У многих людей стиль готика ассоциируется с готами, крестами и черными замками. Но все ли было так уныло в XII в., когда этот стиль только вошел в моду? Конечно же, нет. Готика - это в первую очередь легкость и возвышенность. В этот период люди начали тянуться к просвещению и вслед за этим к чему-то прекрасному. Сегодня мы поподробней поговорим о стиле готика: где и вследствие чего он появился, основные представители. В общем, читайте, будет интересно.

Кратко о стиле

Слово «готика» - это название стиля, который господствовал в Средневековье. Французы называли готику стрельчатым стилем. Это искусство берет свое начало в XII в. (до XV в.) Именно в это время в Европе начинается активная борьба католической церкви за власть. Поэтому все искусство, которое создавалось в этот период, было направлено на возвышение церкви и веры.

Строились новые соборы, которые были сами по себе прекрасны, а дополненные скульптурой и живописью выглядели просто божественно. В это время всеми художниками использовались аллегории. Теперь в картины, скульптуры и даже декоративные изделия стали закладывать скрытый смысл.

Главные черты

Если описывать готику кратко - это стиль, который противоречит всему, что было до него.

Поэтому формируется такой вид искусства, который отрицает классику и представляет собой закономерное развитие и видоизменение романского стиля.

Особенности стиля:

• Готика - это в первую очередь возвышенность и динамика. Вся архитектура стремится ввысь и развивается снизу вверх.
• Все здания, построенные в стиле готики, имели большую высоту. Этот эффект достигался не только за счет стен, но и за счет длинных, остроконечных крыш.
• Витражи стали использоваться повсеместно. Ими двери и даже потолки.
• Арки стали пользоваться популярностью среди архитекторов XII в., входные и межкомнатные пространства оформлялись именно в этом архитектурном решении.

• Скульптура с период готики получила широкое распространение. Скульпторы теперь украшали не только интерьеры и экстерьеры, но и занимались оформлением стен здания.

Архитектура

Главным образом готика проявилась именно в архитектуре. Людям после тяжеловесных зданий, построенных в романском стиле (с маленькими окнами и минимумом декоративных элементов), хотелось чего-то легкого и возвышенного.

Готика это желание удовлетворила. Данный стиль Средневековья делится на три периода:

1. Ранний. В зданиях этого периода еще прослеживается влияние романского стиля. Но все же уже явно наблюдается облегчение конструкций и вертикальный декор. Именно в это время появился и можно проследить уход архитекторов от цилиндрических сводов. Продуманная система колонн и контрфорсов позволила делать здания более легкими, ажурными. Самым ярким строением этого периода считается собор Парижской Богоматери.
2. Зрелый. В церквях этого периода прослеживается переход к каркасным конструкциям. Вместо стекол в середине XIII в. начинают использовать витражи. Сами окна, кстати говоря, становятся вытянутыми и приобретают форму заостренной арки. Практически все здания этого периода дополняются скульптурами и скульптурными композициями. Самые яркие постройки зрелой готики - соборы в Шартре и Реймсе.
3. Поздний. В этот период скульптура постепенно приобретает не библейский характер, а бытовой. Даже несмотря на то что мраморные и каменные изваяния украшали стены церкви, темой для творчества выступали сцены из жизни простых людей. Самые яркие строения поздней готики - это соборы: кафедральный в Мулене и Миланский.

Мебель

В готика - это возвышенность и легкость. Именно этого эффекта и пытались добиться мастера, которые изготавливали мебель. В первую очередь в обиходе средневекового человека были такие предметы интерьера, как столы, стулья, сундуки.

Самым распространённым и востребованным материалом был дуб. Несмотря на тяжеловесность материала, из-под умелых рук мастера выходили резные стулья с высокой спинкой, столы на изящных ножках и кровати с ажурными столбами для балдахина.

Несмотря на то что готика - это в первую очередь динамика, средневековые люди часто для украшения комнат использовали статичные кованые решетки. Ими украшались камины, реже окна.

Декоративно-прикладное искусство

Готика - это искусство позднего Средневековья. Люди предпочитали пользоваться предметами декора прошлых лет, но в новой интерпретации. Особой любовью пользовались кубки для вина и вазы. Люди не стремились к простоте, они использовали церковную атрибутику даже в собственных домах. Так, на столиках в гостиной можно было увидеть кресты и различные статуэтки на тему библейских сцен. Часто комната украшалась барельефами и статуями. Они могли носить не только библейский, но и мифологический характер.

Живопись

Стиль готики - это не только архитектура и скульптура, это еще и живопись. Именно в XIII-XIV вв. начал зарождаться реализм. Конечно, в готическую эпоху он не в полной мере сформировался, но все-таки самые значимые работы того периода, такие как А. Лоренцетти «Аллегория доброго правления», братья Ван Эйк «Гентский алтарь», были выполнены в зарождающемся стиле натурализма.

Лица всех главных героев довольно правдоподобны, хотя и чувства на них изображенные подчас слишком наигранные. Вообще, во времена готики было модно изображать на иконах яркие моменты проявления страстей. Например, Богоматерь очень часто на полотнах художников находится в обморочном состоянии, а на лицах женщин, ее окружающих, написана явная скорбь и сострадание.

Практически каждое полотно несло религиозный характер. Художники прорабатывали каждую деталь своей картины. Не было непродуманных моментов, и ни одна деталь не ускользала от внимания творца. Ведь вводить в свои полотна аллегории считалось хорошим вкусом. Поэтому можно найти много работ художников готики, где на алтаре подробно выписаны образы.

Одежда

В готике не только архитектура имела вытянутые формы. В одежде тоже прослеживается тенденция на остроконечность. В XIII-XIV вв. становятся популярны туфли с длинными острыми носами, остроконечные шляпы и двурогие шляпы. Удлиняются и подолы женских юбок.

Появляются шлейфы и длинные вуали. Корсеты из моды не выходят, но теперь девушки затягивают платья выше. Господствует одежда с завышенной талией и длинной узкой юбкой. Шьется все это в основном из бархата, но шелк из моды не выходит. В качестве украшения использовалось шитье. Преобладает растительный орнамент.

Мужская мода также характерна удлиненными формами. Но такую одежду предпочитало старшее поколение. Молодежь же щеголяла в укороченных штанах и жакетах. Мужские костюмы, так же как женские, украшаются золотым шитьем с замысловатым орнаментом. В моду входят длинные напудренные парики.

Готика (Готический стиль) – исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в период с XIII по XV века.

Общая характеристика стиля Готика

Готика –это огромные окна, многоцветные витражи, световые эффекты. Гигантские ажурные башни, подчеркнутая вертикальность всех конструктивных элементов.

Характерными элементами в дизайне интерьеров храмов становятся стройные колонны, сложные формы сводов, ажурные орнаменты, окна в форме розы и стрельчатые своды, оконные стекла в свинцовом обрамлении, из выпуклого стекла, но без занавесей.

Фантастичные, превосходящие все существующие до сих пор конструкции готики преодолевают громоздкость камня. Вследствие этого основными чертами могут считаться иррационализм, дематериализация, стремление вверх, мистика, легкость, экспрессивность.

Готика – венец средневековья, это яркие краски, позолота, сияние витражей, экспрессия, взлетающие в небо колючие иглы шпилей, симфония света, камня и стекла… Готический стиль характеризует заключительную стадию развития средневекового искусства Западной Европы. Факт рождения готического стиля можно считать кульминацией романского и вместе с тем – его преодолением. Долгое время элементы того и другого стиля сосуществовали, а переходное время XII в. носило возрожденческий характер.

Место рождения нового стиля – Париж. Здесь в 1136-1140 годах под руководством аббата Сугерия (Сюжера) были возведены два пролета главного нефа церкви аббатства Сен-Дени. Но строительство готического храма – задача для поколений. Собор Парижской Богоматери (Notre Dame de Paris), заложенный в 1163 году, строился более двухсот лет. Римский собор (длина – 150 метров, высота башен – 80 метров) строился с 1211 года до начала XIV века, Миланский собор – до XIX.

Парадоксальной особенностью готического стиля, совершенные формы которого демонстрируют иррационализм, дематериализацию и наивысшую, мистическую экспрессию, является то, что поводом (но не причиной) его возникновения послужили технические достижения – рациональное совершенствование строительной конструкции. История готической архитектуры – это история нервюры и аркбутана. Освобождение стен от нагрузки позволяло прорезать их огромными окнами –это стимулировало искусство витража. Интерьер храма становился высоким и светлым.

Особенности стиля Готика

Интерьеры с дизайном в готическом стиле отличаются величием и изяществом. Стены перестают быть конструктивным элементом, становятся более легкими, облицовываются деревом или украшаются стенной росписью ярких цветов, настенными гобеленами. Дощатые и каменные полы раннеготического интерьера позднее также застилались коврами. Характерными элементами становятся ажурные орнаменты, каменное кружево резьбы, стрельчатые своды. Над входом, как правило, красуется огромное витражное окно-роза. Оконные стекла в свинцовом обрамлении, из выпуклого стекла, но без занавесей. Потолки деревянные балочной конструкции или с открытыми оформленными стропилами; возможна декоративная роспись на потолке.

В строительстве и отделке готических зданий использовались в основном камень, мрамор, дерево (дуб, орех и ель, сосна, лиственница и кедр европейский, можжевельник). В декоре использовалась плиточная мозаика, майолика.

Цветные витражи в виде стрельчатых арок – одна из самых узнаваемых особенностей стиля готики. Огромные окна, для которых стены служат лишь легким каркасом, многоцветные витражи, световые эффекты, наконец, прекрасное окно-роза – все это и создает неповторимое “лицо” стиля готики.

Теологи приписывали витражам способность просветлять душу человека и удерживать его от зла. Истоки этого вида изобразительного искусства восходят к поздней античности.

Уникальные эффекты витража объясняются прозрачностью его основы – цветного стекла; использовавшаяся же для прорисовки контуров черная краска была непрозрачной. В орнаментальных зонах витража доминируют красный и синий тона, в сюжетных – белый, различные оттенки фиолетового, желтый и зеленый.

“Готические розы”, красочные витражи, раскрашенная скульптура – все это говорит об особой роли цвета в средневековье. В дизайне интерьеров храмов готического стиля использовались насыщенные красные, синие, желтые, коричневые оттенки, а также золотые и серебряные нити. Для контрастных деталей использовались пурпурные, рубиновые, иссиня-черные, гвоздично-розовые, зеленые оттенки.

Заключение

Ключевой момент готической архитектуры – вечно льющийся Божественный свет – символ просветления и мудрости. Поэтому готика – звездный час витражей.

Готика – первый общеевропейский стиль.

Собор Парижской Богоматери (Нотр-Дам) - самый внуши­тельный и, несомненно, самый замечательный памятник ранней готики, он служит ее символом, воспринимается как одно из высочайших воплощений французского художественного гения. западный фасад Нотр-Дама- горизонталь соперничает с вертикалью. это соперничество создает несравненную четкость и уравновешенность. Главный фасад пятинефной базилики легок, причем высота башен находит свое завершение в тонком, изящном шпиле (над средокрестием), стремительно возносящемся к небу. Огромное ажурное окно-роза, сияет в центре второго яруса над устремленными ввысь стрельчатыми арками углубленных порталов. Готическая скульптура имела огромную роль в готическом храме, общий облик которого рождается из сочетания архитектурных форм- статуй или рельефов.

Шартрский собор является вершиной французской зрелой готики и всей французской готической архитектуры. Как и в парижском соборе Нотр-Дам, главный фасад- в три яруса, с ажурной розой посередине и двумя мощными башнями. Но здесь вертикаль легко и в то же время торжественно главенствует над горизонталью, ярусы почти стушевываются, и стена безоговорочно капитулирует перед грандиозным остовом тончайшей архитектуры, которая устремляется ввысь без всякого напряжения. все тут не только величаво, но и нарядно, изящно, с полным выявлением исконной для галльского разума внутренней логики и чувства меры. Легкая ажурная громада- синтез зодчества и ваяния, праздничная сим­ония стрельчатых арок, колонн и цветущего, сказочно великолепного скульптурного убранства.

Сен Шапель в Париже-самая восхитительная из королевских дворцовых капелл 4 . интерьер: вместо стены- ажурный переплет окон со сверкающими чистыми красками витражами. музыка цвета радужно сочетается тут с музы­кой изящнейших архитектурных форм. Высокие, легкие столпы подхватывают столь же легкие нервюры свода, доводя их динамику до самого пола. Стреми­тельность взлетов и сказочная цветовая симфония создают в этом храме некое волшебно-поэтическое настроение.

2.Филиппо Брунеллески (1337-1446) - один из величайших итальянских зодчих XV столетия. Он открывает новую главу в истории архитектуры формирование стиля Возрождения. зодчий явился в мир, «чтобы придать новую форму архитектуре».

Порывая с готикой, Брунеллески опирался не столько на античную классику, сколько на зодчество Проторенессанса и на национальную традицию итальянской архитектуры, сохранившей элементы классики на протяжении всего средневековья. Творчество Брунеллески стоит на рубеже двух эпох: одновременно оно завершает традицию Проторенессанса и кладет начало новому пути развития архитектуры.

В начале XV столетия флорентийские правители, цеховые организации и купеческие гильдии уделяли большое внимание завершению строительства и декорировки флорентийского собора Санта Мария дель Фиоре. В основном здание было уже возведено, однако задуманный в XIV столетии огромный купол не был осуществлен. С 1404 года Брунеллески участвует в составлении проектов купола. В конце концов он получил заказ на выполнение работы; становится руководителем. Главная трудность, которая встала перед мастером, была вызвана гигантским размером пролета средокрестия (свыше 48 метров), что потребовало специальных усилий для облегчения распора. Новаторство Брунеллески заключалось в том, что он поднимает купол, делая его стрельчатым, а не плоским, использует каркасные ребра(8 ребер+ дополнительные) и двойная оболочка внутри и снаружи(а между ними пустота), т.е купол максимально облегчился. Это произведение флорентийского зодчего положило начало строительству купольных церквей итальянского Ренессанса, вплоть до собора Святого Петра, увенчанного куполом Микеланджело.

Первым памятником нового стиля и самым ранним произведением Брунеллески в области гражданского строительства является дом детского приюта (Воспитательный дом). При первом же взгляде на это здание бросается в глаза его существенное и принципиальное отличие от готических строений. Подчеркнутая горизонтальность фасада, нижний этаж которого занимает открывающая на площадь девятью арками лоджия, симметричность композиции, завершенной по бокам двумя более широкими, обрамленными пилястрами проемами, - все вызывает впечатление равновесия, гармонии и покоя. Однако, приблизившись к классическому замыслу, Брунеллески воплотил его в полновесных формах античного зодчества. Легкие пропорции колонн, изящество и тонкость профилировки карнизов выдают родство творения Брунеллески с тем вариантом классики, который донесла до позднего средневековья архитектура тосканского Проторенессанса.

Капелла Пацци (1430-1443). Она отличается ясностью пространственной композиции, чистотой линий, изяществом пропорций и декорировки. Центрический характер здания, все объемы которого группируются вокруг подкупольного пространства, простота и четкость архитектурных форм, гармоническое равновесие частей делают капеллу Пацци сосредоточением новых принципов архитектуры Ренессанса.

Билет 10

1. Отличительные черты романского и готического храмов (с прорисовками).

2. Творчество Пьеро делла Франчески.

1. Для романских построек характерно сочетание ясного архитектурного силуэта и лаконичности наружной отделки - здание всегда гармонично вписывалось в окружающую природу, и поэтому выглядело особенно прочным и основательным. Этому способствовали массивные стены с узкими проёмами окон и ступенчато-углубленными порталами. Такие стены несли в себе оборонительное назначение.

Основными постройками в этот период становятся храм-крепость и замок-крепость. Главным элементом композиции монастыря или замка становится башня - донжон. Вокруг неё располагались остальные постройки, составленные из простых геометрических форм - кубов, призм, цилиндров.

Особенности архитектуры романского собора:

§ В основе плана - раннехристианская базилика, то есть продольная организация пространства

§ Увеличение хора или восточной алтарной части храма

§ Увеличение высоты храма

§ Замена в крупнейших соборах кессонного (кассетного) потолка каменными сводами. Своды были нескольких видов: коробовые, крестовые, часто цилиндрические, плоские по балкам (характерно для итальянской Романской архитектуры).

§ Тяжелые своды требовали мощные стены и колонны

§ Основной мотив интерьера - полуциркульные арки

§ Рациональная простота конструкции, сложенной из отдельных квадратных ячеек - травей.

§ Пизанский собор, Италия

Капелла кающихся грешников.

Характерными чертами стиляготика являются вертикальность композиции, стрельчатая ярка, сложная каркасная система опор и ребристый свод. Преимущество использования ребер заключается в том, что свод может быть больше, вследствие чего уменьшаются возникающие от него нагрузки.

Погашение этих нагрузок системой контрфорсов позволило сделать более тонкими и стены. Стремление максимально уменьшить массивность сооружения привело к тому, что в результате введения каркаса стена перестала быть несущим элементом и стала всего лишь заполнением между несущими пилонами. В результате своей вариабельности стрельчатый свод по многим позициям конструктивно превосходил полуциркульный свод. Массивная каменная кладка свода в раннем средневековье сменилась ажурными каменными конструкциями, чьи подчеркнуто вертикальные опоры и колонны переносят собранные в пучок статические нагрузки на фундаменты

2. Пьеро́ де́лла Франче́ска (итал. Piero della Francesca ); ок. 1420-1492 гг., итальянский художник и теоретик, представитель Раннего Возрождения. Произведения отличают величественная торжественность, благородство и гармония образов, обобщённость форм, композиционная уравновешенность, пропорциональность, точность перспективных построений, исполненная света мягкая нарядная красочная гамма.

В период с 1446 по 1454 Пьеро создал стиль, который в основных чертах сохранился и в произведениях, относящихся уже к периоду его творческой зрелости. Для него характерны условность в изображении волос и глаз (знаменитые миндалевидные глаза, заимствованные у персонажей Доменико Венециано) и идеализация черт лица. Высокие фигуры построены по классическому канону пропорций Витрувия, но женские образы имеют удлиненные, слегка изогнутые шеи и высокие лбы – элементы позднеготического идеала красоты. В моделировке карнации Пьеро делла Франческа отдает предпочтение мягким тонам, плавным переходам в противоположность резким и темным теням, к которым прибегал в своих работах Мазаччо. В Бичевании Христа Пьеро демонстрирует явное нежелание изображать быстрые, резкие или часто повторяющиеся движения. Это в первую очередь объясняется его темпераментом, однако здесь также сыграло свою роль изучение античной скульптуры. Главное действие, собственно бичевание Христа, изображено слева на заднем плане, тогда как на переднем справа стоят в застывших позах спиной к происходящему три персонажа. Мучители Христа кажутся бесстрастными, остановившимися в своем движении, словно участники «живой картины». В картинах со строго канонической иконографией Пьеро делла Франческа предложил оригинальные колористические решения, отдавая предпочтение использованию холодных тонов и особенно большого количества оттенков синего.

Пьеро делла Франческа строит большие композиции, подчеркивая положения и действия персонажей при помощи пространственных интервалов, световых и цветовых акцентов.

В старости Пьеро делла Франческа оставил живопись, по-видимому, из-за ухудшения зрения, и обратился к математике. Наиболее значительный из его математических трактатов, предназначенный для художников и ученых, – О перспективе в живописи (De prospectiva pingendi ).

«Портрет герцога Федериго Монтефельтро и герцогини Баттисты Сфорца»

«История царицы Савской» , церковь Сан Франческо в Ареццо.

Билет 11

1. Готический собор: образ и конструкция (архитектурные особенности, скульптурный декор, витражи).

Готический собор при всем богатстве составляющих его элементов поражает необычайным единством, как архитектурного плана, так и всей системы декора (экстерьера и интерьера). Более того, это единство характеризует готический стиль в целом.

Самое же устройство христианского храма остается незыблемым. Внутренний остов его все тот же, все то же последовательное расположение частей. Какой бы скульптурой и резьбой ни была украшена оболочка храма, под нею всегда находишь, хотя бы в зачаточном, начальном состоянии, римскую базилику. Она располагается на земле по непреложному закону. Это все те же два нефа, пересекающихся в виде креста, верхний конец которого, закругленный куполом, образует хоры; это все те же постоянные приделы для крестного хода внутри храма или для часовен - нечто вроде боковых проходов, с которыми центральный неф сообщается через промежутки между колоннами. На этой постоянной основе бесконечно варьируется число часовен, порталов, колоколен, шпилей, следуя за фантазией века, народа и искусства. Изваяния, витражи, розетки, арабески, разные украшения, капители, барельефы - все это сочетает оно по своему вкусу и своим правилам.

Конструкция Готического собора План готического храма

Почти всегда сооружали два яруса аркбутанов. Первый, верхний ярус предназначался для поддержки крыш, становившихся со временем более крутыми, и, следовательно, более тяжелыми. Второй ярус аркбутанов также противодействовал давящему на крышу ветру. Стрельчатые арки, которые по мере развития готической архитектуры становятся все более вытянутыми, заостренными, выражали главную идею готической архитектуры - идею устремленности храма ввысь.

Композиционный и идейный замысел скульптурного декора был подчинен разработанной теологами программе. Средоточием скульптурных композиций стали порталы, где большие по размеру статуи апостолов, пророков, святых следовали вереницами, как бы встречая посетителей. Тимпаны, арки порталов, промежутки между ними, галереи верхних ярусов, ниши башенок, вимперги украшались рельефами и статуями. Множество мелких фигур и сцен размещалось в архивольтах, трансептах, на консолях, цоколях, постаментах, контрфорсах, крышах. Капители заплетались листьями и плодами, по выступам карнизов, ребрам башенок, аркбутанам стремительно пробегали полураспустившиеся листочки (крабы), шпили увенчивались цветком (крестоцвет). Резными ажурными узорами заполнялись переплеты окон. В храме-частице вселенной - стремились воплотить религиозную концепцию истории человечества с ее возвышенными и низменными сторонами.

Конструктивные особенности готических сооружений не требовали массивных стен, и наружные промежутки между столбами-контрфорсами заполнялись громадными стрельчатыми окнами. Преимущества лучшего освещения очевидны; нелишне, однако, пом­нить о том символическом смысле, который придавал свету средневековый человек. Образ Христа как «Светоча мира» очень часто встречается в живописи и в литературе той эпохи. И образ этот, наверное, был особенно дорог аббату Сугерию, который среди прочих характерных элементов будущего готического стиля ввел в Сен-Дени оконные витражи. Использование цветного стекла для изобразительных композиций само по себе не было новостью. Но лишь в готическом храме витражи стали необходимым элементом церковной архитектуры. Витражи можно определить как «прозрачную мозаику». Они и впрямь состояли из больших кусков цветного стекла. Контур витража сначала размечался на деревянной доске; по ее размеру нарезалось стекло, оправлялось в свинцовый обод, и, наконец, все куски соединялись вместе в железной раме. Ранние витражи готических соборов отличаются яркими, интенсивными цветами, чаще красным и синим, которые фиксировались с помощью обжига. К середине XIII в. цвета становятся менее интенсивными и краска наносится прямо на стекло. Как и прочие заказчики Средневековья, Сугерий чрезвычайно гордился своими витражами, усматривая в них не только материальную и художественную ценность, но и глубокий духовный смысл.

Творчество Мантеньи.

Андреа Мантенья (Mantegna), (1431–1506), один из крупнейших живописцев эпохи Возрождения в Северной Италии. Мантенья сочетал в себе художественные устремления ренессансных мастеров XV века: увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей, передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Его творчество стало связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.

Мантенья родился около 1431 года; в 1445 он был записан в цех живописцев в Падуе как приемный сын Франческо Скварчоне, местного художника и антиквара, в мастерской которого работал до 1448 года. В 1449 году Мантенья приступил к созданию фресок в церкви Эремитани в Падуе.

Увлечение Мантеньи перспективой и античным искусством проявляется везде и во всем. Знание правил линейной перспективы он почерпнул от мастеров тосканской школы, непосредственно от Донателло и других флорентийских художников, которые работали тогда в Падуе. В 1454 году Мантенья женился на Николозе, дочери венецианского живописца Якопо Беллини.

В 1460 году, приняв приглашение маркиза Мантуи Лодовико Гонзага, Мантенья обосновался при его дворе. Посетил Тоскану, Рим, где по просьбе папы Иннокентия VIII украсил фресками его капеллу. Возведенный в рыцарское достоинство, занимая высокое положение при дворе, Мантенья прослужил семейству Гонзага до конца жизни.

Увлечение мастера античной классикой вновь проявилось в его картине «Святой Себастьян». Святой привязан к изящной коринфской колонне, которая, по-видимому, осталась от разрушенного храма. Растения пробиваются в расщелинах камня, и фрагменты античных мраморов разбросаны у ног мученика.

Для кабинета Изабеллы д"Эсте, жены Франческо Гонзага, Мантенья написал две композиции на мифологические темы (третья осталась незаконченной): Парнас (1497) и Минерва, изгоняющая пороки (1502). В них заметно некоторое смягчение стиля Мантеньи, связанное с новым пониманием пейзажа.

Билет 12

1.Римский скульптурный портрет.

Римский скульптурный портрет - один из периодов в развитии мирового портрета, охватывающий примерно пять веков (I в. до н. э. - IV в. н. э.), характеризуется необыкновенным реализмом и стремлением передать характер изображённого.Римский портрет развился из посмертных масок.

Развитие древнеримского портрета было связано с усилением интереса к индивидуальности отдельно взятого человека. В основе художественной структуры многих древнеримских портретов - чёткая передача неповторимых черт модели. Отличие от древнегреческого портрета в том, что греки стремились к идеализации человека.

Римский скульптурный портрет как самостоятельное и своеобразное художественное явление четко прослеживается с начала I века до н. э. - периода Римской Республики. Характерная черта портретов этого периода - крайний натурализм и правдоподобие в передаче черт лица того, что отличает конкретную личность от любого другого человека. Эти тенденции восходят к этрусскому искусству.

Характерные психологические черты портрета периода Республики: «внешнее сходство изваяния с оригиналом и особенная внутренняя настроенность, сближавшая все образы, делавшая их похожими друг на друга, а также замкнутость, самостоятельность и погруженность в мир личных чувств и переживаний»

Марк Аврелий.

Антонин Пий

2. Поздние работы Боттичелли.

Са́ндро Боттиче́лли (итал. Sandro Botticelli , 1 марта 1445 - 17 мая 1510) - прозвание флорентийского художника Алесса́ндро ди Мариа́но ди Ва́нни Филипе́пи (итал. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ), который привёл искусство кватроченто на порог Высокого Возрождения.

Глубоко религиозный человек, Боттичелли работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, - «Весна» и «Рождение Венеры».

С начала 1490-х гг. стиль Боттичелли заметно изменился: картины стали меньшего масштаба; живописец, подчеркивая жесты и выражения персонажей, концентрировал внимание на их страстном порыве к действию. Это таинственное отступление от идеализирования натурализма 1480-х.

В 1490-е годы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма (“Оплакивание Христа”, после 1490, музей Польди-Пеццоли, Милан; “Клевета”, после 1495, Уффици). Резкие контрасты ярких цветовых пятен, внутренняя напряженность рисунка, динамика и экспрессия образов свидетельствуют о необыкновенной перемене в мировосприятии художника - в сторону большей религиозности и даже своеобразного мистицизма. Однако его рисунки к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека) при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов. Весна

Рождение Венеры

Клевета

1. Наумбургский собор является великолепным примером романской и готической архитектуры. Строительство собора началось в 1210 году, но, как водится, растянулось на долгие годы, и в облике романского по стилю собора в XIII–XIV веках появились уже раннеготические элементы.

Наиболее интересен западный хор собора, который представляет собой яркий образец синтеза архитектуры и скульптуры зрелой готики с шедеврами готической пластики. Имя художника, трудившегося над созданием западного хора, остается до сих пор неизвестным. Известно лишь, что он приехал в Наумбург около 1240 года и обладал огромным талантом. На фоне европейской готики XIII столетия его произведения выделяются своим поразительным реализмом, человечностью интерпритации и отважным нарушением канонов и норм средневекового искусства.

«Мастер из Наумбурга» на протяжении десяти лет (1255-1265гг.) возводил в раннеготическом стиле западный хор Наумбургского собора. С конца 1240-х годов мастер приступил к украшению западного хора скульптурой, так на рубеже 1240-1250-х годов в западном хоре Наумбургского собора появилась серия выдающихся произведений средневекового европейского искусства, ставших сегодня признанной классикой. Наумбургский мастер и его помощники выполнили рельефы алтарной преграды западного хора с изображением «Страстей Христовых», группу «Распятье с предстоящими» и 12 статуй донаторов в самом хоре.

Преграду западного хора (горизонтальный ярус) украшает цикл рельефов «Страсти Христовы». Это первое в монументальном искусстве Германии воплощение евангельского повествования о страданиях и смерти Христа.

Первый рельеф, «Тайная вечеря», воспроизводит сцену крестьянской трапезы – грубые миски, нарезанный толстыми ломтями хлеб. Апостолы – широкоскулые, коренастые, никакой утонченности. Фигуры евангельских героев напоминают скорее немецких крестьян, которые с жадностью, как будто изголодавшись за день, набросились на еду. Среди них резко выделяются две фигуры. В центре композиции – Христос. Его взгляд, задумчивый и ясный (как такое можно изобразить в камне- поражает). Участвуя в общей трапезе, он тем не менее, уже не здесь, он – в завтрашнем дне, где его ждут суд и мучительная казнь. Протягивая Иуде кусок хлеба, Христос осторожно придерживает другой рукой широкий рукав, чтобы не испачкать его. Задумчивому и светлому образу Христа вторит фигура сидящего у края стола немолодого облысевшего бородача. Его взгляд говорит о том же: он понял мысли Учителя. И в атмосферу вечерней трапезы крепких здоровых мужчин врывается щемящая трагическая нота: этот вечер – последний.

В рельефе «Христос перед Пилатом» (Пилат умывает руки) мастер удивительно ярко передал бешеную ярость врагов Христа и сомнения Пилата. Но Христос выше их – в его фигуре сквозит спокойная отрешенность, внутреннее согласие с волей Отца. Потрясающе передано разнообразие характеров и накал страстей.

Сама входная группа выполнена в виде распятия. Удивительной и совершенно нехарактерной для средневекового искусства представляется скульптура самого распятого Христа. Мы видим не идеальный образ Спасителя, а человека, которому не чужды боль и муки. Христос изображен страдающим, человечным. Подробно передано тело Христа: естественная человеческая фигура, с раной от копья сотника Лонгина, лицо искаженное страданием, угасающий взгляд.

Вершиной творчества «Мастера из Наумбурга» являются двенадцать фигур донаторов – основателей Наумбургского собора. Это первая портретная галерея в искусстве средневековой Европы, удивительная по яркости изображения характеров, не имеющая аналогов ни в одной из стран. Если в создании алтарной преграды западного хора автор проявил себя как мастер драматического повествования, то в статуях основателей храма раскрылся его талант как прекрасного портретиста. Скульптуры Наумбургского собора называют кульминацией развития немецкой скульптуры XIII века. Среди двенадцати скульптур западного хора, выполненных почти в человеческий рост, особенно выделяются знаменитые портреты властного, жестокого и умного Мейсенского графа Эккехарда и его жены Уты – величественной, гордой, и одновременно глубоко чувствующей и трепетной. Галерею удивительных по своей яркости образов так же представляют слабовольный и нерешительный брат Эккехарда Герман и его жизнерадостная и улыбающаяся жена Реглинда, чувствительный и мечтательный Вельгельм, олицетворение злобной тупости Тимо фон Кистриц.

В этих произведениях художник далеко опередил свое время. В европейском искусстве XII века нет ничего подобного наумбургским скульптурам.

Реализм и подчеркнутая «светскость» наумбургских скульптур побудила некоторых исследователей искать связь между ними и средневековым еретическим движением вальденсов. Однако позднейшие исследования опровергают эти предположения: собор в Наумбурге был епископской кафедрой, и епископ Наумбургский лично участвовал в разработке художественного оформления храма. Это исключает воздействие вальденской ереси на образы знаменитых скульптур Наумбургского собора.

Скульптуры Наумбургского собора связаны с французской готикой, и это естественно – «Мастер из Наумбурга» учился и работал во Франции. Во многих мотивах Наумбургского собора можно усмотреть влияние скульптурного убранства собора в Реймсе. Однако в произведениях «Мастера из Наумбурга» ясно присутствует немецкая художественная традиция.

Подводя итог, можно сказать, что самыми характерными чертами немецкой монументальной скульптуры средневековья являются индивидуализация образов и драматизм повествования. Своеобразие немецкой пластики в том, что она соединяет черты подлинного реализма с экспрессивностью и даже экзальтацией.

2. Потолок Сикстинской капеллы - роспись потолка Сикстинской капеллы представляет собой известнейший цикл фресок Микеланджело Буонаротти, созданный в 1508-1512 годах и считающийся одним из признанных шедевров искусства Высокого Возрождения. Сложнейшую задачу, поставленную перед ним папой Юлием II - Микеланджело, называвшему себя скульптором, а не живописцем, не приходилось ещё осуществлять столь масштабную работу в технике фрески, - мастер выполнил в рекордные сроки и практически один.

В 1508 году, несмотря на сильное сопротивление противников и соперников Микеланджело, в первую очередь Браманте, друга и ревностного защитника Рафаэля от любого посягательства на его славу, могущественный папа Юлий II призвал Микеланджело из Флоренции в Рим, чтобы тот расписал плафон (потолок) Сикстинской капеллы в Ватикане. За четыре года до этого Микеланджело-скульптор прославился своим Давидом, но опыта в качестве живописца у него было мало и еще меньше в технике фрески. Во всяком случае, он никогда не имел дела с изогнутыми сводами, составляющими в Сикстинской капелле значительную площадь. Микеланджело противился этому заказу, но, в конце концов, подчинился требованию папы.

Эта титаническая работа заняла четыре года. Микеланджело исполнил для нее сотни рисунков, многие из которых сами по себе шедевры. Впечатляют уже одни только физические параметры этого творения, которое художник создал фактически в одиночку: площадь росписей Микеланджело в капелле около 520 кв. м. Поначалу он пригласил из Флоренции своих коллег-художников и предложил им, как рассказывает Вазари в своей биографии Микеланджело, «написать что-нибудь в качестве образца. Увидев же как далеки их старания от его желаний и не получив никакого удовлетворения, как-то утром он решил сбить все ими написанное и, запершись капелле, перестал их впускать туда и принимать у себя дома. А так как шутки эти, по их мнению, продолжались слишком долго, они смирились и с позором возвратились во Флоренцию».

Часто можно прочитать, что Микеланджело писал потолок капеллы, лежа на спине. Это, по-видимому, легенда. Вазари говорит о величайшем неудобстве работы – о постоянно «закинутой вверх голове», иными словами, Микеланджело работал стоя, вынужденный все время держать голову закинутой вверх. «Он так испортил себе зрение, - продолжает Вазари, - что несколько месяцев не мог читать написанное и рассматривать рисунки иначе, как снизу вверх». Любой турист, побывавший в Капелле, подтвердит, что вышел из нее с больной головой и шеей, поскольку, пытаясь рассмотреть фрески потолка, все время запрокидывал голову. Можно представить себе, что испытывал Микеланджело после четырех лет такой изнурительной работы!

Отдельная тема – как технически было возможно устроить леса для расписывания такой большой площади потолка. Известно, что Браманте, которому папа поручил обеспечить технически эту возможность, решил подвесить к потолку на канатах подмостья (нечто вроде люлек) и для этого во всем потолке пробил дыры. Когда Микеланджело увидел это, то, естественно, задал вопрос, как эти дыры заделать после того, как роспись будет сделана. Браманте ответил, что подумает об этом после, по-другому же сделать нельзя. «Микеланджело понял, - рассказывает Вазари, - что Браманте либо небольшой мастер своего дела, либо небольшой его друг». В конце концов, Микеланджело изобрел своей способ: он установил подмостья на козлах так, чтобы они не касались стен. Сохранился чертеж художника, дающий об этом представление. Более того, уже в наше время, когда производили расчистку фресок, реставраторы соорудили подмостья именно такими, какими их спроектировал Микеланджело.

Четыре года изнурительного труда – это борьбы с собственным плохим здоровьем, с гнетом финансовых трудностей, с церковными проблемами, это недостаточное знание техники фресковой живописи (в какой-то момент фрески стали покрываться плесень, и это приводило художника в отчаяние), это, наконец, назойливая нетерпеливость и вздорность папы. «Встречаясь с Микеланджело, папа напоминал ему часто: «Не сделать ли капеллу красками и золотом побогаче, ведь она бедновата», - рассказывает Вазари. На что Микеланджело отвечал попросту: «Святой отец, в те времена люди золота на себе не носили, а те, что там изображены, слишком богатыми никогда не были, но были святыми людьми, так как презирали богатство».

Г отика — период в развитии средневекового искусства на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы.

Слово происходит от итал. gotico - непривычный, варварский - (Goten - варвары; к историческим готам этот стиль отношения не имеет), и сначала использовалось в качестве бранного. Впервые понятие в современном смысле применил Джорджо Вазари для того, чтобы отделить эпоху Ренессанса от Средневековья.

Происхождение термина

Однако варварского в этом стиле ничего не оказалось: напротив, он отличается большим изяществом, гармоничностью и соблюдением логических законов. Более правильное название было бы «стрельчатый», т.к. стрельчатая форма дуги составляет существенную принадлежность готического искусства. И, действительно, во Франции, на месте рождения этого стиля, французы дали ему вполне соответствующее наименование — «стиль оживаль» (от ogive — стрелка).

Три основных периода:
— Раннеготический XII-XIII века.
— Высокая готика — 1300-1420 гг. (условно)
— Поздняя готика — XV век (1420-1500 гг.) часто называют «Пламенеющая»

Архитектура

Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря - бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.

Изобразительное искусство

Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.

В готику активно развивается круглая монументальная пластика. Но при этом готическая скульптура - неотъемлемая часть ансамбля собора, она - часть архитектурной формы, поскольку вместе с архитектурными элементами выражает движение здания ввысь, его тектонический смысл. И, создавая импульсивную светотеневую игру, она в свою очередь оживляет, одухотворяет архитектурные массы и способствует взаимодействию их с воздушной средой.

Живопись . Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее - наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый «Великолепный часослов герцога Беррийского» (около 1411-1416).

Орнамент

Мода

Интерьер

Дрессуар - посудный шкаф, изделие мебели поздней готики. Нередко покрывался росписью.

Мебель эпохи готики простая и тяжеловесная в прямом смысле этого слова. К примеру, одежду и предметы быта впервые начинают хранить в шкафах (в античности для этих целей использовали исключительно сундук). Таким образом, к концу эпохи Средневековья появляются прототипы основных современных предметов мебели: шкафа, кровати, кресла. Одним из наиболее распространённых приемов изготовления мебели была рамочно-филёнчатая вязка. В качестве материала на севере и западе Европы использовали преимущественно местные породы древесины - дуб, орех, а на юге (Тироль) и на востоке - ель и сосну, а также лиственницу, европейский кедр, можжевельник.

Начал изживать себя. В это время возникли первые предпосылки к необычному новому искусству. Название "готика", "готическая архитектура" происходит от слова "готы" - варварские племена, имеющие германские корни.

Люди эпохи Возрождения с изысканными манерами были возмущены тем, что искусство принимает облик, далекий от античных канонов. Они называли новый стиль готическим, то есть варварским. Под такое определение попало практически все искусство времен Средневековья.

Данное направление некоторое время существовало вместе со старым веянием, поэтому достаточно сложно отделить их разными хронологическими границами. Зато можно выделить черты готического стиля в архитектуре, которые не были похожи на романские.

Когда в двенадцатом веке романское искусство находилось на самом пике своего развития, начало зарождаться новое течение. Даже формы, линии и тематика произведений существенно отличалась от всего, что было ранее.

Готический стиль в архитектуре разделяют на несколько этапов:

ранняя готика;

высокий, или зрелый, вид оказался на пределе своих возможностей в 13 веке;

пламенеющий, или поздний, достиг расцвета в 14-15 веках.

Основное месторасположение стиля

Готика была популярной там, где христианская церковь доминировала над светской жизнью. Благодаря новому виду архитектуры появлялись храмы, костелы, монастыри, церкви.

Зародилась она в небольшой французской провинции под названием Иль де Франс. Одновременно ее открыли для себя архитекторы Швейцарии и Бельгии. А вот в Германии, откуда и получило свое название это искусство, оно появилось позже остальных. Там процветали другие архитектурные стили. Готический стиль стал гордостью Германии.

Первая проба

С началом двенадцатого века появляются и основные свойственные данному направлению черты в архитектуре различных соборов. Так, если посмотреть на аббатство Сен-Дени недалеко от Парижа, можно увидеть необычную арку. Именно это построение олицетворяет собой весь готический стиль в архитектуре западной Европы. Руководил стройкой некий аббат Сугерий.

Церковник приказал убрать при постройке несколько внутренних стен. Аббатство тут же стало казаться более объемным, торжественным и масштабным.

Наследие

Хоть готический стиль в архитектуре и концентрируется в основном на индивидуальных переживаниях человека, он также взял многое и от своего предшественника. Романская архитектура передала свои лавры данному стилю и отошла на второй план.

Главным объектом готики стал собор как симбиоз живописи, архитектуры, и скульптуры. Если раньше архитекторы предпочитали создавать церкви с круглыми окнами, толстыми стенами во множество опор и небольшими внутренними помещениями, то с приходом данного стиля все изменилось. Новое течение несло в себе пространство и свет. Зачастую окна были украшенные витражами с христианскими сюжетами. Появились высокие колонны, башни, продолговатые арки и фасады с резьбой.

Горизонтальный романский стиль оставил место для вертикальных полос готики.

Собор

Средние века всегда отождествляются с развитием христианства. Церковь получила власть не только в религиозной, но и в светской жизни. Она начала управлять государствами, сажать на престол угодных себе монархов.

Обучение грамоте велось по церковным книгам. Единственной литературой была религиозная. Музыка также связывалась напрямую с христианством. Готический стиль в архитектуре Средневековья взаимодействовал со всеми видами искусства.

Собор стал центральным местом любого города. Его посещали прихожане, в нем обучались, здесь жили нищие, и даже разыгрывались театральные постановки. В источниках нередко упоминается, что и правительство заседало в церковных помещениях.

Изначально готический стиль для собора имел для себя цель существенно расширить пространство, сделать его более светлым. После того как во Франции такой монастырь был создан, мода начала быстро расходиться по Европе.

Насильно навязанные в крестовых походах ценности новой религии распространили готический стиль в архитектуре и в Сирии, и на Родосе, и на Кипре. А монархи, посаженные на престол Папой, увидели в острых формах божественное проведение и начали активно использовать их в Испании, Англии, и Германии.

Характеристика готического стиля в архитектуре

От других стилей готическую архитектуру отличает наличие устойчивого каркаса. Главной частью такого остова становятся арки в форме стрел, своды, идущие вверх в форме дуг и крестов.

Здание готического стиля, как правило, состоит из:

травея - вытянутых ячеек прямоугольной конструкции:

четырех арок:

4-х столбов;

остова свода, что формируется из упомянутых выше арок и столбов и имеет крестообразную форму;

аркбутанов - арок, которые служат для опоры здания;

контрфорсов - устойчивых столбов снаружи помещения, часто украшенных резьбой или шипами;

окон в арочном стиле, с мозаикой, как отчетливо показывает готический стиль в архитектуре Франции и Германии.

В то время как в романском классическом искусстве церковь отделена от окружающего мира, готика стремится к взаимодействию между природой снаружи и жизнью собора внутри.

Светская архитектура по-новому

Учитывая то, что в Темные времена церковь и религия в общем были нераздельны с повседневной жизнью людей того времени, мода на готический стиль в архитектуре средневековья распространилась повсюду.

Вслед за соборами начали строиться ратуши с теми же характерными чертами, а также жилые дома, замки, особняки за городом.

Французские готические шедевры

Основателем этого стиля стал монах из аббатства Сен-Дени, который решил создать абсолютно новое здание. Его прозвали крестным отцом готики, а церковь стали показывать в качестве примера остальным архитекторам.

В четырнадцатом веке в столице Франции возник еще один яркий образец готической архитектуры, ставший известным во всем мире - Собор Парижской Богоматери, католический оплот веры в центре города, который сохранил в себе все особенности готического стиля в архитектуре и до наших дней.

Святыню построили там, где раньше римляне чествовали бога Юпитера. С давних времен место было важным религиозным центром.

В новую церковь закладывали первый камень Папа Александр Третий, а также Людовик Седьмой. Проектировал собор известный архитектор Морис де Сюлли.

Тем не менее основатель Нотр-Дама так и не увидел своего детища. Ведь собор был построен только после ста лет непрерывной работы.

Согласно официальной задумке, храм должен был поместить десять тысяч горожан, которые проживали в то время в Париже. И стать прибежищем и спасением в момент опасности.

После стольких лет строительства город вырос в несколько раз. Когда его доделали, собор стал центром всего Парижа. У входа тут же образовались базары, ярмарки, начали выступать уличные артисты. Цвет парижской знати собирался у него и обсуждал новые веяния моды.

Здесь укрывались во время революций и войн.

Обустройства собора Нотр-Дам

Каркас собора соединен множеством тонких столбов с помощью арки. Внутри стены протягиваются высоко и смыкаются незаметно для невооруженного взгляда. Продолговатые окна покрыты цветным витражным стеклом. В зале царит полумрак. Лучи, которые все же проходят через стекла, освещают сотни скульптур из серебра, воска, мрамора. В них замерли обычные люди, короли, служители церкви в разнообразных позах.

Вместо стен церкви как будто бы просто поместили каркас из десятков столбов. Между ними размещаются цветные картины.

В соборе пять нефов. Третий из них гораздо больше, чем другие. Его высота достигает тридцати пяти метров.

Если измерять в современных мерках, то в таком соборе можно без проблем поместить двенадцатиэтажный жилой дом.

Два последних нефа пересекаются и зрительно образуют между собой крест. Он символизирует жизнь и страдания Иисуса Христа.

На постройку собора шли деньги из общественной казны. Парижане копили их, жертвовали после каждой воскресной службы.

Собор сильно пострадал в новое время. Так, первоначальные витражи можно увидеть только на западном и южном фасаде. Скульптуры видны в хоре, на фасадах здания.

Германия

Готический стиль в архитектуре был назван в честь племен, проживающих на немецкой территории. Именно в этой стране он пережил свой расцвет. Главными достопримечательностями готической архитектуры в Германии можно назвать:

1. Кельнский собор. Этот храм начал строиться еще в тринадцатом веке. Тем не менее закончили работу над ним лишь в девятнадцатом столетии, в тысяча восемьсот восьмидесятом году. Его стиль напоминает Амьенский собор.

У башен острые окончания. Средний неф высокий, в то время как остальные четыре приблизительно одних пропорций. Декор для собора очень легкий и изящный.

В то же время заметны скованные сухие пропорции.

Западное отделение церкви закончили строить в девятнадцатом веке.

2. Собор в Вормсе, построенный в тринадцатом веке по приказу местного управителя.

3. Нотр-Дам в Ульме.

4. Собор в Наумбурге.

Итальянская готика

Италия долгое время предпочитала сохранять приверженность к античным традициям, к романскому стилю, а потом и к барокко и рококо.

Но и эту страну не могло не вдохновить новое на то время средневековое веяние. Ведь именно в Италии находилась резиденция Папы.

Самым ярким образцом готической архитектуры можно считать Палац Дожей в Венеции. Смешавшись с культурными традициями этого города, он приобрел свои уникальные характеристики, сохранив признаки готического стиля в архитектуре.

В Венеции строители пропустили в своих чертежах тот конструктивизм, который царил в этом направлении. Они сосредоточились на декорировании.

Фасад Дворца уникален своими составляющими. Так, на нижнем этаже выстроены колонны из белого мрамора. Они образуют между собой арки стрельчатого вида.

Само здание словно оседает сверху над колоннами и придавливает их к земле. А второй этаж сформирован с помощью большой лоджии по всему периметру здания, на котором так же расставлены опоры, более элегантные и вытянутые, с необычной резьбой. Этот рисунок протягивается и к третьему этажу, стены которого, кажется, лишены тех окон, которые характерны готической архитектуре. Вместо многочисленных рам на фасаде появился орнамент в геометрических фигурах.

В этом готически-итальянском стиле соединились роскошь культуры Византии и европейская строгость. Набожность и любовь к жизни.

Другие итальянские примеры готического стиля в архитектуре:

Дворец в Милане, который начал строиться еще в четырнадцатом веке, а был достроен в девятнадцатом;

Палаццо d’Oro (или палаццо Санта-София) в Венеции.

Между романским стилем и готикой нет четкой хронологической границы. Готика явилась высшей ступенью средневекового искусства и первым в истории общеевропейским художественным стилем. «Французской манерой», «застывшей в камне музыкой» называли этот стиль французы; «маниера готика» - презритель­но окрестили его итальянцы, намекая на варварское племя готов, в III-V вв. втор­гавшихся в пределы Римской империи, хотя к моменту возникновения готического стиля о них в Европе почти забыли.

Родиной готического стиля считается Франция, а его основой - церковное (зод­чество. В 1137 г. Сугерий, настоятель монастыря Сен-Дени, начал перестройку церкви аббатства, служившего со времен Меровингов усыпальницей королей, в связи с необходимостью увеличения ее внутреннего пространства. Для облегче­ния сводов и уменьшения нагрузки на стены в обходе и капеллах строители возво­дили каркасные арки - нервюры (от фр. nervur - ребро). Эта конструкция пред­ставляет собой две выступающие, диагонально пересекающиеся арки и четыре боковые.

Вместо доминировавшей раньше полуциркульной стали применять стрельча­тую арку, которая позволяла перекрывать любой в плане пролет. Применение нервюрного стрельчатого свода позволило предельно облегчить стены и почти

Нервюрные перекрытия церкви Сен-Дени. Париж

Готический храм. Разрез

вытеснить их, заменив высокими ок­нами, отделенными одно от другого лишь узкими перемычками опор. По замыслу Сугерия, яркий свет в алтар­ной части должен был символизиро­вать «священный светрелигии». Окна капелл украсили цветными витража­ми, через которые солнечные лучи наполняли хор радужным мерцани­ем. «Все святилище залито дивным и немеркнущим светом, проникающим сквозь священные окна», - рассказы­вал Сугерий, описывая восточную часть храма.

Чтобы снять нагрузки со стены, боковой распор сводов «гасили» за счет выступающих из стен «лопаток» либо вынесенного за пределы стен подпорного уступчатого столба -контрфорса. Поскольку в готическом культовом зодчестве сохранилась ба-зиликальная форма здания, где сред­ний неф возвышался над боковыми, использовали специальную соедини­тельную арку - аркбутан, которую перебрасывали от пяты свода главно­го нефа на контрфорс бокового. Та­ким образом, фасад расчленялся по вертикали на три части посредством контрфорсов или выступающих «ло­паток», что символически соотноси­лось с идеей Троицы.

Такие архитектурные приемы по­зволили увеличить собор в высоту до 154 м, что было выше даже египет­ских пирамид. Стена, не являясь бо­лее несущей конструкцией, заменя­лась окнами с цветными вставками - витражами.

Если хор церкви аббатства Сен-Дени положил начало распростране­нию новой конструкции сводов, то ее западный фасад стал прообразом фа­садов готических соборов.

Западный фасад также членился на три части, но уже по горизонтали. Нижнюю часть составляли входные двери - порталы. Они оформлялись либо в виде крылец (Реймсский со­бор), либо как уходящая внутрь па-