Возникновение кубизма относят к 1906-1907 гг. Обычно это направление в искусстве связывают с именем Пабло Пикассо и считают его родоначальником кубизма.
Это так. Но новое явление в искусстве никогда не появляется внезапно: всегда есть предшественники и предпосылки. Вот об этом мы и поговорим.
О термине
Термин «кубизм» пришёл в искусство с французского языка: cubismе, cube – куб. А впервые применил его критик Леон Восель в 1908 г., описывая работы Ж. Брака.
Жорж Брак (1882–1963) – французский художник, график, скульптор и декоратор; он является создателем кубизма вместе с Пикассо. В 1908 г. Брак создал серию пейзажей, по тем временам новаторских. Эти пейзажи не были приняты Осенним Салоном (объединение деятелей искусства во Франции, основанное в 1903 г.). Анри Матисс сказал тогда, что пейзажи составлены из кубиков. Отсюда и произошло слово «кубизм». Давайте рассмотрим эти работы Ж.Брака.
Ж. Брак «Дорога близ Эстака» (1908)
Ж. Брак «Гавань в Нормандии» (1909)
История кубизма
В 1907 г. П. Пикассо создал картину «Авиньонские девицы», она произвела сильное впечатление на Ж. Брака
. В 1908 г. Брак и Пикассо начали работать в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушали привычные образы предметов, как бы «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры. Ж. Брак считал, что «чувства деформируют, рассудок – формирует». Таким образом, можно предполагать, что к кубизму художник пришёл не интуитивно, а рассудочным путём – именно в этом направлении он смог более полно реализовать себя.
В 1912 г. они начали работать в технике коллажа и аппликации и увлеклись обратным процессом – синтезированием объектов из разнородных элементов.
Как пришёл к кубизму П. Пикассо? Тоже не сразу.
Пабло Пикассо (1881-1973)
П. Пикассо «Автопортрет»
П. Пикассо – испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Его творчество оказало исключительное влияние на развитие изобразительного искусства XX в. Он является известнейшим художником среди живших за последние 100 лет, к тому же очень «популярным» среди похитителей картин.
Х. Грис «Портрет П. Пикассо» (1912). Художественный институт (Чикаго)
Сначала были эксперименты с цветом. С 1901 по 1906 гг. – «голубой» и начало «розового» периода его живописи. Затем было стремление к передаче настроения – это стремление к формулам, отображающим типическое, универсальное в искусстве, что отвечало глубинным процессам европейской цивилизации на рубеже веков. Наконец, Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция (от лат. destructio – «разрушение, рассыпание конструкции») натуры.
П. Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). Холст, масло. 243,9 х 233,7 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк
В 1907 г. им были написаны «Авиньонские девицы». Считается, что эта картина положила начало кубизму в творчестве художника, а затем и целого художественного направления. А истоки его – в односторонней интерпретацией системы Сезанна, который рекомендовал молодому художнику Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Считается, что Пикассо, как и Ж. Брак, этот совет воспринял буквально. К тому же в этот период Пикассо интересовался африканской скульптурой, что также отразилось в его новой работе.
На картине мы видим деформированные, огрубленные фигуры при отсутствии перспективы и светотени. Картина демонстрирует радикальный разрыв с традиционной точкой зрения в живописи. Пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских геометрических фигур и неровных осколков, некоторые из них в африканских масках. Эта картина – стратегия будущего развития кубизма в творчестве Пикассо.
Кубизм отвергал традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства. Он означал полный разрыв с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времён Ренессанса. Творческой целью Пикассо и Брака было конструирование объёмной формы на плоскости, расчленение её на геометрические элементы. Сюжеты картин художников-кубистов (пока мы говорим только о творчестве Пикассо и Брака) незамысловаты, особенно это относится к раннему периоду – его называют «сезанновским» кубизмом (1907-1909). Он сложился под влиянием африканской скульптуры и работ Сезанна. На холсте изображены мощные объёмы, а цвет этот объём усиливает ещё больше.
П. Пикассо «Женщина с веером» (1908)
П. Пикассо «Три женщины» (1909)
Период в кубизме 1910-1912 гг. называют «аналитическим»: предмет дробится на мелкие грани, чётко отделяющиеся друг от друга, предметная форма на холсте теряется, цвет практически отсутствует.
Ж. Брак «Посвящение И.С. Баху» (1912)
П. Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» (1910)
П. Пикассо «Скрипка» (1912)
Последний период известен как «синтетический» кубизм (1913-1914). Для него характерны красочность, бо́льшая декоративность, картины становятся похожими на красочные панно. В рисунке появляются буквенные трафареты, наклейки, образующие коллажи.
П. Пикассо «Харчевня («Ветчина») (1914)
П. Пикассо «Ваза для фруктов и гроздь винограда» (1914)
В этот период к кубистам присоединяется Хуан Грис (1887-1927), испанский живописец, скульптор, график и декоратор. Работал главным образом в Париже, где жил с 1906 г. Именно он считается родоначальником «синтетического» кубизма. В 1920-х гг. Грис отходит от строгих геометрических форм. В числе его работ – ряд книжных иллюстраций и многочисленные театральные декорации и костюмы, в том числе для балетных постановок Дягилева.
Х. Грис «Мужчина в кафе» (1914), Нью-Йорк
Конечно, Пикассо считается наиболее выдающимся представителем кубизма. Он виртуозно превращал формы в целые геометрические блоки, как сделано это на картине «Фабрика в Орта-де-Эбро».
П. Пикассо «Фабрика в Орта-де-Эбро» (1909)
В «Портрете Фернанды Оливье» он рассекает форму на плоскости и грани и заполняет ими всю картину.
П. Пикассо «Портрет Фернарды Оливье» (1909)
Иногда кажется, что Пикассо уже отходит от кубизма – первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, но картины Пикассо часто становятся непонятными ребусами. Например, картина «Обнажённая».
П. Пикассо «Обнажённая» (1910)
Первая мировая война положила конец сотрудничеству Брака и Пикассо. В это же время заканчивается и кубистический период в творчестве Пикассо, хотя в некоторых произведениях художник использует отдельные кубистические приёмы вплоть до 1921 г.
Кубизм
Направление
В «кристаллической» манере письма М. А. Врубеля часто находят предчувствия кубизма.
Подлинным первооткрывателем кубизма является предприниматель и коллекционер С. И. Щукин, привёзший в Москву ранние кубистские опыты Пикассо.
В целом же русский кубизм был сугубо переходным явлением, своего рода «школой авангарда». Большинство мастеров, составивших ядро «Бубнового валета» (в том числе П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, И. И. Машков, Р. Р. Фальк), не пошло дальше раннего, «сезаннистского» этапа, самобытно и красочно его обогатив. Художники же настроенные более радикально (К. С. Малевич, В. Е. Татлин и др.) быстро перешли к кубофутуризму, честолюбиво выдвигая его в противовес кубизму в качестве более передового и уже свободного от французских влияний метода.
Однако и позднее, в свой витебский период (1919-1922) Малевич утверждал: «Если ты стремишься изучать искусство, то изучай кубизм».
Кубизм – узнаваемый, необычный стиль, отображающий природу, людей, неодушевленные предметы, не прибегая к имитации. Кубизм в живописи зародился в первой четверти XX века и стал одним из направлений развития модернистской культуры.
Особенности стиля
Главная особенность – отказ от объемного изображения реальности. Картины в стиле кубизм узнаваемы, благодаря плоскому виду без светотени и перспективы. Изображения деформированы, нелогичны, иррациональны, разбиты на отдельные детали – натюрморт, портрет похожи на набор взаимодействующих геометрических фигур.
Это направление искусства стало особой формой авангарда, где доминирующую роль играют острые углы, прямые линии, нейтральная цветовая гамма. Изображения – натюрморт, портрет – не должны выглядеть реалистично, они походят на пазл, который предстоит мысленно собрать зрителю. Кубизм относят к разным направлениям живописи – абстракционизму, примитивизму, авангардизму.
Основание течения и первые творцы
Первые работы связаны с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Временем возникновения направления считают 1907 год. Одна из первых ярких и репрезентативных работ – картина «Авиньонские девицы». Творение Пикассо отличалось рубленными, грубыми линиями, острыми углами, отсутствием игры теней и перспективы. Нереалистичное изображение обнаженных женщин характерно для кубизма.
Сангина рисование красными мелками
Художник использовал нейтральные, природные цвета. Африканские маски, по мнению искусствоведов, являются символом зарождения нового течения живописи.
Основоположник кубизма дал картине название «Философский бордель», а переименована она была Андре Сальмоном – писателем, другом художника. В полотне отслеживаются влияния картины Сезанна «Купальщицы».
По мнению искусствоведа Эрнста Гомбриха, основатель кубизма – Поль Сезанн, а Пабло Пикассо был его учеником. Именно Сезанн в письме к Пикассо изложил совет применять простые, геометрические формы: сферы, цилиндры, конусы. Автор письма имел в виду основу, базу для создания изображения, но Пабло Пикассо истолковал этот совет буквально.
Со времен эпохи Возрождения художники стремились к максимальной реалистичности передаваемого изображения. Кубизм полностью оторвался от реалистичности, натуральности, гармонии передачи света и тени. Стремление к созданию плоского изображения в натюрморте, портрете, вместо объемного – главная черта творчества первых кубистов. Они использовали геометрические фигуры для абстрактной передачи изображений людей, природы, предметов. Формы, переданные на картинах – осязаемые, незамысловатые, простые. Натюрморт и портреты отображают суть, эмоции, но не истинное, реалистичное изображение.
Термин «кубизм» появился в 1908 году, благодаря критику Луи Вокселю. Излагая мнение о картинах Брака, он назвал их «кубическими причудами».
Пуантилизм как стиль в живописи
Родиной кубизма считается Франция, но направление живописи активно развивалось и за ее пределами – в России (в форме кубофутуризма), Чехословакии. Современный стиль кубизм тяготеет к абстракции, футуризму.
Кубизм не сразу прижился в мире искусства – он часто становился предметом насмешек и жесткой критики. Это радикальное для живописи течение, пришедшее на смену реализму, было предметом нелестных отзывов. Также представители стиля, работавшие в этом стиле, стали предметом интереса прессы. Кубический натюрморт и другие жанры были смелым творческим экспериментом. Поклонников нового, необычного стиля, было немного, но среди них были критики и меценаты.
Развитие направления
В процессе эволюции стиля выделяется три периода:
Сезан
Ранний период развития или «сезанновский кубизм» — становление нового направления в живописи под влиянием работ Сезанна и африканских скульптурных композиций. Длился период с 1907 до 1909 года. В работах художников передается объем при помощи цвета – мощные изображения еще не укладываются в рамки плоского изображения.
Импрессионизм как стиль в живописи
Аналитика
Аналитический период (1910 – 1912) – этап переосмысления кубизма. Цвет на картине практически отсутствует, формы расплывчатые, нечеткие, каждый предмет делится на небольшие грани. Одна из наиболее репрезентативных работ второго периоды – «В честь И.С. Баха» Ж. Брака. Жанры – натюрморт, портрет.
Художники подают объекты более детализовано, исходя из собственного видения. Предметы разбиты на блоки, детали геометрических форм. Иногда виденье художника нарушает пространство и время. Путем дробления целого на геометрические фигуры, художники пытались проникнуть в суть вещей.
Работы, характерные для аналитического периода, считаются наиболее показательными для кубизма – у многих именно с такими полотнами ассоциируется все направление. Наиболее известные примеры аналитического кубизма – работы Пабло Пикассо «Бутылка и книги», «Стол архитектора», «Человек с кларнетом», «Человек со скрипкой».
Развитие
Синтетический период (1913 – 1914) – период развитого кубизма. Картины становятся более выразительными, яркими, декоративными. Основателем этого направления считается Хуан Грис. Время появления – 1912 год, но наиболее полно стиль раскрылся в 1913 году. Творцы стремились передать на картине самодостаточный, а не иллюзорный объект. Наиболее развитый жанр – натюрморт.
Концептуализм как стиль в живописи
Изображение плоское, комбинированное с наклейками, надписями. Популярны коллажи из необъемных геометрических фигур, из цветной бумаги или газет, некоторые художники полностью рисовали их, не используя дополнительные материалы. Представители синтетического кубизма – Пабло Пикассо, Жорж Брак.
Цвета и объем утратили привычное значение. С развитием кубизма, оттенки стали схематичными: чтобы передать выступающие объекты в натюрморте или другом жанре, изображенные на переднем плане, использовали светлые, теплые тона, для удаленных предметов – темные оттенки.
После Первой мировой войны Брак и Пикассо, которые работали совместно, прекратили сотрудничество. Творчество каждого из них оказало заметное влияние на футуризм, пуризм, вортицизм.
Известные полотна
«Мандора», Ж. Брак
Пример кубизма ранней аналитической стадии, натюрморт, представленный в нейтральных, мрачных тонах. На картине изображен музыкальный инструмент – мандора. Специалисты называют картину пробой работы с мрачными тонами. Художник решил отказаться от ярких красок, остановив внимание на композиции, деталях.
«Три музыканта в масках», П. Пикассо
Работа представляет синтетический кубизм, написана незадолго до переориентации живописца на сюрреализм. Используются яркие тона, четкие геометрические формы. Центральные персонажи полотна похожи на аппликацию из цветной бумаги, наклеенную на холст.
Минимализм как стиль в живописи
«Фантомас», Х.Грис
Грису искусство обязано за разработку техники создания коллажей. Абстрактные изображения переплетаются с газетными и журнальными вырезками. «Фантомас» — яркий пример синтетического кубизма. Именно Грис первым начал использовать яркие тона в работах – это оказало влияние на творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака.
«Мужчина в кафе», Х.Грис
Живописец удачно использовать яркие цвета и текстуры. Картину можно назвать репрезентативным образцом синтетического кубизма – используется техника создания коллажа.
«Дама в голубом», Ф.Леже
Изображение выполнено с использованием ярких красок. Полотно относят как к синтетическому кубизму, так и к ранней абстракции. Главная идея Леже – передать характер, внутренний мир женщины, не останавливаясь на детализации ее внешности.
Происхождение кубизма во многом обуславливается тем, что классическое искусство переживало кризис. Поиск новой формы для отображения чувств и эмоций дал возможность найти новый способ и метод в живописи и позволил по-новому смотреть на творчество.
Возникновение кубизма, наряду с импрессионизмом и сюрреализмом, стало попыткой взглянуть на живопись под новым углом и пересматривать созданное до этого.
Истоки кубизма
Истоки кубизма тесно связаны с именем знаменитого Пабло Пикассо.
Кубизм Пикассо вызван интересом художника к примитивистской африканской скульптуре. Он заинтересовался ней на рубеже 1907-1908 гг. Рубленные формы африканского искусства закрепили стремление Пикассо к абстрактной обобщенности образов, исходя из этого его можно считать предтечей кубизма, как стиля. Первой картиной в стиле кубизма была «Авиньонские девицы», написанная в 1907 году.
Данное произведение было первым олицетворением основного принципа кубизма. Пикассо, создавая эту работу, прекратил с «условностями оптического реализма» и отбросил натуру и отказался от перспективы и светотени.
День рождения кубизма в искусстве считают встречу Пикассо и молодого художника Жоржа Брака.
Она случилась при участии поэта Гийома Аполинера, который пригласил Брака в мастерскую к Пикассо. Пикассо и Брак стали родоначальниками кубизма, и до первой мировой войны активно сработали друг с другом, при этом творя историю кубизма.
Со временем к ним присоединились многие другие молодые поэты и живописцы с Монмартра. Примерно в тот период, присоединившаяся к Пикассо и Браку группа, которая известна как «Бато-Лавуар», провозгласила про рождение нового направления в искусстве, вскоре получившее свое название.
Сам термин «кубизм» предоставил французский критик Луи Вексель.
Вскоре он прижился.
Родоначальники кубизма основой своего творчества сделали разложение объектов на плоскости, а также разнообразное комбинирование этих плоскостей в пространстве. Они отказались от передачи реальности при помощи стандартной линейной перспективы и цветовоздушной среды. Считали, что смогут добиться интересного художественного эффекта, чередуя плоскости, и исповедовали принцип, что аналитический путь постижения действительности позволяет глубже раскрыть суть тех или иных явлений. Многие представители кубизма применяли интересный подход при создании картин кубизма, который заключался в том, что один и тот же предмет изображается в одно время с нескольких точек зрения - это позволило добиться разностороннего анализа при рассмотрении предмета.
Художники кубизма
Художники кубизма намерено ограничивали использование цветовой палитры. Полотна кубизма подлинно кажутся ограниченными в цвете, так как тональность картин кубизма сводится к серому, черному, а также коричневому тону. Исключая цветовой строй, кубизм в искусстве отличается также тем, что картины кубистов являют собой сопоставления разных геометризированных плоскостей и поверхностей при весьма отдаленном сходстве с оригиналом. Родоначальники кубизма не считали художественную форму полностью соотносимой с реальной, исходя из этого предметы на полотнах кубизма кажутся более абстрактными.
Кубизм в живописи - не просто изображение предмета, это изображение предмета, который мысленно разрушен и заново создан в сознании художника.
Чаще всего предметы на полотнах в стиле кубизма сполна утрачивают связь со своими действительными прототипами и превращаются в абстрактные символы, которых воспринимаются, оказывается, доступно лишь одному автору.
Если говорить о кубизме , необходимо заметить, что полотна кубизма Пикассо были не единственным направлением в его творчестве. Кубизм Пикассо заменил интерес к импрессионизму в его творчестве и позже трансформировался в сюрреалистический взгляд на мир.
Стиль кубизма выразил огромное влияние на развитие живописи, изменил представление художников о способах передачи фактуры и объема и пространстве.
Если говорить о русском кубизме следует понимать, что развитие этого направления в этой стране шло несколько иным путем, чем в европейских странах. К русскому кубизму часто относят творчество Шагала,
Кубизм, картины современных художников
Случайные картины современных художников из нашей галереи:
Вы можете самостоятельно добавить вашу работу в нашу галерею после регистрации на сайте.
Кубизм - это направление в авангардном искусстве начала 20-го века, которое радикально изменило европейскую живопись и скульптуру, а также вдохновило на соответствующие течения в музыке, литературе и архитектуре. Кубизм считается наиболее влиятельным направлением в искусстве 20-го века. Этот термин широко использовался в связи с большим разнообразием искусства, создававшимся в Париже (Монмартр, Монпарнас и Пюто) в 1910-х и 1920-х годах.
У истоков кубизма стояли Жорж Брак и Пабло Пикассо, позже к ним присоединились Жан Метценже, Альбер Глез, Робер Делоне, Анри Ле Фоконье, Фернан Леже и Хуан Грис. Основной фактор, который привёл к созданию кубизма, заключался в представлении трёхмерной формы в последних произведениях Поля Сезанна. В «Осеннем салоне» 1904 года была проведена ретроспектива картин Сезанна, текущие работы представили в «Осеннем салоне» 1905 и 1906 годов, а затем две памятные ретроспективы после его смерти в 1907 году.
Пабло Пикассо Girl with a Mandolin (Fanny Tellier) («Девушка с мандолиной (Фанни Телье)»), 1910, масло, холст, 100,3 x 73,6 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
В произведениях в стиле кубизм, объекты проанализированы, разбиты и повторно собраны в абстрактной форме - вместо того, чтобы изобразить объекты с одной точки, художник рисует предмет с множества точек, дабы представить его в большем контексте.
Влияние кубизма было далеко идущим и всесторонним. Он быстро распространился по всему миру, при этом развывшись в большей или меньшей степени. Кубизм, в сущности, был отправной точкой эволюционного процесса, создавшего многообразие; он был предшественником разнообразных художественных течений.
Пабло Пикассо Les Demoiselles d"Avignon («Авиньонские девицы»), 1907, считается важным шагом в основании кубизма
Во Франции развились такие ответвления кубизма как орфизм, абстрактное искусство, а позже пуризм. В других странах возник футуризм, супрематизм, дадаизм, конструктивизм и неопластицизм. Ранний футуризм, как и кубизм, объединял прошлое и настоящее, представляя различные виды одновременно изображённого предмета, также названного множественной перспективой, одновременностью или множественностью, при этом конструктивизм находился под влиянием техники Пикассо, которая заключалась в построении скульптуры из отдельных элементов. Другие общие темы между этими разными направлениями включают огранку или упрощение геометрических форм и объединение механизации и современной жизни.
Концепция и происхождение
Кубизм зародился в 1907-1911 годах. Картина Пабло Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы» часто считается протокубистской работой. «Дома в Эстаке» Жоржа Брака (и связанные с ней работы) побудили критика Луи Воселя обратиться к bizarreries cubiques (кубическим странностям). Гертруда Стайн ссылалась на пейзажи, написанные Пикассо в 1909 году, например, «Водоем (Резервуар в Хорта де Эбро)», как первые кубистские картины. Первая организованная групповая выставка кубистов состоялась в «Салоне независимых» в Париже весной 1911 года в помещении под названием «Зал 41» (Salle 41); она включала произведения Жана Метценже, Альбера Глеза, Фернана Леже, Робера Делоне и Анри Ле Фоконье, работы Пикассо и Брака ещё не выставлялись.
Пабло Пикассо, 1909-1910, Figure dans un Fauteuil («Сидящая обнаженная»), масло, холст, 92,1 x 73 см, галерея Тейт Модерн, Лондон
К 1911 году Пикассо был признан изобретателем кубизма, при этом важность и предшественность Брака, в отношении его трактовки пространства, объёма и массы в пейзажах Л"Эстака, доказали позже. Но «это виденье кубизма связано с отчетливо ограничивающим определением кого из художников правильно называть кубистами», писал историк искусства Кристофер Грин: «Игнорирование вклада художников, которые выставлялись на «Салоне независимых» в 1911 году...»
Историки разделили историю кубизма на этапы. По одной версии первый этап кубизма, известный как аналитический кубизм, фразу придумал Хуан Грис на основе опыта, был настолько радикальным и влиятельным, как коротким, но при этом важным направлением в искусстве 1910-1912 годов Франции. Второй этап, синтетический кубизм, оставался актуальным до 1919 года, когда популярность приобрёл сюрреализм. Английский искусствовед Дуглас Купер предложили другую версию, описав три этапа кубизма в своей книге «Эпоха кубизма». Согласно Куперу «ранний кубизм» (1906-1908 гг.) был, когда направление развивалось в студиях Пикассо и Брака; второй этап, назывался «высокий кубизм» (1909-1914 гг.), за это время появился значительный представитель кубизма Хуан Грис (после 1911 года); и в заключении Купер назвал «поздний кубизм» (1914-1921 гг.) в качестве последнего этапа кубизма как радикального авангардного направления. Дуглас Купера ограничил использование этих терминов с целью выделить творчество Брака, Пикассо, Гриса (с 1911) и Леже (в меньшей степени) подразумевая намеренное оценочное суждение.
Утверждение, что кубисты изображают пространство, массу, время и объём подтверждая (вместо того, чтобы отрицать) плоскостность холста, выступил Даниэль-Анри Канвейлер в 1920 году, но в 1950-х и 1960-х годах оно стало предметом критики, особенно со стороны Клемента Гринберга. Современные взгляды кубизма сложны, сформировались в какой-то степени в ответ на кубистов «Зала 41», чьи методы слишком отличались от Пикассо и Брака, и считаются лишь вторичными по отношению к ним. Поэтому были разработаны альтернативные интерпретации кубизма. Более широкие взгляды кубизма включают: художников, которые позднее были связаны с художниками «Зала 41», например, Франсис Пикабиа; братья Жак Вийон, Раймон Дюшан-Вийон и Марсель Дюшан, который начинал в конце 1911 года, сформировав ядро «Золотого сечения» (или группа Пюто); скульпторы Александр Архипенко, Йожеф Чаки и Осип Цадкин, а также Жак Липшиц и Анри Лоран; и такие живописцы как Луи Маркусси, Роже де ла Френе, Франтишек Купка, Диего Ривера, Леопольд Сюрваж, Огюст Эрбен, Андре Лот, Джино Северини (после 1916 г.), Мария Бланшар (после 1916 г.) и Жорж Вальмьер (после 1918 г.). Более существенно то, что Кристофер Грин утверждает, что термины Дугласа Купера были «впоследствии поставлены под сомнение интерпретациями творчества Пикассо, Брака, Леже и Грис, которые скорее подчёркивают иконографические и идеологические вопросы, чем методы представления».
Джон Бёрджер определяет суть кубизма с помощью механической схемы. «Метафорическая модель кубизма представляет собой диаграмму: диаграмма является видимым символическим представлением невидимых процессов, сил, структур. Диаграмме не нужно избегать определенных аспектов внешнего вида, но они тоже будут рассматриваться как знаки, а не как копии или заново созданные творения».
Технические и стилистические аспекты
В конце 19-го и начале 20-го веков европейцы открывали африканское, полинезийское, микронезийское и индейское искусство. Художники, такие как Поль Гоген, Анри Матисс и Пабло Пикассо были заинтригованы и вдохновлены невероятной мощью и простотой стилей этих иноземных культур. Приблизительно в 1906 году Пикассо встретил Матисса благодаря Гертруде Стайн, в то время, когда оба художника только заинтересовались примитивизмом и иберийской скульптурой, африканским искусством и масками африканских племён. Они стали дружественными соперниками и соревновались друг с другом на протяжении всей жизни, что, возможно, к 1907 году привело Пикассо к новому периоду в творчестве, который отметился влиянием греческого, иберийского и африканского искусства. Картины Пикассо 1907 года определяются как протокубизм, предшественник кубизма, что особенно видно в картине «Авиньонские девицы».
Жан Метценже La Femme au Cheval («Женщина с лошадью»), 1911-1912, Государственный музей искусств, Национальная галерея Дании. Выставлялась в «Салоне независимых» 1912 года и публиковалась в книге Аполлинера «Кубисты. Эстетические размышления» в 1913 году. Провенанс: Жак Нэраль (Jacques Nayral), Нильс Бор
Искусствовед Дуглас Купер утверждает, что Поль Гоген и Поль Сезанн «оказали большое влияние на формирование кубизма, а особенно на картины Пикассо 1906-1907 годов». Купер говорит о том, что: ««Авиньонских девиц», как правило, называют первым кубистическим изображением. Это преувеличение, ибо, хотя оно и было первым основным шагом к кубизму, это ещё не кубизм. Подрывной, экспрессионистский элемент в нём даже противоречит духу кубизма, который смотрит на мир в обособленном, реалистичном духе. Тем не менее, «Авиньонские девицы» - логическая картина, принятая в качестве отправной точки кубизма, потому что знаменует рождение нового живописного стиля, потому что в ней Пикассо яростно уничтожил установившиеся обычаи, и потому что всё последующее выросло из неё».
Наиболее серьезное возражение относительно «Авиньонских девиц», как источника кубизма, с очевидным влиянием на картину первобытного искусства, состоит в том, что «такие выводы исторически недостоверны», написал искусствовед Даниэль Роббинс. Это знакомое объяснение «не оказывает должного внимания многогранности процветающего искусства, которое существовало до и в период, когда новая картина Пикассо была написана. В 1905-1908 годах сознательный поиск нового стиля вызвал быстрые изменения в искусстве всей Франции, Германии, Голландии, Италии и России. Импрессионисты использовали двойную точку обзора, а набиды и символисты (которые также восхищались Сезанном) выравнивали картинную плоскость, уменьшая предметы до простых геометрических форм. Неоимпрессионистические структуры и темы, больше всего заметные в работах Жоржа Сёра (например, «Парад», «Канкан» и «Цирк»), были ещё одним важным влиянием. Существуют также параллели в развитии литературы и общественной мысли.
В дополнение к Сёра, корни кубизма можно найти в двух различных тенденциях позднего творчества Сезанна: первая - разделение живописной поверхности на небольшие многогранные области, тем самым подчеркивая множественную точку виденья бинокулярного зрения, а вторая - интерес к упрощению естественных форм до цилиндров, сфер и конусов. Тем не менее, кубисты исследовали эту концепцию глубже, чем Сезанн. Они представляли все поверхности изображенных объектов в одной картинной плоскости, словно одновременно стали видны все стороны объектов. Этот новый вид изображением коренным образом изменил способ визуализации объектов в живописи и искусстве.
Историческое исследование кубизма началось в конце 1920-х годов, опираясь на первый из источников с ограниченными данными, а именно на мнения Гийома Аполлинер. Оно также в значительной степени зависело от книги Даниэль-Анри Канвейлера «Der Weg zum Kubismus» («Путь к кубизму») (опубликована в 1920 году), которая фокусировалась на развитии Пикассо, Брака, Леже и Гриса. Термины «аналитический» и «синтетический», появившиеся впоследствии, получили широкое признание начиная с середины 1930-х годов. Оба термина исторически навязаны, и возникнули после фактов, которые они определяют. Ни один из двух этапов не был установлен как таковой в то время, когда соответствующие работы были созданы. Дэниел Роббинс писал: «Если Канвейлер рассматривает кубизм, как Пикассо и Брак, наша единственная вина заключается в подчинении работ других кубистов суровости этого ограниченного определения».
Традиционное толкование «кубизма», сформировавшееся постфактум как способ понимания работ Брака и Пикассо, сказалось на нашей оценке других художников двадцатого столетия. Трудно обращживописцев, наподобие Жана Метценже, Альбера Глеза, Робера Делоне и Анри Ле Фоконье, чьи принципиальные отличия от традиционного кубизма заставили Канвейлера подвергнуть сомнению их право вообще называться кубистами. По словам Дэниэла Роббинса: «Полагать, что просто потому, что эти художники развивались по-разному или отошли от традиционного стиля, они заслужили, чтобы их оттеснили на второй план в кубизм - глубокое заблуждение».
История термина «кубизм» обычно подчеркивает тот факт, что Матисс обращался к «кубам» в связи с живописью Брака в 1908 году, и что в аналогичном контексте термин был дважды опубликован критиком Луи Воселем. Однако слово «куб» в 1906 году использовал другой критик Луи Шассевен, ссылаясь не на Пикассо или Брака, а скорее Метценже и Делоне:
«Метценже такой же мозаист, как и Синьяк, но он придаёт большую точность огранке цвета кубов, которые, по-видимому, созданы механически...»
Критическое использование слова «куб» восходит, по крайней мере, к маю 1901 года когда Жан Бераль, анализируя работу Анри Эдмон Кросса на Независимых в галерее Art et Littérature, прокомментировал, что тот «использует большой и квадратных пуантилизм, создавая впечатление мозаики. Он даже удивился, почему художник не использовал разнообразно окрашенные кубы: они бы создали милое покрытие» (Роберт Герберт, 1968, стр. 221)
Термин кубизм не вошёл в общее употребление до 1911 года, особенно по отношению к Метценже, Глезу, Делоне и Леже. В 1911 году поэт и критик Гийом Аполлинер принял термин от имени группы художников, приглашённых выставляться в Брюсселе на выставке «Независимых». В следующем году, в рамках подготовки к «Салону Золотого сечения», Метценже и Глез написали и опубликовали манифест «О кубизме», в попытке развеять путаницу, которая бушевала вокруг слова, и в качестве основной защиты кубизма (что вызвало публичный скандал на «Салоне независимых» 1911 года и «Осеннем салоне» 1912 года в Париже). Уточняя свои цели, как художников, этот труд был первым теоретическим трактатом по кубизму, и он по-прежнему остается ясным и наиболее понятным. Результат, не только сотрудничества двух авторов, показал обсуждения круга художников, которые встретились в Пюто и Курбевуа. Он отражает отношение «художников Пасси», среди которых были Пикабиа и братья Дюшан, которым был прочитан параграф манифеста до его публикации. В нём разработана концепция наблюдения за предметом одновременно с разных точек в пространстве и времени, т.е. акт перемещения вокруг объекта с целью захватить его с нескольких углов, которые слились в единый образ (несколько точек зрения, мобильных перспективы, одновременности или кратность), является общепризнанным приёмом, используемым кубистами.
В 1913 году, за манифестом «О кубизме» 1912 года Метценже и Глеза, последовала книга «Художники-кубисты: Размышления об искусстве», коллекция изображений и комментариев Гийома Аполлинера. Он был тесно связан с Пикассо начиная с 1905 года, и Браком с 1907 года, но уделял много внимания таким художникам, как Метценже, Глез, Делоне, Пикабиа и Дюшан.
Кубизм до 1914 года
Существует чёткое различие между кубистами Канвейлера и кубистами Салона. До 1914 Брак, Пикассо и Леже (в меньшей степени), Грис получили поддержку единственного заинтересованного арт-дилера в Париже Даниэль-Анри Канвейлера, который гарантировал им годовой доход за исключительное право приобретения их работ. Продавал их только небольшому кругу ценителей. Его поддержка давала художникам свободу экспериментировать в относительной конфиденциальности. Пикассо работал на Монмартре до 1912 года, в то время как Брак и Грис оставались там до окончания Первой мировой войны. Леже обосновался на Монпарнасе.
Альбер Глез Man on a Balcony (Portrait of Dr. Théo Morinaud) («Человек на Балконе (Портрет доктора Тео Моринода)»), 1912, масло, холст, 195.6 x 114.9 см, Художественный музей Филадельфии. Закончена в тот же год, что и книга Альбера Глеза «О кубизме» в соавторстве с Жаном Метценже. Выставлена в «Осеннем салоне» в Париже в 1912 году, и на «Арсенальной выставке» в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году.
В то же время салонные кубисты строили свою репутацию, прежде всего, регулярно выставляясь на «Осеннем салоне» и «Салоне независимых», основных неакадемических салонах в Париже. Они неизбежно были более осведомлены об отзывах общественности и необходимости общения. Уже в 1910 году начала формироваться группа, которая включала Метценже, Глеза, Делоне и Леже. Они регулярно встречались в мастерской Анри Ле Фоконье возле Бульвара де Монпарнас. Эти вечера часто посещали такие писатели, как Гийом Аполлинер и Андре Сальмон. Вместе с другими молодыми художниками, группа хотела сосредоточить исследование на форме, в противовес к неоимпрессионистам, которые акцентировались на цвете...
Луи Воксель, в своем обзоре 26-го «Салона независимых» (1910), мимолётно и неопределённо упомянул Метценже, Глеза, Делоне, Леже и Ле Фоконье как «невежественных геометров, уменьшивших человеческое тело до бледных кубов». На «Осеннем салоне» 1910 года, несколько месяцев спустя, Метценже выставил крайне изломанную «Обнаженную» (Nu à la cheminée), которая впоследствии была воспроизведена в книге Аполлинера «Художники-кубисты: Размышления об искусстве» (1913).
Первое общественное противоречие, порождённое кубизмом, возникло в результате салонных выставок на «Независимых» весной 1911 года. Этот показ Метценже, Глеза, Делоне, Ле Фоконье и Леже впервые привлёк внимание к кубизму широкой общественности. Среди представленных кубистских работ Робер Делоне выставил «Эйфелевую башню» (Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк).
На «Осеннем салоне» того же года, в дополнение к группе независимых художников «Залл 41» были выставлены произведения Андре Лота, Марсел Дюшана, Жака Вийона, Роже де ла Френе, Андре Дюнуайе де Сегонзака и Франтишека Купки. Рецензия на выставку вышла 8 октября 1911 года в Нью-Йорк Таймс. Эта статья была опубликована через год после «Диких мужчины Парижа» Гелетта Берджесса, и за два года до Арсенальной выставки, которая привела в изумление американцев, привыкших к реалистическому искусству, а также к экспериментальным стилям европейского авангарда, в том числе фовизму, кубизму и футуризму. Статья Нью-Йорк Таймс 1911 года иллюстрировала произведения Пикассо, Матисса, Дерена, Метценже и других художников написанные до 1909 года; не выставленные в «Салоне» 1911 года. Она называлась «Кубисты доминирую на «Осеннем салоне» в Париже» и подзаголовок «Эксцентричная школа живописи увеличивает свою популярность на текущей выставке искусства - что её последователи пытаются сделать».
«Среди всех картин на выставке в парижском «Осеннем салоне» ничто не привлекает столько внимания как внеочередное творение так называемой школы «кубизма». На самом деле, донесения из Парижа предполагают, что эти работы легкая главная особенность выставки.
Несмотря на сумасшедший характер теорий кубизма количество тех, кто исповедует их довольно значительно. Жорж Брак, Андре Дерен, Пикассо, Чобель, Отон Фриез, Эрбен, Метценже - это несколько имён, подписавших полотна, перед которыми выстоял Париж, и теперь он снова стоит в полном изумлении.
Что они означают? Те, кто отвечает за них попрощались со своим рассудком? Это искусство или безумие? Кто знает?»
Последующий «Салон независимых» 1912 года был отмечен презентацией картины Марселя Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице № 2», которая вызвала скандал, даже среди кубистов. В действительности её отклонил выставочный комитет, включавший его братьев и других кубистов. Однако работа была показана в «Салоне Золотого сечения» в октябре 1912 года и на Арсенальной выставке 1913 года в Нью-Йорке, Дюшан никогда не простил своих братьев и бывших коллег за цензуру его работы. Хуан Грис, новое приобретение салонного общества, выставил «Портрет Пикассо» (Чикагский институт искусств), в то время как две выставки Метценже включали «Женщину с лошадью» (La Femme au Cheval) 1911-1912 год (Национальная галерея Дании). На выставке также представили монументальный «Город Париж» Делоне (Музей современного искусства, Париж) и «Свадьбу» Леже (Государственный музей современного искусства, Париж).
«Кубисты доминируют на парижском Осеннем салоне», Нью-Йорк Таймс, 8 октября 1911 года. Seated Woman («Сидящая женщина») Пикассо 1908 года напечатана вместе с фотографией художника в своей студии (вверху слева). Картина Жана Метценже Baigneuses («Купальщицы») (1908-1909) находится сверху справа. Также представлены произведения Дерена, Матисса, Фриеза, Эрбена и фотография Брака.
Вклад кубизма в «Осенний салон» 1912 года, создал скандал относительно использования государственных зданий, например Большого дворца, для выставки таких работ. Возмущённый политик Жан-Пьер Филипп Лампье попал на первую страницу Le Journal 5 октября 1912 года. Спор распространился в муниципальный совет Парижа, что привело к дискуссии в палате депутатов об использовании государственных средств для обеспечения места для подобного рода искусства. Кубистов защитил депутат-социалист Марсель Самба.
Именно на этом фоне общественного гнева, Жан Метценже и Альбер Глез написали «О кубизме» (опубликован Эженом Фигье в 1912 году, переведён на английский и русский язык в 1913 году). Среди показанных работ были: крупное произведение Ле Фоконье «Les Montagnards attaqués par des ours» («Медведи нападают на альпинистов»), в настоящее время находится в Музее Школы дизайна Род-Айленда, «Две женщины» Йожефа Чаки (скульптура ныне утеряна), наряду с высоко абстрактной картиной Купки «Аморфа» (Национальная галерея, Прага), и «Весной» Пикабии (Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Абстракция и реди-мэйд
Наиболее крайними формами кубизма были не те, которые практиковал Пикассо и Брак, сопротивлявшиеся полной абстракции, а другие кубисты, особенно Франтишек Купка, и те, которых Аполлинер относил к орфистам (Делоне, Леже, Пикабиа и Дюшан), принимая абстракцию, они полностью удаляли видимый предмет изображения. Два экспоната Купки на «Осеннем салоне» 1912 года, «Аморфа. Двухцветная фуга» и «Аморфа. Хроматический жар», были крайне абстрактными (или нерепрезентативными) и метафизически ориентированными. Дюшан в 1912 году и Пикабиа в 1912-1914 годах развили экспрессивную и символическую абстракцию, посвященную сложным эмоциональным и сексуальным темам.
Робер Делоне Simultaneous Windows on the City («Одновременные окна в городе»), 1912, 46 x 40 см, Гамбургский кунстхалле, пример абстрактного кубизма.
Начиная с 1912 года Делоне нарисовал серию картин «Одновременная окна», которая последовала за «Округлыми формами», и в которой он соединил плоские структуры с яркими призматическими оттенками; основываясь на оптических характеристиках сочетаемых цветов, его отход от реальности в изображении образов был почти полным. В 1913-1914 годах Леже создал серию под названием «Контрасты форм», делая подобное ударение на цвет, линии и формы. Его кубизм, несмотря абстрактность, был связан с темами механизации и современной жизни. Аполлинер поддержал эти ранние достижения абстрактного кубизма в «Художниках-кубистах» (1913), написав о новой «чистой» живописи, в которой предмет изображения был освобождён. Но несмотря на его использование термина орфизм эти произведения были настолько разными, что бросали вызов попыткам поместить их в одну категорию.
Вдохновлённый кубизмом Марсель Дюшан, которого Аполлинер отнёс к орфистам, также отвечал за другое экстремальное течение. Реди-мейд возник в результате единого мнения, что работа сама по себе считается экспонатом (так же, как и картина), и что она использует материальные осколки этого мира (как коллаж и папье-колле в кубистических конструкциях ассамбляже). Следующим логическим шагом для Дюшана стал показ обычного объекта как самостоятельного произведения искусства, которое представляет только себя. В 1913 году он прикрепил велосипедное колесо к кухонной табуретке, а в 1914 году выбрал сушилку для бутылок в качестве отдельной скульптуры.
Золотое сечение
«Золотое сечение», также известное как группа Пюто, основанное наиболее выдающимися кубистами, было объединением художников, скульпторов и критиков, которые ассоциировались с кубизмом и орфизмом, активны примерно в 1911-1914 годах, и получившие известность после дискуссионной выставки «Салон независимых» 1911 года. «Салон Золотого сечения» в галерее «La Boetie» в Париже в октябре 1912 года, был, возможно, самой важной выставкой кубизма перед Первой мировой войной; демонстрируя кубизм широкой аудитории. Представленные на выставке более 200 работ, и тот факт, что многие из художников показали развитие своих произведений с 1909 по 1912 год, придало ей очарование ретроспективы кубизма.
Судя по всему, группа приняла название «Золотое сечение», чтобы выделить себя из узкого определения кубизма, которое параллельно развивали Пабло Пикассо и Жорж Брака на Монмартре, и показать, что кубизм, больше не изолированный вид искусства, а представляет собой продолжение великой традиции (на самом деле, золотое сечение очаровало западных интеллектуалов различных кругов, по крайней мере, на 2400 лет).
«Осенний салон» 1912 года проходил в Париже в Большом дворце с 1 октября по 8 ноября. Скульптура Йожеф Чаки Groupe de femmes («Группа женщин») 1911-1912 гг. выставлена слева, впереди двух скульптур Амедео Модильяни. Другие работы художников Золотого сечения представлены слева направо: Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Жан Метценже и Анри Ле Фоконье.
Идея о «Золотом сечении» возникла в ходе беседы между Метценже, Глезом и Жаком Вийоном. Название группы предложил Вийон, после прочтения в 1910 году перевода Жозефа Пеладана рукописей Леонардо да Винчи под названием «Трактат о живописи» (Codex Urbinas).
Тот факт, что выставка 1912 года организовывалась, чтобы показать последовательные этапы, через которые прошёл кубизм, и то, что трактат «О кубизме» был опубликован по данному случаю, указывает на стремление художников сделать их творчество понятным для широкой аудитории (арт-критиков, коллекционеров, арт-дилеров и широкой общественности). Несомненно, благодаря большому успеху выставки, кубизм признали тенденцией, жанром или стилем в искусстве с конкретной общей философией или целю: новым авангардным направлением.
Стремления и интерпретации
Кубизм Пикассо, Брака и Гриса имел не просто техническое или формальное значение, а различные взгляды и намерения салонным кубистов, создававших различные виды кубизма, а не производные их творчества. Кристофер Грин писал: «В любом случае, совершенно не понятно, до какой степени эти кубисты зависят от Пикассо и Брака в развитии таких методов, как огранка, «переход» и множественная перспектива; они вполне могли прийти к такой практике с незначительным знанием о «истинном» кубизме, находясь на ранних стадиях, и руководствуясь, прежде всего, своим пониманием Сезанна». Работы, которые эти кубисты выставляли в «Салоне» в 1911 и 1912 годах, выходили за рамки обычных для Сезанна тем - позирующих моделей, натюрмортов и пейзажей - которые предпочитали Пикассо и Брак, и включали масштабные темы современной жизни. Направленные на широкую общественность, эти произведения подчёркивали использование нескольких перспектив и сложных плоских огранок для достижения выразительного эффекта, сохраняя при этом красноречивость сюжетов, наделенных литературным и философским значением...
В трактате «О кубизме» Метценже и Глез напрямую связали чувство времени с множественной перспективой, давая символическое выражение понятию «продолжительности», предложенное философом Анри Бергсоном, согласно которому жизнь субъективно воспринимается как сплошная с перетеканием прошлого в настоящее и настоящего в будущее. Салонные кубисты использовали граненную обработку твёрдых предметов и пространства и эффект нескольких точек видения, чтобы передать физическое и психологическое чувство текучести сознания, размывание различий между прошлым, настоящим и будущим. Одна из главных теоретических инноваций, которую создали салонные кубисты, независимо от Пикассо и Брака, совпадала с «одновременностью», приближаясь в большей или меньшей степени к теориям Анри Пуанкаре, Эрнста Маха, Чарльз Генри, Мориса Принстона, и Анри Бергсона. С одновременностью, концепция отдельных пространственных и временных измерений полностью подверглась сомнению. Линейную перспективу, разработанную в эпоху Возрождения, упразднили. Предмет изображения больше не рассматривался с определенной точки видения в конкретный момент времени, а строился, следуя за набором точек видения, т.е., как будто смотрели одновременно с многочисленных углов (и в нескольких измерениях) взглядом свободно перемещающимся от одного к другому.
Этот техника, представляющая одновременность и различные точки видения (или сложное движение) дала толчок в высокой степени сложному монументальному произведению Глеза Le Dépiquage des Moissons («Молотьба урожая»), выставленному в «Салоне Золотого сечения» в 1912 году, «Изобилию» Ле Фоконье, показанному в «Независимых» в 1911 года, и «Городу Париж» Делоне, показанному на «Независимых» в 1912 году. Эти масштабные работы являются одними из крупнейших картин в истории кубизма. «Свадьба» Леже, также выставленная в «Салоне независимых» в 1912 году, придала форму понятию одновременности, представляя различные мотивы как происходящие в одном временном отрезке, где реакция на прошлое и настоящее сочетается с коллективными силами. Совместно такого предмета с одновременности выравнивает салон кубизма с ранних картин футурист, Умберто Боччони, Джино Северини и Карло Карра; непосредственно сделанный в ответ на ранний кубизм.
Кубизм и современное европейское искусство были введены в США на легендарной «Арсенальной выставке» 1913 года в Нью-Йорке, которая затем отправилась в Чикаго и Бостон. На «Арсенальной выставке» Пабло Пикассо выставил «Женщину с горчичницей» (1910), скульптуру «Голова женщины (Фернанда)» (1909-1910), «Два дерева» (1907) среди других кубистских работ. Жак Вийон представил семь важных и крупных гравюр, выполненных в технике «сухой» иглы, его брат Марсель Дюшан шокировал американскую публику картиной «Обнажённая, спускающаяся по лестнице № 2» (1912). Франсис Пикабиа показал абстракции «Танец весной» и «Шествие, Севилья» (обе 1912 года). Альбер Глез выставил «Женщину с флоксами» (1910) и «Человека на балконе» (1912), две высоко стилизованные и гранённые работы в стиле кубизм. Примеры своих кубистических работ также внесли Жорж Брак, Фернан Леже, Раймон Дюшан-Вийон, Роже де ла Френе и Александр Архипенко...
Так же, как и в живописи, кубистская скульптура уходит корнями в уменьшение Полем Сезанном нарисованных объектов до составных плоскостей и геометрических тел (кубов, сфер, цилиндров и конусов). И точно также как и в живописи, она стала всепроникающим влиянием и существенно посодействовала конструктивизму и футуризму.
Пабло Пикассо, 1909-1910, «Голова женщины». Вид сбоку, бронзовая скульптура, создана по подобию Фернанды Оливье. Фронтальный вид того же бронзового отливка, 40,5 x 23 x 26 см. Эти фотографии были опубликованы в Umělecký Mĕsíčník («Художественный ежемесячник») за 1913 год.
Кубистская скульптура развивались параллельно с кубизмом в живописи. Осенью 1909 года Пикассо создал «Голову женщины (Фернанду)» с положительными чертами при помощи негативного и положительного пространства. По утверждению Дугласа Купера: «Первой настоящей кубистской скульптурой была впечатляющая «Голова женщины» Пикассо, смоделирована в 1909-1910 годах, эквивалент в трёх измерениях для многих подобных аналитических и граненых голов в его картинах того времени». Эти положительные/отрицательные изменения честолюбиво использовал Александра Архипенко в 1912-1913 годах, например в «Идущей женщине». После Архипенко, Йожеф Чаки был первым скульптором в Париже, присоединившимся к кубистам, с которыми он выставлял свои работы с 1911 года. За ними последовали Раймон Дюшан-Вийон, а затем в 1914 году Жак Липшиц, Анри Лоран и Осип Цадкин.
Действительно, кубистское построение было настолько же влиятельным, как и любая художественная инновация в стиле кубизм. Оно стало толчком на фоне прото-конструктивистских работ Наума Габо и Владимира Татлина и, таким образом, отправной точкой для всего конструктивного направления в модернистской скульптуре 20-го века.
1914-1918
Значительное изменение кубизма в 1914-1916 годах свидетельствовало об особом внимании к большим перекрывающим геометрическим плоскостям и активности плоской поверхности. Подобное группирование стилей живописи и скульптуры, особенно значительное в 1917-1920 годах, практиковали несколько художников; особенно те, кто был связан договором с арт-дилером и коллекционером Леонсом Розенбергом. Сжимание композиций, чистота и чувство порядка отражаемого в этих работах, привело к тому, что критик Морис Рейнал назвал его «чистым» кубизмом. Вопросы, которые волновали кубисты до начала Первой мировой войны, такие как четвертое измерение, динамизм современной жизни, оккультизм, и концепция длительности Анри Бергсона, теперь упразднились, сменившись чистой формальной системой взглядов.
Жан Метценже, 1914-1915, Soldat jouant aux échecs («Солдат играет в шахматы»), холст, масло, 81,3 х 61 см, Художественный музей «Смарт», Университет Чикаго
«Чистый» кубизм и его ассоциативный rappel à l"ordre (призыв к порядку), были связаны с побуждением - тех, кто служил в вооруженных силах и тех, кто остался в гражданском секторе - чтобы избежать реальности Первой мировой войны, во время и непосредственно после конфликта. Во французском обществе и культуре «очищение» кубизма с 1914 года до середины 1920-х годов, с его сплоченным единством и добровольными ограничениями, соединилось с гораздо более широкой идеологической трансформацией в сторону консерватизма.
Кубизм после 1918 года
До 1914 года был наиболее инновационный период кубизма. После Первой мировой войны, благодаря поддержке, которую предоставил дилер Леонс Розенберг, кубизм у художников снова стал на первое место и оставался там до середины 1920-х годов, пока его авангардный статус не начал вызывать сомнения из-за появления в Париже геометрической абстракции и сюрреализма. Многие кубисты, включая Пикассо, Брака, Гриса, Леже, Глеза и Метценже развивали другие стили, периодически возвращаясь к кубизму, даже после 1925 года. Кубизм вновь появился в 1920-х и 1930-х годах в творчестве американца Стюарта Дэвиса и англичанина Бена Николсона. Однако во Франции кубизм переживал спад, начиная приблизительно с 1925 года. Леонс Розенберг выставлял не только художников, оставленных Канвейлером в изгнании, но других: Лоренса, Липшица, Метценже, Глеза, Чаки, Эрбена и Северини. В 1918 году Розенберг представил серию выставок кубизма на своей галерее «L"Effort Moderne» («Современное усилие») в Париже. Луи Восель предпринимал попытки утверждать, что кубизм мёртв, но эти выставки, наряду с хорошо организованной кубистической выставкой «Салона независимых» в 1920 году и возрождение «Салона Золотого сечения» в том же году, показали, что он всё ещё жив.
Возрождение кубизма совпало с появлением примерно в 1917-1924 годах теоретических письменным трудов Пьера Реверди, Мориса Рейналя и Даниэль-Анри Канвейлера, иа среди художников Гриса, Леже и Глеза. Периодический возврат к классицизму - фигуративное творчество, либо исключительно, либо наряду с кубизмом - с которым сталкивались многие художники в течение этого периода (так называемого неоклассицизма) был связан с тенденцией уклона от реалий войны, а также культурным преобладанием образа классической или латинской Франции во время и сразу после войны. Кубизм, после 1918 года во французском обществе и культуре можно рассматривать как часть широкого идеологического сдвига в сторону консерватизма. Тем не менее, сам кубизм развивался, как в творчестве отдельных художников, таких как Грис и Метценже, так и в работах художников, которые отличались друг от друга: Брак, Леже и Глез. Кубизм, как публично обсуждаемое направление, стал относительно единым и открытым для определения. Его теоретическая чистота сделала его эталоном, с которым можно было бы сравнить такие разные тенденции, как реализм или натурализм, дадаизм, сюрреализм и абстракция.
Кубизм в других областях
Влияние кубизма распространялось на другие области искусства, за пределами живописи и скульптуры. В литературе, в произведениях Гертруды Стайн повторения и повторяющиеся фразы использовались как строительные блоки в отрывках и целых главах. Эта техника применяется в большинстве важных работ писательницы, включая роман «Становление американцев» (1906-1908). Будучи не только первыми значительными покровителями кубизма, Гертруда Стайн и её брат Лео также оказали большое влияние на кубизм. В свою очередь Пикассо сильно повлиял на литературное творчество Стайн.
В области американской фантастики, роман Уильяма Фолкнера «Когда я умирала» (1930) можно истолковать как взаимодействие с кубистическим методом. Роман содержит рассказы разнообразных переживаний 15 персонажей, которые, собранные вместе, создают единый сюжет.
Пабло Пикассо Three Musicians («Трое музыкантов»), 1921, Музей современного искусства. «Трое музыкантов» - классический пример синтетического кубизма.
К поэтам, которые обычно ассоциируются с кубизмом, относятся: Гийом Аполлинер, Блез Сандрар, Жан Кокто, Макс Жакоб, Андре Сальмон и Пьер Реверди. Как американский поэт, Кеннет Рексрот объясняет, что кубизм в поэзии «является сознательной, преднамеренной диссоциацией и рекомбинацией элементов в новую художественную организацию, которая стала независимой благодаря строгой архитектуре. Это весьма отличается от свободного общества сюрреалистов и объединения бессознательного высказывания и политического нигилизма дадаистов». Тем не менее, влияние поэтов-кубистов на кубизм и более поздние направления дадаизм и сюрреализм было глубоким; Луи Арагон, один из основателей сюрреализма, говорил, что для Бретона, Супо, Элюар и его самого, Реверди был «нашим ближайшим старшим, образцовым поэтом». Хотя этих поэтов не так хорошо помнят как художников-кубистов, они продолжают влиять и вдохновлять; американские поэты Джон Эшбери и Рон Паджетт недавно создали новые переводы работ Реверди. Автор книги «Тринадцать способов увидеть дрозда» Уоллес Стивенс также сказал, что демонстрирует то, как множественную перспективу кубизма можно перевести в поэзию.
«Почти невозможно переоценить важность кубизма. Он произвёл настолько большую революцию в изобразительном искусстве, какая была в эпоху раннего Возрождения. Его влияние на более позднее искусство, на фильмы и архитектуру уже так велико, что мы с трудом замечаем его». (Джон Бергер)
