постижению тайн мира и бытия. Другие раскрывают дерзость и страдание человеческого разума, тайну и трагедию духа, которые заключены в неизбежности познания человеком своего смертного удела, краткости земного существования и неотвратимости конца.

Многие пояснения дал сам Поль Гоген, однако он предостерегал от стремления видеть в его картине общепринятые символы, слишком прямолинейно расшифровывать образы, а тем более искать ответы. Некоторые искусствоведы считают, что подавленное состояние художника, приведшее его к попытке самоубийства, выразилось в строгом, лаконичном художественном языке. Они отмечают, что картина перегружена мелкими деталями, которые общего замысла не проясняют, а только запутывают зрителя. Даже пояснения в письмах мастера не могут рассеять тот мистический туман, который он вложил в эти детали.

Сам П. Гоген расценивал свое произведение как духовное завещание, может быть, поэтому картина и стала живописной поэмой, в которой конкретные образы претворились в возвышенную идею, а материя - в дух. В сюжете полотна преобладает поэтическое настроение, богатое неуловимыми оттенками и внутренним смыслом. Однако настроение покоя и благодати уже подернуто смутным беспокойством соприкосновения с миром таинственного, рождает ощущение скрытой тревоги, мучительной неразрешимости сокровенных загадок бытия, тайны прихода в мир человека и тайны его исчезновения. На картине счастье омрачнено страданием, духовная мука омыта сладостью физического существования - "золотой ужас, прикрытый радостью". Все нераздельно, как в жизни.

П. Гоген сознательно не исправляет неправильные пропорции, стремясь во что бы то ни стало сохранить свою эскизную манеру. Эту эскизность, незаконченность он ценил особенно высоко, считая, что именно она вносит в полотно живую струю и сообщает картине особую поэзию, не свойственную вещам отделанным и чрезмерно законченным.

Итальянские ученые заявили, что они нашли останки, которые могут принадлежать Лизе дель Джокондо. Возможно, тайна «Моны Лизы» будет раскрыта. В честь этого вспомним самые загадочные картины в истории.

1. Джоконда
Первое, что приходит на ум, когда заходит речь о загадочных картинах, либо о картинах-загадках - это «Мона Лиза», написанная Леонардо да Винчи в 1503-1505 годах. Грюйе писал, что эта картина может свести с ума любого, кто, насмотревшись вдоволь на нее, начнет вести о ней разговоры.
«Загадок» в этой работе да Винчи находят множество. Искусствоведы пишут диссертации по наклону руки Мона Лизы, медицинские специалисты ставят диагнозы (от такого, что у Джоконды нет передних зубов до такого, что Мона Лиза - мужчина). Есть даже версия, что Джоконда - это автопортрет художника.
Кстати, особую популярность картина приобрела только в 1911 году, когда была украдена итальянцем Винченцо Перуджио. Нашли его по отпечатку пальца. Так «Мона Лиза» ещё и стала первым успехом дактилоскопии, и огромным успехом маркетинга рынка искусств.

2. Черный квадрат


Всем известно, что «Черный квадрат» на самом деле не черный, и не квадрат. Это действительно не квадрат. В каталоге к выставке он был заявлен Малевичем как «четырехугольник». И действительно не черный. Художник не использовал черную краску.
Меньше известно, что Малевич считал «Черный квадрат» своим лучшим произведением. Когда художника хоронили, «Черный квадрат» (1923) стоял в изголовье гроба, тело Малевича было накрыто белым холстом с нашитым квадратом, черный квадрат был нарисован и на крышке гроба. Даже на поезде и кузове грузовика были изображены черные квадраты.

3. Крик

С картиной «Крик» загадочно не то, что она якобы тяжело влияет на людей, заставляя их чуть ли не совершать самоубийство, а то, что эта картина - по сути, реализм для Эдварда Мунка, который в пору написания этого шедевра страдал от маниакально-депрессивного психоза. Он даже вспоминал, как именно он увидел то, что написал.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».

4. Герника


Пикассо написал «Гернику» в 1937 году. Картина посвящена бомбардировке города Герника. Говорят, когда Пикассо в 1940 году вызвали в гестапо и спросили про «Гернику»: «Это сделали вы?», художник ответил:«Нет, это сделали вы».
Огромную фреску Пикассо писал не дольше месяца, работая по 10-12 часов в сутки. «Герника» считается отражением всего ужаса фашизма, бесчеловечной жестокости. Те, кто видел картину своими глазами, утверждают, что она порождает тревогу, а иногда и панику.

5. Иван Грозный и сын его Иван


Все мы знаем картину «Иван Грозный и сын его Иван», называя её обычно «Иван грозный убивает своего сына».
Между тем, убийство Иваном Васильевичем своего наследника, весьма спорный факт. Так, в 1963 году в Архангельском соборе Московского Кремля была вскрыты гробницы Ивана Грозного и его сына. Исследования позволили утверждать, что царевич Иоанн был отравлен.
Содержание яда в его останках во много раз превышает допустимую норму. Интересно, что тот же яд был найден и в костях Ивана Васильевича. Ученые заключили, что царская семья на протяжении нескольких десятилетий была жертвой отравителей.
Иван Грозный не убивал своего сына. Именно такой версии придерживался, например, обер-прокурор Святейшего Синода Константин Победоносцев. Увидев на выставке знаменитую картину Репина, он был возмущен и писал императору Александру III: «Нельзя назвать картину исторической, так как этот момент… чисто фантастический». Версия же об убийстве была основана на рассказах папского легата Антонио Поссевино, которого сложно назвать незаинтересованным лицом.
На картину однажды было совершено настоящее покушение.
16 января 1913 года двадцатидевятилетний иконописец-старообрядец Абрам Балашов нанес ей три удара ножом, после чего лица изображенных на картине Иванов Илье Репину пришлось писать фактически заново. После происшествия, тогдашний хранитель Третьяковской галереи Хруслов, узнав о вандализме, бросился под поезд.

6. Руки противятся ему


Картина Билла Стоунхема, написанная им в 1972 году, прославилась, скажем прямо, не самой доброй славой. Согласно информации на E-bay, картина через некоторое время после покупки была найдена на свалке. В первую же ночь, как картина оказалась в доме нашедшей её семьи, дочь прибежала к родителям в слезах, жалуясь, что «дети на картине дерутся».
С того времени за картиной очень нехорошая репутация. Купившему её в 2000 году Киму Смиту постоянно приходят гневные письма с требованием сжечь картину. Также в газетах писали, что в холмах Калифорнии иногда появляются призраки, как две капли воды похожие на детей с картины Стоунхема.

7. Портрет Лопухиной


Наконец, «нехорошая картина» - портрет Лопухиной, написанный Владимиром Боровиковским в 1797 году, через некоторое время стал иметь дурную славу. На портрете была изображена Мария Лопухина, которая скончалась вскоре после написания портрета. Люди стали говорить, что картина «отбирает молодость» и даже «сводит в могилу».
Достоверно неизвестно, кто пустил такой слух, но после того, как Павел Третьяков «бесстрашно» приобрел портрет для своей галереи, разговоры о «загадке картины» поутихли.

Сегодня мы хотели бы немного рассказать вам о тех людях, которые, на наш взгляд, являются одними из самых необычных художников современности. Они используют нестандартные техники, необычные идеи, вкладывая в свои уникальные работы весь свой креатив и талант.

1. Лоренцо Дюран

Его способ создания картин основан на исторических исследованиях резки по бумаге в Китае, Японии, Германии и Швейцарии. Он собирает листья, моет, сушит их, спрессовывает и аккуратно вырезает на них свои картины.

2. Nina Aoyama

На первый взгляд, может показаться, что эта юная француженка не делает ничего особенного — просто вырезает из бумаги. Но свои вырезки она наклеивает на ткань или стекло, и получается такая красота!

3. Claire Morgan

Британская художница Claire Morgan создает необычные инсталляции, которые застывают прямо в воздухе. Рабочим материалом для художницы служат сухие растения, зерна, насекомые, чучела животных и свежие фрукты. Тысячи деталей инсталляции с ювелирной точностью закреплены на тонкой леске. Воздушные скульптуры Claire Morgan посвящены Земле и всему живому на ней обитающему.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey создает картины из корешков книг. Он выстраивает из книг целую стену, и на их корешках пишет свои картины. Майк долгое время мечтал издать альбом со своими картинами, но ни одно издательство не бралось за это. Его живопись не находила отклик в среде критиков. Тогда художник решил, пусть книги расскажут о его творчестве.

5. Джим Деневан

Джим рисует на песке узоры с небывалой математической точностью. Джим рисует в основном на пляжах, однако в последнее время он начал рисовать и в пустынях. «На пляже у меня не так много времени, как в пустынях, — говорит он. – Ведь океан очень быстро все смывает».

6. Vhils

Его работы необычны тем, что он выцарапывает их на старой штукатурке.

7. Брюс Мунро

В своем творчестве он работает со светом. Не так давно открылась его инсталляция очередного поля света в английском городе Бат. Она представляет собой поле усеянное лампами на тонких пластиковых стебельках. Выглядит как декорация для фильма «Аватар».

8. Jason Mecier

Проблема наркомании остро стоит во всем мире. В попытке обратить на нее внимание широкой общественности, талантливый американский художник Jason Mecier выполнил портреты звезд из таблеток. Самое интересное, что художник в качестве материала для своих полотен использовал только таблетки, которые отпускают по специальному рецепту, которые он легально никак не мог бы раздобыть. Можно сказать, что Джейсон совершил противозаконный акт, но тем самым он привлек внимание к нелегальному распространению наркотических средств.

9. Дженнифер Маестре

Среди благородных произведений искусства, которые радуют глаз и вызывают только положительные эмоции, есть полотна, мягко сказать, странные и шокирующие. Представляем вашему вниманию 20 картин, принадлежащих кисти всемирно известных художников, которые заставляют ужаснуться…

«Проигрыш разума перед материей»

Картина, написанная в 1973 году австрийским художником Отто Раппом. Он изобразил разлагающуюся человеческую голову, надетую на птичью клетку, в которой лежит кусок плоти.

«Подвешенный живой негр»

Это ужасное творение Уильяма Блейка изображает раба-негра, который был повешен на виселицу с помощью крючка, продетого через его ребра. Работа основана на рассказе голландского солдата Стэдмена – очевидце подобной жестокой расправы.

«Данте и Вергилий в аду»

Картина Адольфа Вильям Бугро была вдохновлена короткой сценой о битве между двумя проклятыми душами из «Ада» Данте.

«Ад»

Картина «Ад» немецкого художника Ганса Мемлинга, написанная в 1485 году, является одной из самых страшных художественных творений своего времени. Она должна была подтолкнуть людей к добродетели. Мемлинг усилил ужасающий эффект сцены, добавив подпись: «В аду искупления нет «.

«Великий красный дракон и морское чудовище»

Известный английский поэт и художник XIII века Уильям Блейк в момент озарения создал серию акварельных картин, изображающих великого красного дракона из Книги Откровений. Красный Дракон являлся воплощением дьявола.

«Дух воды»

Художник Альфред Кубин считается крупнейшим представителем символизма и экспрессионизма и известен своими темными символическими фантазиями. «Дух воды» — одна из таких работ, изображающих бессилие человека перед морской стихией.

«Necronom IV»

Это страшное творение известного художника Ганса Рудольфа Гигера было вдохновлено фильмом «Чужой». Гигер страдал от ночных кошмаров и его все картины были вдохновлены этими видениями.

«Свежевание Марсия»

Созданная художником времен итальянского Возрождения Тицианом картина «Свежевание Марсия» в настоящее время находится в Национальном музее в Кромержиже в Чехии. Художественное произведение изображает сцену из греческой мифологии, где с сатира Марсия сдирают кожу за то, что он осмелился бросить вызов богу Аполлону.

«Искушение Святого Антония»

Матиас Грюневальд изображал религиозные сюжеты Средних веков, хотя сам жил во времена Возрождения. Говорили, что святой Антоний столкнулся с испытаниями своей веры во время молитвы в пустыне. Согласно легенде его убили демоны в пещере, затем он воскрес и уничтожил их. Эта картина изображает Святого Антония, подвергнувшегося атаке демонов.

«Отрубленные головы»

Самая известная работа Теодора Жерико – это «Плот Медузы», огромная картина, написанная в романтическом стиле. Жерико пытался разбить рамки классицизма, перейдя к романтизму. Эти картины были начальным этапом его творчества. Для своих работ он использовал настоящие конечности и головы, которые находил в моргах и лабораториях.

«Крик»

Это известнейшее полотно норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка было вдохновлено безмятежной вечерней прогулкой, во время которой художник стал свидетелем кроваво-красного заходящего солнца.

«Смерть Марата»

Жан-Поль Марат был одним из лидеров Французской революции. Страдая от болезни кожи, он проводил большую часть времени в ванной, где он работал над своими записями. Там же он и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображали несколько раз, но именно работа Эдварда Мунка отличается особой жестокостью.

«Натюрморт из масок»

Эмиль Нольде был одним из ранних художников-экспрессионистов, хотя его славу затмили другие, такие как, например, Мунк. Нольде написал эту картину после изучения масок в Берлинском музее. На протяжении всей жизни он увлекался другими культурами, и эта работа не является исключением.

«Gallowgate Lard»

Эта картина ни что иное, как автопортрет шотландского автора Кена Карри, который специализируется на мрачных, социально-реалистических картинах. Любимая тема Карри — тусклая городская жизнь шотландского рабочего класса.

«Сатурн, пожирающий своего сына»

Одна из самых известных и зловещих работ испанского художника Франсиско Гойя была нарисована на его стене дома в 1820 — 1823 гг. Сюжет основан на греческом мифе о титане Хроносе (в Риме — Сатурн), который опасался, что будет свергнут одним из своих детей и съедал их сразу после рождения.

«Юдифь, убивающая Олоферна»

Казнь Олоферна изображали такие великие художники, как Донателло, Сандро Боттичелли, Джорджоне, Джентилески, Лукас Кранах старший и многие другие. На картине Караваджо, написанной в 1599 году, изображён самый драматичный момент этой истории — обезглавливание.

«Кошмар»

Картина швейцарского живописца Генриха Фюзели была впервые показана на ежегодной выставке Королевской Академии в Лондоне в 1782 году, где она шокировала и посетителей, и критиков.

«Избиение младенцев»

Это выдающееся произведение искусства Петера Пауля Рубенса, состоящее из двух картин, было создано в 1612 году, как полагают, под влиянием работ известного итальянского художника Караваджо.

«Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса»

В основе этого устрашающего образа одного из самых влиятельных художников ХХ века Фрэнсиса Бэкона — парафраз известного портрета Папы Иннокентия X, написанного Диего Веласкесом. Забрызганный кровью, с мучительно искаженным лицом, Папа изображен сидящим в металлической трубчатой конструкции, которая при ближайшем рассмотрении является троном.

«Сад земных наслаждений»

Это самый известный и пугающий триптих Иеронима Босха. На сегодняшний день существует множество толкований картины, но ни одно их них не было окончательно подтверждено. Возможно, произведение Босха олицетворяет Райский сад, Сад земных наслаждений и Наказания, которые придется понести за смертные грехи, совершенные при жизни.

Изобразительное искусство способно подарить целую гамму эмоций. Некоторые картины заставляют вглядываться в них часами, другие же буквально шокируют, изумляют и взрывают мировоззрение. Есть такие шедевры, которые заставляют задуматься и искать тайный смысл. Некоторые картины окутаны мистическими загадками, в других же главное - их непомерно высокая цена.

В истории мировой живописи странных картин немало. В нашем рейтинге умышленно не будет упоминать Сальвадора Дали, который был мастером в таком жанре и чье имя первым приходит на ум. И хотя само понятие странности носит субъективный характер, можно выделить те известные работы, которые явно выбиваются из общего ряда.

Эдвард Мунк "Крик". Работа размером 91х73,5 см была создана в 1893 года. Мунк писал ее маслом, пастелью и темперой, сегодня картина хранится в Национальной галерее Осло. Творение художника стало знаковым для импрессионизма, это вообще одно из самых известных на сегодня картин в мире. Сам Мунк так поведал историю ее создания: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями. В это время солнце садилось. Вдруг небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор. Я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я все стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Есть две версии толкования смысла нарисованная. Можно считать, что изображенный персонаж охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижав руки к ушам. Другая же версия гласит, что человек закрыл свои уши от кричащего вокруг него крика. Всего Мунк создал целых 4 версии "Крика". Некоторые специалисты считают, что эта картина является классическим проявлением того маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. Когда Мунк пролечился в клинике, к этому полотну он уже не возвращался.

Поль Гоген "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?". В бостонском музее изящных искусств можно найти эту работу импрессиониста размером 139,1х374,6 см. Написана она маслом на холсте в 1897-1898 годах. Эта глубокая работа была написана Гогеном на Таити, куда он удалился от суеты парижской жизни. Картина стала настолько важной для художника, что по ее окончании он даже хотел покончить с собой. Гоген считал, что она на голову лучше всего, что он создал до этого. Художник полагал, что не сможет уже создать что-то лучшее или похожее, ему просто не к чему больше стремиться. Гоген прожил еще 5 лет, доказав истинность своих суждений. Сам он говорил, что его главную картину надо рассматривать справа налево. На ней присутствуют три основные группы фигур, которые и олицетворяют те вопросы, которыми озаглавлено полотно. Три женщины с ребенком показывают начало жизни, в середине люди символизируют зрелость, старость же представлена пожилой женщиной, которая ждет своей смерти. Кажется, что она смирилась с этим и думает о чем-то своем. У ее ног расположилась белая птица, символизирующая бессмысленность слов.

Пабло Пикассо "Герника". Творение Пикассо хранится в мадридском музее королевы Софии. Большая картина размером 349 на 776 см написана маслом на холсте. Это полотно-фреска была создана в 1937 году. Картина рассказывает о налете фашистских летчиков-добровольцев на город Герника. В результате тех событий город с населением в 6 тысяч человек был полностью стерт с лица земли. Эту картину художник создал буквально за месяц. В первые дни Пикассо творил по 10-12 часов, в первых же его набросках уже просматривалась главная идея. В итоге картина стала одной из лучших иллюстраций всех ужасов фашизма, жестокости и человеческого горя. В "Гернике" можно рассмотреть сцена зверства, насилия, смерти, страданий и беспомощности. Хотя причины такого явно не указаны, они ясны из истории. Говорят, что в 1940 году Пабло Пикассо в Париже даже вызывали в Гестапо. Его сразу же спросили: "Вы это сделали?". На что художник ответил: "Нет, это сделали Вы".

Ян ван Эйк "Портрет четы Арнольфини". Эта картина была написана в 1434 году маслом по дереву. Размеры шедевра составляют 81.8х59.7 см, а хранится он в Лондонской национальной галерее. Предположительно на картине изображен Джованни ди Николао Арнольфини вместе со своей супругой. Работа является одной из самых сложных в западной школе живописи времен Северного Возрождения. В этой знаменитой картине огромное количество символов, аллегорий и различных зацепок. Чего стоит только подпись художника "Ян ван Эйк был тут". В итоге картина является не просто произведением искусства, а настоящим историческим документом. Ведь на ней изображено реальное событие, которое запечатлел ван Эйк. Эта картина в последнее время стала очень популярна в России, ведь невооруженным взглядом заметно сходство Арнольфини с Владимиром Путиным.

Михаил Врубель "Демон сидящий". В Третьяковской галерее хранится этот шедевр Михаила Врубеля, написанный им маслом в 1890 году. Размеры холст - 114х211 см. Изображенный тут демон удивляет. Он предстает грустным юношей с длинными волосами. Обычно люди не так представляют злых духов. Сам же Врубель о своем самом знаменитом полотке говорил, что в его понимании демон не столько злобный дух, сколько страдающий. При этом нельзя отказать ему во властности и величавости. Демон Врубеля является образом, прежде всего духа человека, царящей внутри нас постоянной борьбы с самим собой и сомнений. Это существо в окружении цветов трагически сцепило руки, его огромные глаза с грустью смотрят вдаль. Вся композиция выражает стеснение фигуры демона. Он будто бы зажат в этом образе между верхом и низом рамы картины.

Василий Верещагин "Апофеоз войны". Картина была написана в 1871 году, но в ней автор словно бы предвидел ужасы будущих Мировых войн. Холст размером 127х197 см хранится в Третьяковской галерее. Верещагин считается одним из самых лучших баталистов в российской живописи. Однако войны и сражения он писал отнюдь не потому, что любил их. Художник средствами изобразительного искусства пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин даже пообещал больше не писать батальных картин. Ведь горе каждого раненного и убитого солдата художник воспринимал слишком близко к сердцу. Результатом такого проникновенного отношения к этой тематике и стал "Апофеоз войны". Страшная и завораживающая картина изображает гору человеческих черепов на поле с воронами вокруг. Верещагин создал эмоциональное полотно, за каждым черепом в огромной груде прослеживается история и судьба личностей и близких им людей. Сам художник саркастически называл эту картину натюрмортом, ведь на нем изображена мертвая природа. Все детали "Апофеоза войны" кричат о смерти и пустоте, это видно даже в желтом фоне земли. А синева неба только подчеркивает смерть. Идея ужасов войны подчеркивает дырками от пуль и следами сабель на черепах.

Грант Вуд "Американская готика". Эта небольшая картина имеет размера 74 на 62 см. Она была создана в 1930 году, а сейчас хранится в Чикагском институте искусств. Картина является одним из самых известных примеров американского искусства прошлого века. Уже в наше время имя "Американской готики" часто упоминается в СМИ. Картина изображает довольно мрачного отца и его дочь. Многочисленные детали рассказывают о суровости, пуританстве и закостенелости этих людей. У них недовольные лица, посередине картины оказались агрессивные вилы, а одежда пары является старомодной даже по меркам того времени. Даже шов на одежде фермера повторяет форму вил, удваивая угрозу тем, кто посягнет на его образ жизни. Детали картины можно изучать бесконечно, физически ощущая дискомфорт. Интересно, что в свое время на конкурсе в Чикагском институте искусств картина была принята судьями, как юмористическая. А вот жители Айовы обидели на художника за то, что он выставил их в таком неприглядном ракурсе. Моделью для женщины выступила сестра Вуда, а вот прототипом сердитого мужчины стал зубной врач живописца.

Рене Магритт "Влюбленные". Картина была написана в 1928 году маслом на холсте. При этом существует два ее варианта. На одном из них мужчина и женщина целуются, вот только их головы закутаны белой тканью. На другой версии картины влюбленные смотрят на зрителя. Нарисованное и удивляет, и завораживает. Фигуры без лиц символизируют слепоту любви. Известно, что влюбленные не видят никого вокруг, мы же не можем разглядеть их истинных чувств. Даже друг для друга эти люди, ослепленные чувством, на самом деле загадка. И хотя основной посыл картины и кажется понятным, "Влюбленные" все равно заставляют смотреть на них и думать о любви. У Магритта вообще почти все картины являются ребусами, разгадать которые полностью невозможно. Ведь эти полотна ставят главные вопросы о смысле нашей жизни. В них художник говорит об иллюзорности того, что мы видим, о том, что вокруг нас много таинственных вещей, которых мы стараемся не замечать.

Марк Шагал "Прогулка". Картина была написана маслом на холсте в 1917 году, сейчас она хранится в Государственной Третьяковской Галерее. В своих работах Марк Шагал обычно серьезен, но тут он позволил себе проявить чувства. Картина выражает личное счастье художника, в ней полно любви и аллегорий. Его "Прогулка" является автопортретом, где Шагал изобразил рядом с собой свою супругу Беллу. Его избранница парит в небе, она вот-вот утащит туда и художника, который и так почти уже оторвался от земли, касаясь ее только кончиками обуви. В другой руке мужчины - синица. Можно сказать, что так Шагал изобразил свое счастье. У него и журавль в небе в виде любимой женщины, и синица в руках, под которой он подразумевал свое творчество.

Иероним Босх "Сад земных наслаждений". Этот холст размером 389х220 см хранится в испанском музее Право. Босх написал картину маслом на дереве в 1500-1510 годы. Это самый знаменитый триптих Босха, хотя картина и имеет три части, названа она по имени центральной, посвященной сладострастию. Вокруг смысла странной картины постоянно ведутся споры, нет такого ее толкования, которое бы признали единственно верным. Интерес к триптиху появляется из-за множества мелких деталей, которыми и выражена главная идея. Есть тут полупрозрачные фигуры, необычные сооружения, чудовища, воплотившиеся ночные кошмары и видения и адские вариации реальности. На все это художник смог взглянуть острым и испытующим взглядом, сумев соединить непохожие элементы в единое полотно. Некоторые исследователи пытались увидеть в картине отображение человеческой жизни, которую автор показал тщетной. Другие нашли образы любви, кто-то обнаружил торжество сладострастия. Однако сомнительно, что автор пытался прославить плотские наслаждения. Ведь фигурки людей изображены с холодной отстраненностью и простодушием. Да и церковные власти довольно благосклонно отнеслись к этой картине Босха.

Густав Климт "Три возраста женщины". В Римской Национальной галерее современного искусства располагается эта картина. Квадратное полотно шириной 180 см было написано маслом на холсте в 1905 году. Эта картина выражает одновременно и радость, и печаль. Художник в трех фигурах смог показать всю жизнь женщины. Первая, еще ребенок, крайне беззаботная. Зрелая женщина выражает умиротворение, а последний возраст символизирует отчаяние. При этом средний возраст органично вплетен в жизненный орнамент, а старый заметно выделяется на его фоне. Явный контраст между молодой женщиной и пожилой является символом. Если расцвет жизни сопровождается многочисленными возможностями и изменениями, то последняя фаза - это закоренелое постоянство и конфликт с действительностью. Такая картина привлекает внимание и заставляет задуматься о замысле художника, его глубине. В ней вся жизнь с ее неизбежностью и метаморфозами.

Эгон Шиле "Семья". Этот холст размером 152.5х162.5 см написан маслом в 1918 году. Ныне он хранится в венском "Бельведере". Учителем Шиле являлся сам Климт, однако ученик вовсе не старался его старательно копировать, ища свои методы выражения. Можно смело утверждать, что работы Шиле еще куда более трагичные, пугающие и странные, чем у Климта. Некоторые элементы сегодня назвали бы порнографическими, есть тут множество разных перверсий, во всей красоте присутствует натурализм. При этом картины буквально пронизаны каким-то щемящим отчаянием. Вершиной творчества Шиле и его самой последней картиной является "Семья". В этом полотне отчаяние доведено к максимуму, при этом само произведение для автора оказалось наименее странным. После того, как от испанского гриппа скончалась беременная жена Шиле, и незадолго до его смерти был создан этот шедевр. Между двумя смертями прошло всего 3 дня, их хватило художнику, чтобы изобразить себя с супругой и своего, так и не рожденного ребенка. На тот момент Шиле было всего 28 лет.

Фрида Кало "Две Фриды". Картина появилась на свет в 1939 году. Мексиканская художница Фрида Кало стала известна после выхода в свет кинокартины о ней с Сальмой Хайек в главной роли. В основе творчества художницы лежали ее автопортреты. Сама она объясняла этот факт так: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". Интересно, что ни на одном из своих полотен Фрида не улыбается. Ее лицо серьезно, даже в чем-то скорбно. Сросшиеся густые брови и едва заметные усики над сжатыми губами выражают максимальную серьезность. Идеи же картин кроются в фигурах, фоне и деталях того, что окружают Фриду. Символика картин опирается на национальные традиции Мексики, тесно переплетаясь со старой индейской мифологией. "Две Фриды" является одной из самых лучших картин мексиканки. В ней оригинальным образом отображены мужское и женское начало, имеющих единую кровеносную систему. Таким образом, художница показала единство и целостность этих двух противоположностей.

Клод Моне "Мост Ватерлоо. Эффект тумана". В Санкт-Петербургском Эрмитаже можно найти эту картину Моне. Она была написана маслом на холсте в 1899 году. При близком рассмотрении картины она предстает фиолетовым пятном с нанесенными на него густыми мазками. Однако отдаляясь от полотна, зритель понимает всю его магию. Сперва становятся видны неясные полуокружности, проходящие по центру картины, проявляются очертания лодок. А с расстояния в пару метров можно увидеть уже все элементы картины, которые связываются в логическую цепочку.

Джексон Поллок "Номер 5, 1948". Поллок является классиком жанра абстрактного экспрессионизма. Его самая известная картина является на сегодня самой дорогой в мире. А нарисовал ее художник в 1948 году, просто разливая масляную краску по фибролиту размером 240х120 см полу. В 2006 году эта картина была продана на аукционе "Сотбис" на 140 миллионов долларов. Предыдущий хозяин, коллекционер и кинопродюсер Дэвид Гиффен, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. Поллок говорил, что решил отойти от таких привычных инструментов художника, как мольберт, краски и кисти. Его инструментами стали палочки, ножи, совки и льющаяся краска. Он использовал также смесь ее с песком или даже битое стекло. Начиная творить. Поллок отдается вдохновению, не осознавая даже, что делает. Только потом приходит осознание совершенного. При этом у художника нет страха разрушить образ или изменить его ненароком - картина начинает жить собственной жизнью. Задача Поллока - помочь ей родиться, выйти наружу. А вот если мастер потеряет контакт со своим творением, то на выходе получится хаос и грязь. В случае успеха картина воплотит в себе чистую гармонию, легкость получения и воплощения вдохновения.

Жоан Миро "Мужчина и женщина перед кучей экскрементов". Эта картина ныне хранится в фонде художника в Испании. Она написана маслом на листе меди в 1935 году всего за неделю с 15 по 22 октября. Размер творения всего 23х32 см. Несмотря на такое провокационное название, картина говорит об ужасах гражданских войн. Сам автор, таким образом, изобразил события тех лет, происходящие в Испании. Миро попытался показать период беспокойства. На картине можно рассмотреть неподвижных мужчину и женщину, которые, тем не менее, тянутся друг к другу. Полотно насыщено зловещими ядовитыми цветами, вместе с увеличенными половыми органами это выглядит нарочито отвратительно и гадливо сексуально.

Яцек Йерка "Эрозия". В работах этого польского неосюрреалиста картины действительности, переплетаясь, порождают новую реальность. В чем-то даже умилительные картины являются крайне детальными. В них чувствуются отголоски сюрреалистов прошлого, от Босха до Дали. Йерка рос в атмосфере средневековой архитектуры, чудом уцелевшей после бомбежек Второй мировой войны. Рисовать он начал еще до поступления в университет. Там попытались было изменить его стиль на более современный и менее детализированный, но сам Йерка сохранил свою индивидуальность. Сегодня его необычные картины выставляются не только в Польше, но и в Германии, Франции, Монако, США. Есть они в ряде коллекций по всему миру.

Билл Стоунхэм "Руки противятся ему". Картина, написанная в 1972 году классикой живописи назвать тяжело. Однако нет никаких сомнений, что она входит в число самых странных творений художников. На картине изображен мальчик, рядом с ним стоит кукла, а сзади к стеклу прижаты многочисленные ладошки. Это полотно странное, загадочное и в чем-то мистическое. Оно уже обросло легендами. Говорят, что из-за этой картины кто-то умер, а дети на ней - живые. Выглядит она и вправду жутковато. Неудивительно, что людям с больной психикой картина навевает страхи и жуткие фантазии. Сам же Стоунхэм заверял, что нарисовал самого себя в возрасте 5 лет. Дверь же за мальчиком является барьером между реальностью и миром сновидений. Кукла же является проводником, которая может проводить ребенка из одного мира в другой. Руки же являются альтернативными жизнями или возможностями человека. Картина стала знаменитой в феврале 2000 года. Ее выставили на продажу на eBay, поведав, что на ней есть привидения. В итоге "Руки противятся ему" была куплена за 1025 долларов Кимом Смит. Вскоре покупатель был буквально завален письмами со страшными историями, связанными с картиной, и требованиями уничтожить это полотно.